Shout with the Devil

Avishai Cohen - Aurora [2009]

2011-08-28T12:41:00.004+02:00

Bueno, ¿ha pasado tiempo, eh? Lo siento un poco. El calor y yo no funcionamos bien juntos y he decidido dejarle ganar la batalla a este verano por este año para tirarme unos cuantos meses tocándome las narices y lo que no son las narices sin hacer mucho más que emborracharme ocasionalmente y tocar, pero mis groupies ya han llegado a increparme por la calle para que actualice el blog de una puñetera vez y temo por mi integridad física, así que aunque estaba estupendamente masajeándome las gónadas, aquí estoy. De nada.

Dado que llevo desde abril con el bajo sin parar, me he interesado bastante en buscar grupos donde el bajista tenga un papel destacado o sea el artista principal, he estado oyendo mucho funk y acid jazz, he descubierto grupos de ese estilo muy interesantes y posiblemente los próximos artículos -de haberlos, que supongo que sí- se los dedique a ellos así como también quería terminar unos artículos que tengo a medias de algunos grandes grupos de rock clásico no tan conocidos como deberían, pero con quien más fuerte me ha pegado desde que dejé de actualizar es con un señor calvo israelí que toca jazz con una especie de violín gigante y, la verdad, lo hace bastante bien. Su nombre es Avishai Cohen.

- En to'l juanete... cagontó.

El disco que he elegido subir, titulado Aurora, tal vez no es en el que ilustra mejor su enorme técnica como contrabajista ni tampoco es un disco de jazz al uso, pero es el que de lejos más interesante me parece por su concepto, el que paso a explicar porque tiene mucha miga. Se trata de un álbum muy curioso donde lo primero destacable es que Cohen se atreve a cantar a lo largo de todo el disco, ¡y de qué forma! Canta en cuatro lenguas nada menos: árabe, inglés, ladino y, debo decir que con muy buen resultado, también español. Ahí es nada. Lo inmediatamente posterior que hay que comentar es que abandona el estilo de sus álbumes anteriores para aventurarse en algo mucho más personal, íntimo y emotivo: sonidos tradicionales de música judía sefardí, mucha calidez y atmósferas que evocan épocas pasadas en el Mediterráneo, incluso una delicadísima, preciosa y muy acertada incursión en el panteón de los clásicos de la música argentina con una versión muy particular de la celebérrima canción Alfonsina y el Mar que popularizase Mercedes Sosa, homenaje a la poetisa Alfonsina Storni que, según cuenta la leyenda, se suicidó internándose lentamente en el mar hasta desaparecer.

Podría estar adjetivando el disco, sus canciones, su historia y al autor de todo ello durante toda la tarde, pero pienso que la música de este tipo sólo puede definirse consigo misma. Avishai Cohen es tal vez el bajista más talentoso del presente, desde luego mi favorito de entre todos los que no están muertos -lo que me recuerda que debería subir algo de Jaco Pastorius-, los ambientes e imágenes que crea con su música están muy por encima de cualquier cosa que haya escuchado últimamente y pienso que este disco merece tres, cuatro o doscientas buenas escuchas porque no tiene ni una sola sílaba, ni una corchea que no te desgarre el corazón. Y si sois buenos y después de oírlo me contáis lo que os ha parecido, tal vez más adelante ponga algo suyo de otro estilo, que tampoco es manco en el jazz más ortodoxo.

Por cierto, un detalle; ¿he mencionado ya que el disco ha sido editado por Blue Note Records? ¿No? Pues eso.

Avishai Cohen - Aurora [2009]

Death from above 1979 - You're a woman, I'm a machine [2004]

2011-04-22T00:01:00.000+02:00

Muy buenas, no soy Mem, soy nueva en este blog y me llamo Eu. El caso es que vengo para mostraros a los que no los conozcáis a un grupo que personalmente me encantan: Death from above 1979. Son un par de amigos canadienses que se unieron hace unos cuantos años para hacer una música un tanto peculiar. Aunque, y esto ya es nota biográfica, se separaron en el 2006 y uno de ellos formó un nuevo grupo del estilo mas tirando a electrónico cañero (MSTRKRFT por ejemplo). Sus canciones son una mezcla de bajos (estos la guitarra la dejan en casa) cañeros con efectos que, quizás, en ciertos momentos pueden parecerte estridentes, demasiado cargados y pesados pero creo que ahí está la diferencia de DFA, que en realidad, te han enganchado.

El de los pies de foto es Mem.

El disco que os traigo es su único disco de estudio, You're a woman, I'm a machine. Luego tienen un recopilatorio de B-sides y cosas así, pero vamos, lo bueno está en este. El disco comienza con Turn it out, canción ya movida para empezar el disco. Aunque las letras no son extensas ni sean su mayor fuerte, la voz de Grainger (no Granger, no) que además es el batería, hace que sea fácil de escuchar y te enganche, con esas subidas de voz de vez en cuando que quedan bastante bien. Destacar del disco sus tres singles Romantic Rights, Blood on our hands y Black History Month. Black History Month creo que es la canción mas asequible que tienen, no es tan chillona como otras, pero sigue teniendo ese toque de DFA79 con los sintetizadores y efectos a tope. Con Blood on our hands y Romantic Rights los canadienses demuestran que tienen su propio estilo y no necesitan encuadrarse en los tópicos para sonar bien. Espero que os guste.

Death from above 1979 - You're a woman, I'm a machine [2004]

Agustín Cáncer - Héroe crepuscular [2010] + Agustín y el amor [2011]

2011-03-29T19:43:00.000+02:00

En el medio de Extremadura, comunidad autónoma apasionante donde las haya -nota para los demás hispanohablantes no españoles: estoy siendo altamente sarcástico- hay un pueblo que se llama Miajadas, y en ese pueblo por lo visto hay tomates. Mogollón de tomates. Además de eso de allí proviene un héroe español de la época en la que pegábamos tiros sin permiso de nadie, el teniente Saturnino Cerezo; culturizáos un poco hijos míos. ¿Que y qué coño os importa? Muy sencillo, está relacionado con el artista de hoy: vengo a decir que Miajadas hoy por hoy es famosa principalmente por un par de cosas pero tal vez en un futuro lo sea por una tercera, siendo ella que ese pueblo también es el lugar de nacimiento de otro héroe, Agustín Cáncer, de quien vengo a hablaros.

Agustín Cáncer, Agustín Cáncer... ¿quién es Agustín Cáncer? Pues un tío que para empezar no se llama Agustín ni se apellida Cáncer pero da lo mismo, Freddy Mercury tampoco se llamaba así sino que tenía un nombre bastante más gracioso. A lo que iba, Agustín Cáncer es un cantautor y multiinstrumentista -toca la guitarra, canta, sacude un huevo con arena dentro a partir de su segundo disco y hace palmas- orondo y oriundo de Miajadas, como he comentado arriba, y hace la música más underground, personal, no comercial, curiosa y auténtica que he escuchado en muchísimo tiempo. ¿Seguís sin haceros una idea de quién es Agustín Cáncer? Agustín Cáncer es... esto:

El artista.

Quiero aclarar antes de empezar a hablar de la música que esto se trata de dos maquetas caseras, ¿ehh? No esperéis una producción buenísima porque no la hay, en realidad suena bastante chustero, pero lo importante no es el continente sino el contenido de sus canciones. Agustín canta sobre su pueblo, Miajadas, sobre sus vivencias, sobre su infancia, etcétera. Sus letras, algunas, también pueden ser consideradas humorísticas; no humorísticas de forma directa como podríamos considerar las canciones de los Mojinos Escozíos, sino humorísticas como... ¿Juan Antonio Canta? No lo sé, es bastante particular, mejor que lo oigáis vosotros mismos para saber de lo que hablo.

El primer trabajo se titula Héroe crepuscular, contiene once cortes y es algo más oscuro e íntimo que el segundo, más ecléctico también, lleno de matices y contrastes, tanto que hay un par de canciones cantadas en portugués y todo. Los temazos considero que son, por supuesto, Millán Astray, una canción pegadiza donde las haya; la pieza instrumental de guitarra que da nombre al disco, Héroe crepuscular; Surfin' Miajadas, una versión de Surfin' USA de los Beach Boys -no habéis leído mal- y Presidente Obama, una canción que habla del presidente de los EEUU en Miajadas -sí hijos, sí-. Una muestra de lo que digo:

El segundo disco se llama Agustín y el amor, y, como su propio nombre indica, es un trabajo más alegre que el Héroe crepuscular estando plagado de canciones que tratan sobre él y los amores de la juventud, sean reales, ficticios o frustrados. Es mucho más regular y constante, más... audible, más convencional, menos freak pero aún así muy genuino. En él habla también sobre lo dura que puede ser la adolescencia para un chaval gordito y no especialmente popular en Miajadas, sobre la rebeldía propia de la juventud, y cómo no, sobre la propia Miajadas, tal vez sufriendo una revolución islámica. También hay un tema al final, The green inspired you, que es el que pone la nota que contrasta en el disco; está cantada en inglés, habla sobre Syd Barrett -el famosísimo ex-Pink Floyd, clic- y la letra no la tengo clara del todo, pero es que dudo que la tenga clara el propio autor. Otra muestra:

Poco más puedo decir. No se trata de un artista comercial, mainstream ni tan siquiera profesional; simplemente es un chalado con una guitarra y un micrófono barato, un huevo-maraca y grandes cantidades de creatividad, inteligencia y sentido del humor. Es diferente, sin más, por lo que es estúpido que hable de producción, de virtuosismo musical o fama, pero sí que puedo hablar de ingenio y de eso no tiene escasez. Espero francamente que os guste pues a mí personalmente me encanta. Aiosss.

Agustín Cáncer:
Héroe Crepuscular [2010]
Agustín y el amor [2011]

The Darkness - Permission to Land [2003]

2011-03-15T15:56:00.002+01:00

Si ya estábamos de enhorabuena con el potentísimo debut de Anna Calvi del que os hablé en el artículo de un poquito más abajo, definitivamente ya podemos decir que estamos que lo tiramos en lo poco que llevamos de 2011 y es que os traigo un notición. ¿Os acordáis de The Darkness, ese grupo inglés que sacaron un par de discos brutales la década pasada y el grupo acabó disolviéndose porque el cantante ingresó en una clínica de desintoxicación por problemas con la cocaína? Autores de temazos increíbles, entre ellos el himno I believe in the thing called love, cuyo tremendísimo videoclip tuvo gran parte de la culpa de que The Darkness tuviesen tanta repercusión en su día. Bueno, pues se reúnen, tan simple pero tan grandioso como eso. ¿Los hermanísimos han hecho las paces? ¿La pela es la pela? A mí me la pela -hihi-, como si se reúnen para hacer la jugada Dover y ponerse a hacer reggaetón, me da lo mismo. The Darkness se reúnen y promete muchísimo.

No, si desde luego la pinta de drogadictos la tienen.

Ya que no hay material nuevo del grupo -aunque se sabe que están trabajando en un nuevo álbum- pero no quería dejar el artículo solo como una noticia, pues ya sabéis que es costumbre que acompañe cada noticia sobre actualidad musical con al menos un disco anterior de ese grupo, me ha dado por subir el Permission to Land. ¿Qué voy a contar de este disco que cualquier auténtico amante del hard rock no sepa ya? Si pegaron fortísimo. Precisamente me gusta comparar este grupo con Wolfmother -salvando las distancias-, no porque el estilo de música que tocan ambos grupos se parezca, porque no es así, sino porque los debuts de ambos grupos significaron en su momento más o menos lo mismo: una prueba de que aún hay gente capaz de demostrar que puede hacer rock a la antigua usanza sin resultar aburrido ni reiterativo, sin que se le pase a nadie por la cabeza algo como "por Dios, esto lleva inventado cuarenta años" al oírles. Wolfmother con su estilo y The Darkness con el suyo aportan algo propio a un género tan enorme y complejo como es el rock, y eso tiene mérito.

El grupo obviamente tiene influencias muy importantes como es el sonido setentero de grupos como Led Zeppelin, Van Halen, Aerosmith y demás, pero también recuerda al hard rock de los ochenta con toques glam como sería el de Mötley Crüe y compañía, sin olvidarnos de su particular je ne sais quoi que hace que todo ese estilo clásico, esos impresionantes agudos tan de los setenta, esa estética glam y demás encajen en esta época y ni suene desfasado ni nada por el estilo. Tú escuchas Black Shuck y te puede recordar a AC/DC, pero por algún motivo lo ubicarás en el siglo XXI, sea por la producción o porque, al fin y al cabo, se nota que así como este disco tiene mucho de música rock clásica tiene también bastante de claro homenaje a ese género yendo más allá de la música, me refiero a tema estética y actitud, y es algo que se nota. Y a mí personalmente me parece un detalle muy bonito.

The Darkness - Permission to Land [2003]

Anna Calvi - Anna Calvi [2011]

2011-03-06T22:44:00.001+01:00

Alegráos, porque estamos de enhorabuena. Entre tanta paja publicada en lo que llevamos de año, me alegro de poder decir que os traigo el primer gran trabajo del 2011, porque el de Radiohead... psé, y el de PJ Harvey -titulado Let England Shake, por si lo queréis buscar, yo no creo que lo suba- no es ni la sombra de sus mejores álbumes, aunque sigue siendo bueno porque al fin y al cabo sigue tratándose de PJ. No va a ser la última vez que leáis el nombre de PJ Harvey en este artículo, por cierto, pero paso a lo que os interesa: ¿de qué cojones de disco estás hablando, tío? Pues si me despisto un poco no me entero ni yo, porque no es lanzamiento sonadísimo del séptimo álbum de tal artista multiventas, es el primer LP de una artista muy desconocida pero de gran talento que, para que os hagáis una idea, ha trabajado teloneando a Grinderman -el otro grupo de Nick Cave- y ha recibido elogios hasta del mismísimo Brian Eno, palabras mayores. Se trata de Anna Calvi y os va a poner el culo del revés.

Si te enamoras, pierdes y te toca poner comentario. ¡Ahh! Son las reglas.

¿Y quién carajo es esta muchacha? Y sobre todo, ¿qué hace para que yo diga tantas lindezas de ella? Pues es una cantante inglesa pero de ascendencia italiana, como su apellido claramente indica, de veintiocho años. No sólo canta, también toca la guitarra y tengo que decir que lo hace muy bien; no me refiero a que es capaz de acompañarse con cuatro acordes facilones y algún adorno como podría ser natural y más o menos todos los cantantes profesionales pueden hacer, me refiero a que esta chica tiene una técnica realmente buena, un feeling demoledor y un sonido precioso -Fender Telecaster + VOX AC30 = éxito, siempre-. Los escépticos pueden escarmentar aquí. Volviendo a su voz, es única y con personalidad, profunda y dulce, pero al mismo tiempo bebe de tantas influencias que es imposible oír el disco y no acordarse de Jeff Buckley -también por cómo toca la guitarra-, Ute Lemper por el color de la voz y un poquitín incluso a Florence y bastante a PJ Harvey por la forma de cantar y obviamente el estilo de la música... no en vano el disco ha sido producido por Rob Ellis, responsable bastante directo del sonido de PJ, y sobra decir que en este aspecto el disco es perfecto, sin errores, una producción exquisita.

El disco en sí es directo, conciso, ameno. No se hace pesado ni largo, no se hace monótono; diez canciones, ya está. Podían haber sido más -no se incluyen los temas Jezebel o Moulinette, publicados anteriormente en formato single- pero simplemente no ha sido así. Nada de filigranas, nada de artificios: un disco suave, sencillo, retro. Una voz increíble, una guitarra con su reverb y poco más, un producto redondo. Hay temas más radiables como Blackout o Desire, pero yo creo que en el registro en el que más destaca Anna es en el de canciones como The Devil, I'll Be Your Man, también Suzzane and I, donde el principal atractivo de las canciones no es la finísima producción sino, simplemente, Anna y su virtuosismo, tanto vocal como instrumental. Y merecidamente, sin duda.

Anna Calvi - Anna Calvi [2011]

Radiohead - The King Of Limbs [2011]

2011-02-20T21:23:00.001+01:00

Sí, amigos, ha sucedido: Radiohead han sacado otro disco. Desde el año 2007 no salía nada nuevo y por fin hoy mismo el álbum ha salido al mercado y yo como buen blogger que soy aquí os lo traigo, pero en este artículo no me voy a extender mucho por dos motivos. El primero es que tampoco le he dado muchas escuchas y realmente Radiohead tampoco es un grupo que me interese mucho aunque me gusta, el OK Computer y Kid A los he machacado mucho, pero vamos, sencillamente me gustan sin más; el segundo motivo es que no escribo este artículo tanto por gusto como por obligación, al fin y al cabo también me interesa informar sobre las novedades en el panorama musical pero el disco en sí para mí, opinión absolutamente personal, es una decepción.

Esto es lo que pasa cuando dos hermanos tienen sexo.

El disco es repetitivo, monótono, infinitamente de menor calidad que anteriores trabajos de la banda y no sé si es que Thom "Ojopipa" Yorke se ha comprado una caja de ritmos y le está sacando partido o qué, pero es que el disco salvo dos o tres temas se basa en eso, simplemente cajas de ritmos superpuestas, a veces un bajo, y Yorke siempre con su falsete por ahí encima cantando y tal, algún corito; se echa de menos alguna guitarra, algún... algo más, lo que sea; algo. El single, titulado Lotus Flower -cuyo videoclip me parece muy siniestro sin pretender serlo-, está bien pero es que simplemente es igual que el resto del disco pero un poquito mejor. Igualmente no es un mal disco, simplemente mezcla un poco más de experimentación de lo habitual a lo que nos tienen acostumbrados Radiohead con bastante minimalismo y el resultado a mí no me apasiona.

En fin, juzgad vosotros mismos, yo os dejo el link aquí abajo. Repito que no se trata de mala música en absoluto, lo que pasa es que no es lo que esperaba para nada de Radiohead, no innova, no aporta nada especial y no creo que lo vaya a oír más, pero si queréis escuchar algo que se salga un poco del estilo de discos como el OK Computer, lo mismo os gusta. Quizá si lo hubiese sacado un grupo llamado Los Pepitos Pérez me hubiese gustado bastante más, quién sabe. Un abrazo.

Radiohead - The King Of Limbs [2011]

Thin Lizzy - Jailbreak [1976]

2011-02-13T04:45:00.001+01:00

Thin Lizzy ha muerto. Vosotros diréis "no, que siguen tocando, gñe"; no, olvidad eso, esos son unos mercenarios. Thin Lizzy ha terminado de morirse, para ser exactos la madrugada del seis en un hotel de Estepona, que ya hay que tener huevos para morirse en Estepona pero ha sucedido. Ya estaba muerto Phil Lynott, el que fuese el alma, el cerebro y el groove del grupo y faltaba Gary, que como habréis imaginado es el que nos ha dicho adiós ahora. Y es una putada, porque aunque Gary es mejor guitarrista de lo que ha solido mostrar con Thin Lizzy o sus discos en solitario -de los que aconsejaría el Still Got the Blues-, no se ha prodigado mucho y es una lástima. Pero en fin, menos lágrimas y más música, que de esto va este blog.

Thin Lizzy son el que, con permiso de Taste -y siendo específicos, Rory Gallagher-, en su momento fuese el grupo más grande salido jamás de Irlanda -por si alguien tiene dudas, van a pasar mil años antes de que tenga en cuenta a los lamecucas de U2 para algo en este blog-, lo cual no es decir precisamente poco, así que aprovechando las circunstancias os traigo el que es su disco más conocido, el Jailbreak, que es de verdad excelente. Tiene gracia, estoy pensando, porque Gary Moore no aparece en este álbum pero... es que me da un poco lo mismo, es cojonudo, quien quiera escucharle ya tiene atrás una recomendación estupenda que además podéis descargar en un blog amigo, click aquí.

Phil Lynott, el moreno a la derecha. Gary Moore, la señora del centro izquierda.

Y aquí debería escribir algo sobre el disco y tal, pero resulta que son las cinco de la madrugada, acabo de llegar medio borracho de fiesta y me he acordado de que tenía que postear esto hace días así que dejo el artículo así. Total, no me lee ni mi madre, da un poco lo mismo.

Buenas noches queridos, un abrazo.

Thin Lizzy - Jailbreak [1976]

¿Cómo ha llegado la gente aquí? (III)

2011-01-31T23:59:00.003+01:00

Buenas noches. Este mes entre la enfermedad y la pereza no he escrito demasiado, pero nunca es tarde si la picha es buena, ¿verdad? Por lo tanto bienvenidos a la tercera entrega de "¿Cómo ha llegado la gente aquí?", y la verdad es que lo podría haber publicado hace meses porque material tengo de sobra, la gente busca unas gilipolleces inmensas en Google, pero cuanto más condensadito mejor. Ahí vamos.

"autofelaciones megaupload"
Este es interesante comentarlo porque desde agosto hasta hoy se ha hecho esa búsqueda cuarenta y cuatro veces en Google y de ahí han llegado a mi blog. Si llego a saber que esas guarradas tenían tanto tirón me hago un blog de tetas y pichas y eso.

"me coji ami pony"
Este debe ser el que hace unos meses hizo la búsqueda de "este pony me pone" que al final ha... glabs... conseguido lo que quería.

"seamos realistas eres fea"
Este no sabía si ponerlo en la sección de Dover -ver más abajo- o qué, está bastante bien.

"shut para beserro"
Directamente no lo entiendo, pero lo pongo por lo curioso. ¿Qué estaba buscando este pavo? Inquietante.

"que pasa cuando a uno le dan la espalda"
Bienvenidos al consultorio sentimental del Doctor Memnoch... amigo, no pasa absolutamente nada, pero yo creo que esas personas te dan la espalda porque eres un gañán que no sabe utilizar los buscadores de internet, así que remedia eso y serás popu, ¿vale? Jesús...

"como quito una espina de tiempo atras"
¿Metafórica o real? Las reales salen según mi madre salen con tocino, las metafóricas con vodka. Si quieres ir a lo hardcore puedes hacerte un cubata de tocino, tú verás.

"abrirá alguien concierto rammstein"
Hombre, digo yo que sí, alguien habrá que tenga las llaves para abrir porque si no nadie los va a ver, que es en lo que consiste. Y con todo el dinero que se gastan en petardos, oye.

"orgasmo de una monja"
Tú eres un marrano, sin más. Pero busca en xvideos que igual encuentras algo.

"monos naranjas q hacen musica"
Sé que éste ha llegado al artículo de Polysics. De lo que estaba buscando sí que no tengo ni repajolera idea.

"igancio prieto gay"
Google se ha convertido en la pared del patio del colegio, ¿qué va a ser lo próximo, que alguien llegue buscando "johnny x jessy" o qué?

"lanzallamas rammstein encantan aunque sé he querido ir"
¿Ehh? O sea, quiero decir... ¿cómo?

"alguien ah comprado en la tienda gogol bordello"
Hombre, estarán ocupados con sus giras y sus cosas como para venderse a sí mismos, ¿no?

"racismo frank zappa"
Éste me ha hecho gracia. Si Zappa hubiese sido todo lo que se puede imaginar que era a través de canciones como Jewish Princess, Bobby Brown, He's so Gay, Catholic Girls y demás, no se habría muerto de cáncer de culo, lo habrían colgado.

"bailar rock setentas mover cabeza"
¿De verdad te hace falta buscarlo en google? Seguro que eres un pureta que se quiere camuflar en los bares con una chupa y camisetas de grupos a ver si liga con diecisieteañeras rockerillas, sal de mi blog antes de que te ponga una denuncia, pervertido.

"cantante florence"
Digo yo que será la tal Florence esa, ¿no se te ha ocurrido?

"hasta el mas fuerte se vuelve debil"
Oye, pues gracias por avisar, pero el blog de filosofía está dos calles más arriba.

"musicasmodernas de regueton de agosto 2010"
HAS LLEGADO AL PUTO BLOG INDICADO, AMIGO. ESTOY SEGURO.

Y voy a añadir una pequeña sección, la de amor/odio hacia Dover, porque la cantidad de búsquedas chorras sobre Dover desde Google que han llevado a mi blog es increíble:
"dover feas"
"cristina llanos es fea"
"hermanas llanos feas"
"cantante de dover anorexica"
"cantante dover fea"
"que buena esta la cantante de dover"
"cristina llanos mas guapa que nunca"
"cristina llanos de dover se ha puesto buenorra"
"los dover eran una puta mierda"

Y eso ha sido todo. ¿Qué sacamos en claro? Pues que la gente está enferma, poco más. Espero que os hayáis reído al menos la mitad que yo, porque tiene cojones que llegue más gente a mi blog buscando gilipolleces que no tienen nada que ver con lo que yo escribo que para leerme, menos mal que tengo más moral que el Alcoyano.

Un saludo amigos.

Nick Cave and The Bad Seeds - Murder Ballads [1996]

2011-01-14T00:36:00.001+01:00

Venga, que ya lo estoy postergando mucho.

Buenas, queridos; os deseo un feliz año nuevo con un poquitín de retraso, y es que me parece que aún estoy de resaca. Espero que hayáis pasado unas fiestas agradables, que os hayan regalado cosas molonas y todo eso; yo, como es tradición ya, en nochevieja me comí las doce cosas-que-nunca-son-uvas -este año fueron moras- y luego salí a beberme todos los charcos, floreros y ríos de la geografía alicantina; incluso alguna copa de árbol intenté trasegarme, me parece. Nada del otro mundo.

Como hace bastante que no actualizo entre otras cosas porque he tenido que escribir una cosa para un concurso literario chustero del que no me fío mucho pero bueno, voy a poner uno de esos discos que nunca fallan; uno de los comodines que todo blogger que se dedique a esto debería tener guardado, uno de esos que no pones porque ya das por hecho que la gente lo conoce, aunque en realidad no es tan cierto. El que a estas alturas no conozca a Nick Cave honestamente merece la muerte, pero bueno, en mi infinita magnanimidad sabré perdonar, y así de paso quien ya lo conozca pero no haya oído este disco podrá aprovechar para descubrir mi disco favorito de este genio y sus malas semillas, el cual se titula Murder Ballads y va de lo que pone, canciones sobre asesinatos; ¿no es mala propaganda para una primera impresión, no?

ATTITUDE.

Si decís que existe algún artista que exprese según qué sentimientos mejor que Nick Cave en sus canciones, como poco lo veo discutible. ¿Qué sentimientos? Eso depende de cada uno. No se trata de un artista que necesite valerse de grandes tretas musicales efectistas para llegar al interior de las personas a través de su música, bastan su voz profunda y expresiva y sus letras demoledoras. Su estilo musical es complicado de definir, leo que lo ponen en el blues, también en el rock, incluso en el post-punk -esto no me lo explico muy bien-, pero yo prefiero decir que es más alternativo, melancólico y elegante que todo eso, que caminó la senda que abrieron, entre otros, el grandísimo Tom Waits, y que está absolutamente a la altura de nombres como ese. No exagero.

En el disco Cave cuenta con colaboraciones de altísimo nivel como la de la encantadora PJ Harvey -la que fue su novia- en Henry Lee, y también la de Kylie Minogue -que también fue su novia, vaya por dos- en Where the wild roses grow, que es una canción bastante famosa y supongo que al menos os sonará. Estas dos canciones que he mencionado atrás, junto con Stagger Lee son mis favoritas del álbum, pero aún si las eliminásemos del disco quedaría un trabajo bastante bueno de todos modos, no hay una canción mala, cada una es diferente, cada una cuenta una historia terrible y apasionante y todas ellas son igual de seductoras. Existen otras colaboraciones de alto nivel en el disco, pero habiendo mencionado ya a PJ, casi no merece la pena perder el tiempo comentándolo.

La portada no es muy bonita pero no importa mucho, el contenido es ochenta veces mejor. Uno de esos discos imprescindibles de uno de esos artistas imprescindibles que subo porque estoy un poco sin ideas como podría subir el White Album de los Beatles. Un disco magistral, precioso, emocionante, casi perfecto. Disfrutadlo.

Nick Cave & The Bad Seeds - Murder Ballads [1996]

Boris - Pink [2006]

2010-12-22T01:13:00.002+01:00

Quería haber escrito hace unos días acerca de una noticia que a mí personalmente me ha impactado, que ha sido la muerte de Don van Vliet el cual no os sonará. Posiblemente si os digo que era conocido como Captain Beefheart tampoco os sonará, pero esto es lógico relativamente, así que no me enfadaré mucho. Fue un artista muy particular con una gran personalidad musical y, si bien fue polémica su obra, no se puede dudar de que fue un músico estupendo; otra cosa es que lo mostrase de modos tradicionales. Pensé en subir el Mirror Man o el Trout Mask Replica, pero del primero no me apetecía escribir y el segundo es un rollo de disco aunque sea el más famoso, así que voy a descartarlo -aunque deberíais informaros por vuestra cuenta, yo os hago la recomendación, que no es poco- y tampoco voy a comentar el disco que tiene grabado con mi amado Frank Zappa porque, honestamente, no me he molestado en oírlo en profundidad. Zappa tiene una discografía de más de setenta discos, dadme un respiro, ¿vale?

En cambio, para redimirme, os voy a hacer un artículo sobre una -otra- de mis bandas japonesas preferidas, una que además es bastante famosa fuera de Japón y tal vez sea más asequible musicalmente que otras cosas niponas que he puesto: hablo del grupo Boris. Os preguntaréis lo que tendrán de especial, tal vez, ya que he puesto varios grupos japoneses similares anteriormente y os lo voy a decir, no os preocupéis; tienen dos cosas principales que diferencian a Boris del resto de los grupos japoneses del estilo: tienen a la guitarra a una japonesa que está como un queso y además son uno de los grupos más polifacéticos que vais a escuchar, lo mismo se marcan un disco de drone estupendo con Sunn O))) que pasan al rock psicodélico o graban una serie de discos con Merzbow -¡con Merzbow!-, y todo sin despeinarse.

Si estás leyendo esto en vez de mirar a Wata, felicidades: eres gayer.

Boris es un grupo bastante moderno en realidad, fue fundado en 1992 aunque empezaron a sacar álbumes a partir del año 96 y desde entonces hasta ahora han pasado por estilos muy distintos. Según Wikipedia, que yo no tengo ni idea de sus trabajos previos al Heavy Rocks del año 2002, en sus inicios practicaban una especie de stoner rock con pinceladas de doom e imagino que no quedará muy lejos del álbum que grabaron colaborando con Sunn O))) en el 2006, pero el disco que voy a comentar es más reciente, del 2005, cuando ya hacían una música más rápida y dinámica, y no es otro álbum que el Pink, un pedazo de disco con todas las letras. Como es costumbre en los discos que os traigo, no se trata de un trabajo encasillable en un único género sino que se alimenta de varios estilos para crear algo genuino, en este caso un stoner psicodélico experimental con ligerísimos toques de noise.

El álbum empieza bastante densito con Parting, un tema largo y pesado como Black Sabbath no podría ni soñar; es muy drone el asunto y muy guarro y a mí personalmente me encanta, aunque no os asustéis si no os termina de convencer porque no todo el disco es así -aunque si os gusta, buscad el disco que comento atrás, el que hicieron junto con Sunn O))), que os va a encantar-; luego el estilo se transforma en una sucesión de temas más cortos y rápidos con algunos intermedios oscuros y siniestros -como Blackout-, alguna sorpresa que roza el shoegaze -My Machine- y, para terminar, una orgía lisérgicopsicodélica cañerísima, intensísima y larguísima titulada When We Is Thrown Away que lo impulsa a uno a moverse como si tuviese un escorpión en los calzoncillos. Es posible que se trate de un disco chocante, algo pesado, para algunas personas repetitivo y obviamente no para todos los públicos, pero si tengo este blog no es para escribir sobre el puto David Bisbal, es para postear aquellas maravillas desconocidas que son la crema y necesitáis descubrir, y después de vuestro criterio musical depende apreciarlo o no; yo ya he cumplido. Buenas noches, disfrutad y no olvidéis dejar un comentario.

Boris - Pink [2006]

Them Crooked Vultures - Them Crooked Vultures [2009]

2010-12-09T00:37:00.001+01:00

Por motivos ajenos a mi voluntad he tenido que retirar unos artículos antiguos, pero como no sucede nada con los discos en sí voy a resubirlos. Es una mierda tener que hacerlo, pero es lo que hay; además, así los que no seguíais el blog por entonces podéis descargarlos y oírlos y tal. El primero de ellos le ha tocado ser al álbum debut del supergrupo Them Crooked Vultures, homónimamente titulado. La pregunta del millón de mortadelos es: ¿quién es esta gente? La respuesta no podía ser más sencilla: los putos amos. Me explicaré.

Resulta que Josh Homme -que os sonará de esto, esto y esto- es como una cornucopia musical, su creatividad y su ingenio nunca se agotan, y para rematar tiene una agenda de teléfonos que ya la hubiese querido para sí Giacomo Casanova. ¿Qué pasa? Pues que cada cierto tiempo se debe aburrir el muchacho y tira de teléfono para llamar a musicazos de la hostia para hacer cosas. El año pasado les tocó a Dave Grohl -con el que ya colaboró anteriormente en Queens of the Stone Age- y a, atentos, John Paul Jones. Estamos hablando de un grupo formado por gente que ha estado en grupos de la talla de Led Zeppelin, Nirvana, Kyuss, Queens of the Stone Age, Foo Fighters, Eagles of Death Metal... ¿qué podemos esperar de esto? Puta crema pastelera, amigos.

De izq. a derecha: John Paul Jones, Josh Homme y Dave Grohl. Casi nada.

El disco salió el año pasado por estas fechas aproximadamente -aunque en realidad el proyecto en sí data del 2005-, y desde entonces no me he cansado de escucharlo; ni yo, ni nosecuantocientas mil personas más, que no hay más que echar un vistazo a la página del grupo en Last.fm para ver que el disco ha sido un triunfo, nada menos que siete millones de escuchas en un año aproximadamente. Nada mal.

Como es bastante lógico teniendo en cuenta que es un proyecto de Josh Homme -uno de tantos-, pues suena muchísimo a él; tanto las melodías vocales y los coros como los riffs de guitarra o incluso los efectos vocales tienen detalles que son su sello personal, pero los otros dos músicos también aportan algo de su propio carácter musical y esto forma una especie de hard rock con pinceladas de stoner, psicodelia y todo ello muy dinámico, muy a lo QOTSA con matices. El disco es muy regular, mantiene un alto nivel desde el comienzo hasta el final sin llegar a cansar y eso es de agradecer; desde luego merece una escucha. Hale.

Them Crooked Vultures - Them Crooked Vultures [2009]

Jamiroquai - Rock Dust Light Star [2010]

2010-11-28T22:01:00.002+01:00

Hace mucho tiempo que no actualizo con nada que sea muy reciente, alguna novedad o algo por el estilo, así que voy a enmendarme con algo que está de chispeante y rabiosa actualidad ahora mismo. A principios de este mes salió por fin el último y esperadísimo disco de Jamiroquai, que para quien no los conozca -mereces la puta muerte si es así, que lo sepas- diré que hacen un acid jazz con mucho funk, que llevan casi veinte años al pie del cañón con siete álbumes espectaculares a sus espaldas, que son todos unos musicazos del copón y que no decaen ni de coña sino todo lo contrario. Y sí, el cantante parece un pordiosero medio tarado saliendo a cantar en directo siempre en chándal y con esos sombreros, pero nada más lejos de la realidad. Clic. Lo sé, da ganas de pegarse un tiro, así que continuemos con el artículo.

El estilo musical es muy popular gracias a ellos principalmente, pero en realidad no existe tanta variedad de grupos; yo mismo que soy bastante aficionado al rollo no podría citar más de un par de grupos similares a Jamiroquai. Es un género muy extendido pero con poca gente que lo trabaje, tristemente; lo bueno que tiene esto es que, para triunfar, hay que ser rematadamente bueno y por lo tanto en el panorama del acid jazz a nivel internacional no hay más que grupazos increíbles. Y, bueno, Jamiroquai es el mejor de todos ellos.

- ¿Arguno de vosotro' tenei' un eurico? E' pa'l autobú...

El disco se llama Rock Dust Light Star y me ha gustado bastante, de entrada. Los temas son algunos decentes, otros bastante buenos y unos pocos completamente espectaculares; y la producción, como siempre en el caso de esta gente, exquisita. Paso a destripar: la canción que abre el disco -homónima al mismo- ya es muy buena y nos prepara un poco para lo que va a ser el resto del álbum. De ahí pasa a White Knuckle Ride, un tema que según Last.fm -clic- está siendo el más escuchado de Jamiroquai estos días, aunque no se trata de el primer single; cosa curiosa cuanto menos, y parte de un inicio de álbum muy pero que muy bueno. Otro corte a destacar debería ser Blue Skies pues, éste sí, se trata del primer single; es muy calmado, muy bonito y tiene toda la pinta de ir a colocarse como uno de los clásicos del grupo. En definitiva el disco está repleto de canciones muy agradables, aunque si yo tuviese que elegir una entre ellas no sería una de las anteriores, sino All Good In The Hood, que personalmente pienso que es increíble su forma de comenzar tan demoledora con ese bajo tan seventies y ese groove tan genial.

No podemos hablar de que éste sea su mejor trabajo, porque siendo honesto yo me quedo con el Dynamite -que atesoro en formato doble LP- o el A Funk Oddysey, que son auténticas recopilaciones de himnos y joyas, pero teniendo en cuenta que para sacar un disco después del Dynamite hay que tener muchos huevos ya que es tratar de mejorar lo inmejorable, el Rock Dust Light Star ha hecho y está haciendo un papel realmente bueno y que no debería decepcionar a nadie. Como mínimo debe ser escuchado, tanto por novedad como por su propia calidad como disco, y ya me contaréis lo que os parece. A cuidarse.

Jamiroquai - Rock Dust Light Star [2010]

The Inspector Cluzo - The Inspector Cluzo [2008]

2010-11-16T03:10:00.001+01:00

Buenas noches, estimados. ¿Sabéis qué? Después de saber Dios cuantísimo tiempo detrás de el bajo de mis sueños, me da que el mes que viene voy a tenerlo por fin; ¿no es maravillosa la vida? Tengo ganas de escuchar hasta Los Planetas, La Casa Azul y esas mierdas y todo. Bueno, no; no exageremos: Los Planetas no.

En fin, casualidades de la vida, hoy os voy a dar a conocer un grupo que no siente especial simpatía por los bajistas -una canción de este disco se llama Fuck the bass player, sin ir más lejos- y además son franceses. Diréis "¿Qué te pasa, estás enfermo?" y no más de lo habitual, pero es que resulta que son especialmente cojonudos y son unos auténticos genios para, con una batería y una guitarra, hacer una música tan notable y tan sustancial. A pesar de ser franceses, ehh.

¡Arrgh! ¡Una cucaracha!

Bajo el nombre de The Inspector Cluzo, Phil Jourdain -batería- y Malcom Lacrouts -guitarra y voz- no llevan demasiado tiempo como grupo, pero en esos dos años han tenido tiempo de sacar dos álbumes estupendos y revolucionar Europa entera con su música. ¿Que qué hacen? Pues... bueno, esa es una buena pregunta. Hacen una especie de funk rock con mucho pero que mucho groove, pero con toques de southern en algunas guitarras, también algo de soul, aires hardrockeros en otros temas... una buena macedonia musical que no dejará indiferente a nadie, vamos. Garantizado.

Se trata de un disco ecléctico a más no poder, ahí va un ejemplo: estás escuchando una canción, por ejemplo Two Days, y lo mismo empieza sonando muy funky con la típica guitarra muteando, cambia brutalmente a una especie de funk metal fusión a lo Rage Against the Machine que te golpea en el estómago como una bala de cañón y unos compases después parece que estés oyendo a los Jackson 5, con unos coros tan de R&B y soul que no os lo vais a creer. En Fuck the bass player suenan como Def Con Dos alternando un rapcore muy curioso con su propio estilo. Acojonante. Suenan a todo lo que se te ocurra y a su vez consiguen un sonido particular y propio, tocan muchísimos palos pero no suenan exactamente como ningún otro grupo y eso tiene muchísimo mérito. Tanto mérito, que incluso les perdono lo de ser franceses.

The Inspector Cluzo - The Inspector Cluzo [2008]

Soundgarden - Superunknown [1994]

2010-11-06T02:56:00.006+01:00

Venga, vamos a actualizar, que se me enfadan los fans.

No sé si alguien sabrá a lo que me refiero, pero cuando tienes un blog de música o de lo que sea donde escribes sobre cosas que te gustan y demás, a veces te sorprendes a ti mismo por cómo es posible que no hayas hablado antes de tal o cual cosa que te gusta tanto, en mi caso grupos. ¿Cómo es posible que lleve tanto tiempo escuchando a Soundgarden y no me haya dado nunca por escribir sobre ellos? ¿Dónde tenía la cabeza? Si son la hostia. Afortunadamente, eso tiene fácil solución; dentro artículo:

Soundgarden es un grupo terriblemente grande y también, al menos aquí, terriblemente desconocido. Y yo no me lo explico con temas como Spoonman, Fell on Black Days o Black Hole Sun -atentos a la letra-, que es una de mis canciones preferidas. Para los que no hayáis oído nada nunca, aparte de deciros que os espera el eterno tormento en el Tártaro, como soy majo os daré un poco de información: Soundgarden es un grupo yankee de grunge, uno de los grupos pioneros del género, con el enorme Chris Cornell -a quien más tarde se le vería en Audioslave y Temple of the Dog- al frente y con eso debería ser suficiente para que os lancéis a oír el álbum que he elegido, el Superunknown, pero si no os vale únicamente con eso os diré que también se meriendan a Nirvana. Nunca está de más meterse un poco con Nirvana.

Como dicen en mi colmena, tanta psicodelia no es buena.

El estilo del álbum es bastante único dentro del grunge, se usan en algunas canciones tempos bastante poco habituales (5/4, 6/4, etcétera) en una música que en teoría debería ser bastante sencilla, y además tampoco en vano Cornell tiene una voz y una personalidad únicas delante de un micrófono. Yo incluso diría que están al nivel de Pearl Jam mismamente, a los que adoro y cuyo álbum Ten considero que son los cimientos del grunge así sin despeinarnos, y no creo que esté exagerando ni sobre unos ni para otros. También podríamos compararlos, para que os hagáis una idea, con otro grupo que adoro: The Smashing Pumpkins -cómo no, artículo hablando de ellos y su Mellon Collie aquí-. Eso y grandes dosis de psicodelia -gracias señor por Kim Thayil (guitarrista)- forman uno de los grupos de grunge más sólidos que se han oído en Seattle, y no es poco decir.

El disco es variadito, entra fuerte con Let me Drown -que recuerda bastante a H.T., ¿algún fan de Tsuneo Imahori (banda sonora de Trigun) en la sala?-, pasa a la curiosa My Wave -¿os acordáis de lo que dije de los tempos extraños?- pero lo gordo está por llegar. Y es que tal vez soy demasiado reiterativo, pero Black Hole Sun es una de las mejores canciones que he escuchado en mi vida y por lo tanto debo decirlo por lo menos tres veces en este post. Aparte de ese pepinazo increíble, resulta que el disco tiene otras canciones también geniales como las mencionados en el segundo párrafo u otros, como la oscura 4th of July o la densa Like Suicide, el tema homónimo al disco... un álbum completito, vamos. Ya me diréis, disfrutadlo y hasta la próxima.

PS: La próxima vez que queráis que actualice, enviad a la dirección shoutwiththedevil@gmail.com fotos de hermanas, primas, novias y vecinas en actitud sugerente y ligeras de ropa, que más que siendo acosado por messenger me motivará, digo yo.

PS2: ¿He dicho ya que Black Hole Sun es bestial? La virgen -y van tres-.

Soundgarden - Superunknown [1994]

Mondo Generator - A Drug Problem That Never Existed [2003]

2010-10-21T23:01:00.000+02:00

Hola y holo amigos y amigas leales y lealas a mi blog -¿y bloga? ¿oblonga?-, ¿cómo os van las cosas y los cosos? Yo estoy súper chachi guachi y chochi guochi, y es que resulta que han mandado el Ministerio de Igualdad a tomar por culo y eso me pone muy contento; ya era hora. Hecho el comentario misógino y fascista de hoy paso a lo que os interesa, la música. Recordaréis que no hace mucho publiqué una entrada -clic- sobre los grandiosos Queens of the Stone Age y comenté que uno de sus antiguos miembros, Nick Oliveri, tenía un grupo, ¿verdad? Pues hoy voy a hablar sobre ese grupo, Mondo Generator.

El grupo, que toma el nombre de una canción de Oliveri, fue formado por el susodicho en 1997 tras la disolución de Kyuss junto a Josh Homme, Brant Bjork y otro pavo que no viene al caso. Del año 1997 -año de grabación del álbum debut, el titulado Cocaine Rodeo- al 2000 -año de publicación del Cocaine Rodeo- la banda no estuvo realmente en movimiento porque tanto Oliveri como el resto, especialmente Homme, ya estaban bastante ocupados con Queens of the Stone Age como para llevar otro grupo de esa envergadura, pero fue a partir de entonces cuando empezaron a moverse de una forma un poco más seria de modo que pudiesen ser considerados un grupo en activo y su siguiente disco es el que toca hoy.

¿Por qué el gordito se tuerce el tobillo así? Con lo que tiene que doler.

A Drug Problem That Never Existed se titula, para tener quince temas no llega a durar cuarenta minutos y resulta que tiene más adrenalina, rabia y cojones que las discografías de Kyuss y Queens of the Stone Age juntas. ¿Qué pasa? Pues que Oliveri, al ser el líder de su propio grupo, definitivamente se suelta el pelo -aunque sea el de los huevos, porque en la cabeza tiene menos que Kojac- y se pone a hacer la música que él quiere: una especie de punk-rock cañero con berreos de los suyos -los que recuerden el primer corte del Songs for the Dead de QOTSA sabrá de lo que hablo-, aunque tampoco os fiéis mucho, que lo mismo tiene temas para reventar cabezas, temas más tranquilotes donde Nick ni grita e, incluso, temas acústicos preciosos. Que sí, oiga. También hay que tener en cuenta que tanto Homme como muchos otros artistas colaboran en el álbum, pero es básicamente un álbum de Oliveri y compañía, el disco que pienso que más define su personalidad y básicamente el que más me gusta de Mondo Generator.

Y es que Oliveri otra cosa no sé, porque por ejemplo no es un tipo que esté mentalmente muy sano ni que tenga un sentido del pudor muy allá, pero ecléctico y libre es un rato, y el que no se lo crea que escuche Fuck You I'm Free. El disco empieza con un tema titulado Meth, I Hear You Callin' que sienta como una patada en la cara, un comienzo fuerte, luego pasa a Here We Come y la línea de tralla se mantiene alta, pero de repente pasamos a So High, So Low y nos encontramos con que estamos ante un tema que encajaría perfectamente en cualquier álbum de los Queens -como otro tema del álbum: Detroit-. Un poco más de caña y luego Open Up And Bleed For Me, una canción que igual es cosa mía pero me suena muy pero que muy Kyuss aunque más bruto; curioso cuanto menos. Y llegan las sorpresas; All I Can Do es una cancioncita acústica la mar de calmada y tal vez pueda extrañar encontrarla en este disco, pero sigue siendo muy de agradecer. En Girls Like Christ se acerca al crust guarro y luego otra vuelta al acústico tranquilón: Day I Die, una canción más que bonita con una letra impactante que contrasta con esa atmósfera sosegada y suave, muy recomendable. Ignorando el último corte que es más bien un bonus, el disco acaba con Four Corners que podríamos decir que es el tema serio del disco; denso pero ágil, lento pero con ritmo; aquí Oliveri y los suyos demuestran que saben cómo hacer una canción más tradicional, más musical y más complicada y que son unos músicos con la hostia de ritmo. Sin más aquí acaba el artículo, comentad si os gusta y si no también u os mataré. Muacks.

Mondo Generator - A Drug Problem That Never Existed [2003]

King Crimson - Red [1974]

2010-10-15T18:02:00.000+02:00

A principios de año escribí un artículo -que podéis leer aquí, y si no lo habéis oído hacedlo ahora mismo porque es una exquisitez- acerca del álbum In The Court of the Crimson King de King Crimson, pero King Crimson es mucho más que un disco excelente, es una carrera excelente y ya es hora de mostraros su segundo trabajo con el que más me he familiarizado; se titula Red, también está formado por cinco temas como el anterior y también es una de las cimas del rock progresivo de la época que comprende el final de los sesenta y parte de los setenta.

Tras una serie de idas y venidas de músicos por el grupo y una estela de discos estupendos -Lizard, In The Wake of Poseidon, un medio directo titulado Starless and Bible Black y, bueno, otros- Robert Fripp, guitarrista y básicamente líder de King Crimson -pues ha sido el único miembro que ha permanecido en el grupo durante sus años en activo- ya tenía un grupo bastante cohesionado y fuerte -a pesar de la marcha de David Cross, que no se sentía a gusto con su posición en el grupo-, y se pusieron a grabar este disco. Cabe destacar la vuelta de uno de los miembros fundadores del grupo, Ian McDonald, cuya magnífica aportación comento casi al final del artículo y pone un broche estupendo a este trabajo.

1974: King Crimson ya era un grupo consolidado que movía masas.

Si por algo puede caracterizarse la forma de comenzar el álbum, que lo hace con un tema titulado igual que el álbum, Red, es por su vanguardismo; estoy seguro de que si tratase de colárselo a algún fan de Dream Theater como un tema suyo, lo conseguiría. Es un tema instrumental de duración media, destaca por sus melodías de guitarra tan curiosas con esos ritmos extraños, un trabajo a la batería excelente, una parte especial más tranquila con algo que recuerda a cellos -¡pero no son cellos!- que desemboca otra vez en repeticiones de las partes iniciales; lo que se dice un temazo. La canción que sigue, titulada Fallen Angel, para mi gusto flojea un poco pero es básicamente porque tiene un comienzo que no me apasiona -aunque pasado el minuto y medio suena muchísimo mejor, con unos coros geniales- y también porque está colocado entre dos temas increíbles. One More Nightmare, la canción que sigue y que yo, tonto de mí porque es cojonuda, no me había molestado en escuchar demasiado recuerda bastante a Red pero con otro estilo, incorpora un saxofón fraseando y hasta unas palmaditas, se producen cambios de ritmo a lo largo de todo el tema; toda una exhibición musical que deja claro que el género sin King Crimson no sería la mitad de lo que es hoy.

Intermedio para ir a la nevera -de nada-.

Providence... bueno, digamos que Providence es al álbum Red lo que Moonchild al álbum In The Court of the Crimson King, incluso ocupan el mismo lugar en la organización de los temas en el disco, pero realmente es algo menos marciano, más escuchable y más asequible, pero a decir verdad sucede como con Moonchild pero exactamente al contrario: comienza con músicos que se pelean con sus instrumentos y termina con algo más... tradicionalmente musical, y esto es a partir del minuto seis o por ahí, pero yo os animo a escuchar el tema con atención y enriquecer vuestro oído con una maravilla vanguardista de la talla de este tema. Para finalizar el álbum eligieron una joya, yo diría que lo mejor del álbum; la canción se titula Starless, empieza de una forma muy calmada con violines, una voz dulce que canta una melodía preciosa, vientos y guitarra acompañando a la voz en un segundo plano tomando el protagonismo en ocasiones... y, sobre mediados del cuarto minuto, cambio de estilo; la atmósfera cambia, la guitarra marca un ritmo repetitivo de melodía larga y ascendente y, tras unos minutos de inquietante crescendo, todo eso desemboca en un frenesí musical increíble de una fuerza demoledora, el ritmo se vuelve mucho más rápido y el saxofón alto de Ian McDonald toma el protagonismo desatando una vorágine de improvisación jazzera deliciosa y tras una parte final simplemente épica y orgásmica se termina el disco.

¿Qué tal, bien? ¿No le he abierto la cabeza a nadie con ese ladrillo? Pues hala, ahora a escuchar el disco, que es muy bueno. Hasta la próxima.

King Crimson - Red [1974]

Tim Maia - Tim Maia [1970]

2010-10-06T00:14:00.002+02:00

Me llamo Jorge, soy editor nuevo en Shout with the devil y os presento el debut de uno de los músicos más importantes de Brasil. Brasil es un país musicalmente impresionante, pues a toda la riqueza de la música tradicional se le sumaron, mezclándose, todas las tendencias de la música moderna. Todo aquel que no tenga en su colección de música una buena cantidad de música sesentera y setentera cantada en portugués necesita ponerse las pilas, pero ya. Tim Maia es en concreto el responsable, pionero y máximo exponente de darle al funk y al soul el sabor brasileño. Tim Maia, desconocido mayoritariamente en Europa, es el indiscutible James Brown de Brasil.

Auténtico, enorme. Esa voz, esa voz, joder. Grave, cargada y ronca. En “Jurema” hace un “whaaagghhh” que es marca de la casa y no se lo he escuchado a nadie. Este disco está equilibrado entre el funk, que dominaría la cara A, y el soul, que tiene su espacio en la cara B. Sobre todo es un disco de pop, en el sentido de hacer canciones buenas, bonitas y que gusten a todos. Ah, y con arreglos de orquesta, como los grandes albums de los 60-70. Es una mierda que ya no se graben discos así. Lo mismo Jacques Brel que Raphael, los discazos tenían una orquesta en el estudio potenciando cada frase. Cuando Tim Maia canta “eu amo você...” me quedo sin aliento. Es que esto entra dentro de los discazos. Pero es que al mismo tiempo, en este album hay lugar para la fiesta psicodélica, al más puro estilo Os Mutantes. No en vano, fueron ellos los que exhortaron a Tim Maia a grabar el disco.

Tim Maia fue todo un vividor, y por esa época ya tenía una mala vida de cojones. Amante público de la cocaína, el cannabis y todo lo que sea ilegal, bebedor de hasta tres botellas de whiskey diarias, estuvo en prisión, le deportaron de EEUU por robar coches, perteneció durante unos años a un secta, estuvo engordando durante toda su vida (llegó a los 140 kilos), tuvo conflictos con toda la gente que rodea el mundo de la música y decía y hacía lo que le daba la gana. Murió en 1998, tras intentar cantar en un último show, muy afectado por diversas enfermedades.

De la primera foto a la segunda hay sólo 17 años de diferencia, no se cuidaba bien el hombre.

La música de su debut es una maravilla. Nos presenta su estilo funk fusionado y divertido y su voz ronca en “Coronel Antonio Bento”, “Cristina” y “Jurema”. “Padre Cícero” y “Flamengo” tienen ese tipo de sonido psicodélico que grupos como MGMT intentan emular. “Você fingiu” es la primera balada y el primer acercamiento claro en el album al estilo de cantar soul de Tim Maia, auténtico pero personal. “Eu amo você”, a la que ya hice referencia antes por el tema de los arreglos PERFECTOS es la canción de amor definitiva, simple y rompedora. Este disco tiene unos coros de falsete, como manda la tradición funky, que son crema y encajan también en los temas soul. “Primavera (vai chuva)” es una de las canciones que más me gustan de Tim Maia, es para abrir los brazos y ser feliz, simplemente. Hoje o céu está tao lindo, vai chuva! “Risos” es otra canción alegre, pero delicada y suave. Las letras son vitalistas, en la tradición brasileña, y dentro de la preciosa música de Tim Maia toma otra dimensión. La Canción, sin duda, es “Azul da cor do mar”. Nunca he escuchado una letra que refleje así la resignación ante los infortunios que esta. De una forma sencillísima y profunda:

Ah...!
Si el mundo entero me pudiese oír,
tengo tanto para contar,
decir qué aprendí.

Y en la vida la gente tiene que entender
que uno nace para sufrir
mientras otro ríe.

Pero quien sufre
siempre tiene que buscar
por lo menos venir a encontrar
una razón para vivir.

Ver en la vida algún motivo para soñar,
tener un sueño todo azul,
azul del color del mar.

Polysics - Now is the time! [2006]

2010-10-03T23:14:00.003+02:00

Nada como la resaca de domingo para escribir, sí amigos; vamos allá. Lo de hoy es cojonudo, de verdad; un poco freak -pues como casi todo lo que escribo, qué cosas tengo- pero muy original, es una especie de j-rock con toques electrónicos, influencias de new-wave, algunas veces incluso un rollito funky muy chulo y un aire que recuerda mucho pero que muchísimo a Devo, de los que ya os hablaré algún día si me dan la vena y la gana. Ellos son Polysics, son japoneses -qué raro- y son uno de los grupos más únicos que he oído nunca. El grupo se formó en 1997 y desde entonces han tenido una exitosa carrera en la que han publicado cerca de diez álbumes, sin tener en cuenta discos de corta duración, directos o recopilaciones.

Elegir entre tantos discos ha sido complicado ya que, si tuviésemos que hacer un "grandes éxitos" de Polysics, habría que coger temas prácticamente de todos los álbumes ya que éxitos tales como I My Me Mine, Electric Surfin' Go Go o su alucinante versión de Domo Arigato Mr. Roboto están cada uno en un disco, pero creo que por el que he optado para hoy, el álbum titulado Now is the time! del año 2005 -aunque esta edición es la del Reino Unido, que salió el 2006, la fecha no está equivocada-, es el más equilibrado y el de más calidad general y además contiene su tema más conocido, el anteriormente mencionado I My Me Mine que los hizo aún más famosos por el increíble videoclip, el cual aconsejo ver inmediatamente, así que dejad de leer un momento e id a YouTube a buscar el vídeo, lo veis y continuáis leyendo. En serio.

¿Ya? Vale, seguimos.

Un trabajo como repartir bombonas de butano jamás tuvo tantísimo glamour.

Como veis su estilo es muy particular, con esas gafas extrañas y los monos naranjas que son como su seña de identidad -claro homenaje a Devo, a los que nombré arriba-, hacen movimientos mecánicos en los directos al tocar y también en sus temas tratan el tema de la robótica, los androides e incluso lo vemos reflejado en sus videoclips, futuristas y extraños pero geniales. Se echan en falta más grupos que hagan una música sobre estos temas tan agradable y de tanta calidad, ya no únicamente en lo puramente musical sino también en el aspecto de la producción, donde hacen auténticas maravillas.

Al grupo hace mucho tiempo que lo conozco, prácticamente desde la publicación de este disco y aunque realmente no los escucho muy a menudo, siempre es agradable que salte una canción suya si tengo el reproductor en modo aleatorio, es una música tan alegre y marchosa que te anima y revitaliza, al mismo tiempo moderna y vanguardista como con un carácter retro, por ejemplo esa parte de la canción Wild One más o menos después de la mitad, o también un fragmento de Metal Coconuts, que parecen melodías de un videojuego de la Super Nintendo y a pesar de todo, suena serio, maduro, consistente, profesional y potente. ¿Más razones para oírlos? Han versionado My Sharona de The Knack con su estilo peculiar -buscad en el tubo-, así que a escucharlos ahora mismito.

Polysics - Now is the time! [2006]

The Alan Parsons Project - Tales of Mistery and Imagination [1976]

2010-09-28T20:54:00.001+02:00

Hola de nuevo queridos lectores, quiero hacer un comentario antes del artículo. Vais a tener que disculparme, y es que al respecto del blog me gustaría ser tan regular como los intestinos de José Coronado pero ya veis, a veces ocurren imprevistos y me volví a quedar sin ordenador una temporada, afortunadamente ya he apoquinado lo que había que apoquinar -sanguijuelas, vampiros, judíos- y estoy de vuelta con algo gordo que hace tiempo que quería haber puesto pero, ya sabéis, soy caprichoso como la vejiga de Concha Velasco -y eso me hace especial, gracias por vuestro amor-.

Alan Parsons era ingeniero de sonido antes de ser un peso pesado del rock progresivo, y uno realmente bueno; la prueba es que trabajó en la grabación de álbumes de la talla de Abbey Road o The Dark Side of the Moon, recibiendo incluso el honor de la nominación al Grammy como ingeniero de sonido por este último, pero no contento con esto se lió la manta a la cabeza y, junto a Eric Woolfson, fundó en 1975 el grupo The Alan Parsons Project -sí, pelín egocéntrico era el muchacho, ¿qué queréis?-, y un año después ya estaba en la calle su álbum debut titulado Tales of Mistery and Imagination, un álbum cuyo tema no es otro que, atentos, ¡la obra de Edgar Allan Poe! Chupáos esa Radio Futura y olé tus cojones Alan Parsons, entre lo del nombre del grupo y el álbum debut tú sí que sabes lo que es es tener ambición y lo demás es tontería.

No se me ocurre un comentario, me distrae la bizquera de la pareja.

El disco contiene siete temas -vosotros encontraréis once en el archivo porque el tema instrumental The fall of the house of Usher está dividido en cinco partes-, y son siete temas a decir verdad bastante diferentes entre ellos, cada uno tratando sobre un relato o poema del señor Poe y cada uno recreando un ambiente perfecto según el tema de cada historia. Tal vez deba resaltar también el hecho de que en el primer corte titulado A dream within a dream incluyan, obviamente, la narración del poema original a manos -o garganta- de nada menos que el señor Orson Welles. Otras historias famosas de Poe hechas canción por la pareja Parsons/Woolfson para este disco son The Tell-Tale Heart -El Corazón Delator, para los de la LOGSE-, The Cask of Amontillado -El Tonel de Amontillado- y, no podría ser de otro modo, The Raven -El Cuervo-. Me dejo un par, ya los descubriréis.

¿Qué más puedo decir? Hay muchos artistas que he descubierto a partir de tener ordenador e internet, pero este álbum de The Alan Parsons Project lo llevo escuchando toda la vida, desde crío, y es un disco que gana con el tiempo y las escuchas, como el buen vino, y por supuesto no hace falta ser un gran admirador de Poe -como un servidor de ustedes- para apreciarlo, la calidad de este trabajo habla por sí sola y creo que vosotros estaréis de acuerdo conmigo una vez lo escuchéis, aunque si no conocéis las historias relatadas en el álbum, tal vez sea el momento de descubrirlas, quizá al mismo tiempo que oís el álbum... ahí queda la sugerencia. Un saludo.

The Alan Parsons Project - Tales of Mistery and Imagination [1976]

Yasushi Ishii - Raid [2003]

2010-09-10T01:28:00.003+02:00

Mike Portnoy ha abandonado Dream Theater, pero a mí me importa un pimiento, lo comento por informar; os voy a hablar de algo que no está relacionado en absoluto: Yasushi Ishii. Este señor, que obviamente es japonés -cómo no, aquí-, es un grandísimo músico y compositor que básicamente es famoso por haber compuesto la banda sonora de la serie Hellsing, y vosotros diréis "Vaya, otro japo plasta de música de anime, paso...", y haríais mal, porque no estamos hablando de música incidental alegre, animada y chupi para poner de fondo mientras dos monigacos de colores brillantes se pegan, no; estamos hablando de un rock siniestro semiambiental experimental muy interesante con toques de muchos otros géneros, blablabla...

... pero lo estoy definiendo de una forma no del todo acertada, no me estoy expresando bien. Para que os hagáis una idea más o menos cercana a la realidad, en Last.fm tiene puestos los tags de "dark ambient", "doom metal", "gothic rock", "acid jazz", "progressive rock", "blues rock" y, para terminar, mis dos preferidos: "eclectic" y "unusual". ¿No despierta el interés? Y es que, una vez más -realmente me encanta usar la frase que viene a continuación-, dudo que hayáis escuchado jamás algo que suene lejanamente parecido a esto. Hacedle caso al tito Mem.

¿Qué pensábais, que en Japón no había gafapastas? Aquí uno, y hortera.

El disco de hoy se titula Raid, como ya sabréis si os ha dado por leer el título, es el primer álbum de los dos que forman la banda sonora de los trece episodios de la serie Hellsing, veinte temas exquisitos formando un álbum que, junto a los trabajos de los Seatbelts -de los que hablé anteriormente, al menos sobre dos álbumes suyos, aquí y allá-, son tal vez mi banda sonora preferida. Es tan bueno porque esta música pertenece a una banda sonora pero no parece una banda sonora, parecen canciones -la mayoría instrumentales- que cuentan una historia propia cada una, es un disco con su propia personalidad, cada canción posee carácter, recrea propia atmósfera particular, cada una tan lograda que consigue el objetivo que se propuso el compositor: dar miedo, y mucho.

Que no os asuste la portada, no os estoy dando a escuchar cualquier cosa, es música muy seria y estoy seguro de que os gustará, por eso estoy escribiendo este artículo; hacedme caso. Tengo el segundo disco de la banda sonora también -titulado Ruins-, sin embargo no lo he subido porque el primero ya tiene veinte temas y dura su hora y pico, pero si lo queréis no tenéis más que pedírmelo, es diferente pero también muy bueno. Abrazos siderales.

Yasushi Ishii - Raid [2003]

Queens of the Stone Age - Songs for the Deaf [2002]

2010-09-05T21:16:00.004+02:00

Para hablar del grupo de hoy, Queens of the Stone Age -QOTSA de ahora en adelante-, tengo que hablar de muchos otros grupos ya que podríamos decir que ellos son una especie de supergrupo no convencional, más allá de Josh Homme -guitarrista, cantante, frontman y puto amo- no hay ningún miembro realmente fijo, van cambiando con el paso del tiempo, dejando su huella en la carrera del grupo y ya está, lo cual es genial. El primero de los grupos a los que hay que mencionar para comprender a los QOTSA es Kyuss -de los que ya hablé aquí-, porque fue tras la disolución de Kyuss cuando nació este proyecto. Cada miembro de Kyuss se fue a un grupo -Josh Homme a Screaming Trees, Nick Oliveri a The Dwarves, John García formó Hermano y Brant Bjork ya tocaba con Fu Manchu-, pero Josh Homme siempre ha sido un culo inquieto, así que no tardó mucho en moverse para formar su propio proyecto y para ello llamó a Matt Cameron, el que se encargase en su día de las baquetas de Soundgarden, y juntos grabaron unas demos que fueron la primera piedra de la catedral de la música que hoy son los QOTSA.

La discografía del grupo en sí no es muy extensa, en trece años han sido publicados cinco álbumes y alguna cosilla más, pero lo interesante no es si tienen chorrocientas mil canciones, sino la gente que ha ido pasando por el grupo para hacerlas. Gente como Mark Lanegan -Screaming Trees-, Rob Halford -Judas Priest-, Trent Reznor -Nine Inch Nails-, Julián Casasblancas -The Strokes- y, por supuesto, merece una mención especial el gigante Dave Grohl, -ex-Nirvana y líder de Foo Fighters-, que en este álbum que os traigo hoy vuelve a ocuparse de la batería y hace un trabajo excelente, yo diría que el punto más alto de su carrera como baterista. Al menos por eso ya merece la pena escucharlo.

De derecha a izquierda: Batería, voz, guitarra y galletitas de canela.

Este disco, titulado Songs for the Deaf, podría decirse que es el más conocido, aunque recientemente tal vez haya tenido más repercusión el Era Vulgaris, pero he elegido éste porque creo que es el más genuino y por supuesto porque Nick Oliveri aún formaba parte del grupo -Josh Homme echó a Olivieri de QOTSA en 2004-, y es que personalmente pienso que QOTSA sin Oliveri pierde mucho, pero al fin y al cabo Josh Homme puede hacer lo que le salga de las pelotas porque, eche a quien eche y coja a quien coja, todo lo que toca se convierte en oro. ¿El estilo? Pues QOTSA suena a QOTSA, no podría compararlos con ningún otro grupo. ¿Son stoner, como Kyuss y tal? Pues un poquito, son mucho más que eso, pero la única forma de que lo podáis entender es que escuchéis vosotros mismos el disco y comparéis con los anteriores trabajos de esta panda de monstruos para que veáis la excelente y originalísima mezcla de estilos que se lleva a cabo.

En el disco podéis encontrar los temas más famosos del grupo, los auténticos clásicos como pueden ser No One Knows, Go With the Flow o First it Giveth o temas al más puro estilo Oliveri como You Think I Ain't Worth a Dollar but I Fell Like a Millionaire o Six Shooters, adrenalina pura. Por supuesto, también hay que mencionar el increíble trabajo a la batería que Grohl hace en la canción A Song for the Dead en particular, donde demuestra que en Nirvana lo que hacía era tocarse los cojones y que en realidad es un grandísimo baterista. El disco cierra con la preciosa canción acústica Mosquito Song y con eso termina uno de los mejores y más interesantes álbumes de nuestro tiempo. Salud.

Queens of the Stone Age - Songs for the Deaf [2002]

Os Mutantes - Os Mutantes [1968]

2010-09-02T01:47:00.005+02:00

Nada sienta mejor que quitarse -satisfactoriamente o no, lo descubriremos próximamente- de encima dos exámenes que a su vez le quitan el sueño a uno, así que para celebrarlo os voy a obsequiar con otro disco excelente y para ello me hace falta la máquina del tiempo, porque nos vamos a 1968, un año como otro cualquiera. En EEUU, Elvis; en Inglaterra, los Beatles; en España, Julio Iglesias... ¿y en Brasil? No, ni Caetano Veloso, ni Gilberto Gil, ni nada de nada: Os Mutantes. ¿Y quienes son los muchachos estos? Fácil, son lo más grande en materia de música que ha salido de Brasil desde, qué sé yo, ¿Garota de Ipanema? Bah, mejores incluso. No sé si habéis oído hablar del movimiento Tropicália, pero por si acaso os hago un resumen:

A finales de los años sesenta, en Brasil, una corriente musical vanguardista y renovadora llamada Tropicalismo se hizo muy fuerte y podríamos decir que lo mejor que salió de allí -esto es mucho decir, el Tropicalismo dio grandisímos artistas- fueron Os Mutantes, grupo formado por la brillante Rita Lee, Sérgio Dias y Arnaldo Baptista. Fueron tan prolíficos en sus primeras etapas como talentosos, prueba de ello es que fueron sacando discos a ritmo de uno por año desde 1968, fecha de publicación de su álbum debut -que os presento hoy- hasta 1972; eran otros tiempos, claro. Y el contenido, ¡una maravilla! Musicalmente muy innovador, algo totalmente nuevo y al mismo tiempo sólido y firme como una roca, como si tocasen música de un género ya consolidado treinta años atrás.

Mucho tropicalia y mucha gaita, pero, ¿no tenían dinero para fotos grandes?

En cuanto a las canciones que encontraréis en el disco, es posible que ya conozcáis alguno de los temas, acabo de caer en la cuenta de que A Minha Menina se usó para un anuncio de Burguer King donde salían unos chiquillos jugando al fútbol o algo, ¿no es cierto? ¿Os acordáis de eso? Hasta más de cuarenta años después siguen sonando tan actuales como el primer día, y ese no es el único tema conocido, ya que Bat Macumba también tiene su fama -veréis como os suena cuando la oigáis-. Sin embargo la más conocida de todas o al menos la más escuchada es la genial Baby, más calmada que las demás, para ponerse uno cariñoso dentro de ese tropicalia rock tan diferente. No es la versión más famosa ni la más armoniosa por decirlo de alguna forma, hay varias versiones del mismo tema y tal vez las otras puedan resultar más bonitas, pero ésta es la más genuina. Juzgad vosotros mismos.

No os voy a engañar, son raros, Os Mutantes son un grupo muy raro... pero son raros como puede serlo una trufa, un diamante, ¿entendéis? Su música puede no gustarle a todo el mundo, pero indudablemente hay una gran calidad en ella, una visión increíble, y al margen de todo esto también fueron grandes pioneros en el uso de distorsiones, acoples y otras argucias de estudio, y esto lo respeto muchísimo. Para ir terminando resumo: a mí todos los temas me parecen buenos, el álbum dura poco más de media hora, es ameno, divertidísimo sobre todo como pocos discos que he oído en mi vida y además os lo recomiendo yo; ¿qué más queréis, una invitación sellada? Dadle al botoncito.

Os Mutantes - Os Mutantes [1968]

The Sword - Warp Riders [2010]

2010-08-24T19:27:00.003+02:00

Huy, qué raro, yo tocando a más de un artículo por día... pues sí, oiga, que me acabo de enterar que ha salido nuevo disco de The Sword y toca comentarlo ahora, porque ha salido hoy mismo. Para los que no los conozcáis, que espero que seáis pocos porque significará que ya leísteis el otro artículo sobre ellos en el blog -y si no ya podéis-, os diré que The Sword se encargan de hacer un stoner ligero muy potente, con muchísima garra, y a diferencia de otras cosas que suelo subir y por las que la gente que me conoce me tiene por una especie de extraterrestre -véase Zappa-, esto le gusta a todo el mundo. Da igual si habitualmente oyes rap, jazz o chirigotas, no conozco a nadie a quien no le guste The Sword, y eso es un buen motivo para escuchar su nuevo disco, ¿o no? Pues eso.

Ya en sus anteriores álbumes pusieron de manifiesto que son una de las bandas de la actualidad más fuertes y consistentes haciendo una música tan... ¿cómo decir? Fácil de admirar, quizá. Y es que, insisto, The Sword es un grupo que le entra a todo el mundo sin tratarse de una música simple ni sosa ni concebida para ser comercial ni nada por el estilo, lo que pasa es que tienen caña suficiente para tirar muros a riffs, y eso a la gente le gusta. Son como Black Sabbath en sus comienzos, como Deep Purple: pueden gustarte mucho o pueden gustarte menos, pero lo mínimo que pueden gustarte ya es un poquito porque son un grupo realmente bueno y saben cómo tienen que hacer música.

Va de fotos en estudios hoy -remítoles al anterior artículo-, no sé, me apetece.

El nuevo álbum se llama Warp Riders, la portada es genial y ha venido a postularse como uno de los mejores álbumes de 2010. De este nuevo disco no se me ocurren muchas cosas para comentar, es muy similares a los anteriores con la diferencia de que tal vez sea más heavy en cuanto a sonido, tiene aires punkrockeros a veces -por ejemplo en momentos de Astraea's Dream-, en algunos riffs, aunque teniendo en cuenta que The Sword siempre han sido especialmente heavys dentro del stoner, pues es prácticamente lo mismo, ergo, otro álbum excelente. El que parece el primer single del álbum se titula Tres Brujas y es demoledor, pero el resto de temas están al mismo nivel, lo cual es la marca de la casa de The Sword: hacer álbumes absolutamente redondos.

Y poco más tengo que decir, los buenos álbumes hablan por sí mismos -y con el anterior artículo ya me harté de escribir esta mañana-, disfrutadlo y avisadme si lo tiran, que los cabrones de Megaupload se cargan las novedades de siete en siete. Un abrazo, piratones.

The Sword - Warp Riders [2010]

Frank Zappa - Hot Rats [1969]

2010-08-24T13:20:00.003+02:00

Hoy hace exactamente un año de que yo escribiese el primer post del blog, inaugurando de ese modo Shout with The Devil, y desde ese día he escrito sobre una infinidad de artistas, mejores o peores pero todos excelentes, sin embargo con motivo del aniversario el artículo de hoy será un poquito más especial y tratará de un músico que yo considero superior a todos los demás. Si quisiésemos discutir sobre quién es o ha sido el mejor compositor de música moderna -o sea, excluyendo a los compositores clásicos y demás- tendríamos que valorar muchos factores: innovación, calidad musical, ingenio, etcétera.

Suele decirse que el mejor compositor del siglo pasado fue Paul McCartney por la increíble labor que hizo en los Beatles, todo un prodigio de ingenio e inventiva, vanguardismo puro, sin embargo yo creo que no, yo creo que el más grande de todos, el que más mérito tiene en cuanto a innovación, es Frank Zappa. Por eso y porque Steve Vai, Terry Bozzio, Vinnie Colaiuta y otros grandes músicos de primer nivel mundial hoy que han trabajado para él -sí, Steve Vai trabajó PARA Zappa-, su propio hijo Dweezil Zappa que tiene una carrera también excelente y según el mismo Frank Zappa dijo, también Alice Cooper, Beatles, Rolling Stones, Jefferson Airplane, David Bowie y compañía han sido increíblemente influídos musicalmente por él, y por supuesto también todos los grupos modernos de rock/metal progresivo hasta el punto de que, posiblemente, cualquier artista que te guste a ti ha sido influenciado directa o indirectamente por Frank Zappa.

Sí, este freak es mi ídolo. ¿Ahora os encaja todo, verdad?

Y la gran mayoría de vosotros, simples mortales, si no habéis tenido la suerte de que yo os de la brasa en otras circunstancias para que lo escuchéis diréis "¿Y quién es Frank Zappa?", y es lógico porque en España ni siquiera es famoso hoy por hoy, pero hubo un tiempo en el que sí lo fue, en el que la onda expansiva de todo lo que estaba haciendo por yankeelandia llegaba a nosotros aún suficientemente fuerte, y es que este tío revolucionó la música aunque hoy día apenas haya gente que sepa esto, pero para eso me hice un blog, ¿no? Pues vamos al lío, aunque sólo os hablaré de las primeras épocas de su carrera, porque Zappa tiene la friolera de más de setenta álbumes en el mercado y me falta blog para comentar siquiera un cuarto de su carrera.

Zappa comenzó en la música desde muy joven junto a su grupo The Mothers of Invention, y entre sus influencias de entonces podríamos mencionar a Edgard Varèse, un compositor clásico francés, vanguardista hasta la médula. La música de los Mothers se podría definir, aparte de como indefinible, como un rock progresivo clásico con toques de jazz y experimentación vanguardista por un tubo, por decirlo de alguna forma. No se parece a nada que hayas escuchado jamás, de eso estoy prácticamente seguro.

Tras una serie de álbumes publicados con The Mothers -como Freak Out! o We're only in it for the money, excelentes y rarísimos ambos, muy recomendados- la banda se disolvió por ser una excelente máquina de perder dinero y Frank se embarcó en el proyecto de grabar el disco que podríamos decir que da inicio a su carrera como artista en solitario, Hot Rats, que es el que he escogido para hoy y por cierto me ha costado horrores decidirme, y a partir de ahí es donde empezó a salirse de lo establecido en la música que llevaba haciendo para experimentar cada vez más y más con grupos extrañísimamente configurados, así que podemos decir que Hot Rats es el primer punto de inflexión en su carrera.

Profesionalidad. Frank pasaba horas en el estudio trabajando en su música.

¿Que qué tipo de música os encontraréis en el disco? Y yo qué sé, llevo años escuchando a Zappa y no tengo ni puñetera idea, pero en su día, cuando lo oí, fue lo más absolutamente brillante que había escuchado en toda mi vida. Tiene mucho de jazz en algunos temas, en otros parece música incidental de banda sonora, la extraña Willie the Pimp -donde colabora Captain Beefheart cantando- es puro blues rock a la Zappa con un violín por ahí... en fin, una buena macedonia musical donde no hay ni una nota, ni un ruido, ni un erupto fuera de lugar. Es perfección, todo está absolutamente calculado, medido a la micra, atado y bien atado.

Vosotros escuchadlo, escuchadlo muy en serio porque este es uno de esos discos que hay que oír antes de morir, uno de esos discos que hay que oír para entender la música, y Zappa es uno de esos artistas que cambian el mundo, que una vez entran dentro de ti nunca vuelven a salir y te cambian para siempre, aportándote una cantidad de virtudes y valores tan increíble que, valga la redundancia, no lo creeríais. Desde mi punto de vista, y por supuesto descontando a los músicos clásicos, opino que Frank Zappa es el mayor artista de la historia de la música moderna.

Y por último, gracias por aguantarme durante un año entero, espero que -con vuestra ayuda- sean muchos más. Un abrazo.

Frank Zappa - Hot Rats [1969]

Florence + The Machine - Lungs [2009]

2010-08-16T11:03:00.005+02:00

Cuando uno ha escrito chorrocientos artículos sobre artistas alternativos, cada uno fusionando géneros de su padre y de su madre, termina por quedarse sin adjetivos, pero supongo que sólo es uno de los problemas de tener un blog de este tipo. Pero tranquilos, que mientras siga encontrando perlas como esta, seguiré repitiéndome como un bocadillo de ajos y chorizo con boquerones en vinagre.

Lo de hoy no lo he descubierto yo, me lo descubrieron, y me alegro mucho; es el proyecto de una tal Florence Welch, el grupo se llama Florence + The Machine y debo decir que suena de cojones y además hay muchos puntos en los que me recuerda a mi adorada Joanna, lo cual siempre anima y es un punto a favor. Primer punto: la cantante -Florence- es pelirroja y está como un tren, canta maravillosamente con un estilo muy particular con mucho de soul, mucho de indie y mucho de inclasificable y tiene mogollón de carisma. Segundo punto: hay un arpa, aunque no lo toca la protagonista de la agrupación sino un tal Tom Monger -HAHAHA, MONGER, ¡BWAHAHAHAHA!-. Tercer punto: el estilo musical es similar, tiene mucha personalidad, es muy único y como ya he dicho arriba suena fantásticamente y los coros y el arpa, la voz y el piano, todo empasta de forma perfecta.

Sí, esta tipa con pinta de prostituta yonki es Florence. Pero canta bien.

De momento sólo hay un disco en el mercado, que es el que os traigo, el Lungs y os aseguro que es una carta de presentación contundente como un cañonazo a cinco centímetros de la cara, pocos discos debut he visto tan puñeteramente buenos en los últimos años y ahora mismo sólo recuerdo el de Wolfmother de hace cuatro años, si es que dejamos los supergrupos del estilo The Dead Weather o Them Crooked Vultures fuera, que es lo suyo. Todos los temas son buenos y tienen su propia personalidad, todos transmiten alegría y luz en forma de música y desde el comienzo del álbum con Dog Days Are Over ya puede uno imaginarse el disco que le espera: una joya.

Blablablá, estupendo, blablablá, muy chachi. Este es un disco de los que se venden solos, porque la cantante está muy buena y porque suena bien de verdad -encima os lo traigo a 320kbps aunque tarde mil años en subirlo, no os quejaréis- así que voy a ir terminando; ahí tenéis el botoncito, ya sabéis cómo se hace, espero vuestras opiniones con toda la fe y la esperanza del mundo. Un abrazo, queridos.

PS: En teoría el blog ya tiene un año y quería hacer un post especial, pero voy a esperar al aniversario del primer artículo publicado para ello. Aguardad genitales en mano, que va a ser absolutamente orgásmico y memorable.

Florence + The Machine - Lungs [2009]

¿Cómo ha llegado la gente aquí? (II)

2010-08-11T00:35:00.003+02:00

¡Hola, amiguitos! Bienvenidos de nuevo a la única sección que me reporta comentarios sin tener que mendigarlos, se trata por supuesto de ¿Cómo ha llegado la gente aquí?. Lo estoy flipando, de verdad, no imaginaba que iba a tener material tan pronto para volver a llenar otro artículo -click aquí para leer el primero- pero pasa una cosa que no había previsto: la gente es gilipollas, y además tampoco sabe buscar en Google. Sin más dilatación paso a lo interesante, si total, seguro que no me está leyendo ni Lucas. Cabrones, comentad en los discos también :_

"que significa shout en español"
Significa que te voy a matar como vuelvas a entrar en mi blog.

"south with the devil memnoch"
Hombre, el diablo debe estar al sur en realidad, muy al sur -je je-.

"informacion del pez electric blue devil"
Y tú clicas en mi blog después de buscar eso. Tú mismo, colega, al menos espero que te hayas escuchado algún disco antes de salir.

"yo tuvepeliculas"
¿Y qué has hecho con ellas?

"corre pony! pony bravo"
Es un ordenador, tío, no una montura. Bájate de ahí.

"electricity gay por el culo"
¡De puta madre! ¿Música? ¿Literatura? Un carajo, la gente viene a mi blog para leer sobre electricidad vía rectal.

"escritor francés" siglo xix pelo "teñido"
¿Pero a alguien le interesan estas cosas? Además, ¿ya había tintes en el XIX? Que yo sé que los franceses siempre han sido muy así, con su olalá y su semañifíc, pero no sé, no los hago tan manfloritos.

"bandas que comiencen con night"
A ver, que esto es un blog, no el Un, Dos, Tres.

"biork gafas"
Perdona que te diga, pero ni sabes escribir Björk en condiciones ni te dejaría acercarte a mis hijos, pervertido.

"escuchar cancion de guitar hero shout at devil"
Yo no sé quienes serán los Guitar Hero esos que todo el mundo les atribuye una serie de temazos de otros grupos. Asco de fakers -que no fuckers escrito por el tío aquel, no malinterpretéis-.

"devils mas fuertes que nunca"
Aclárate. O debils o fuerts, las dos cosas no.

"te he compuesto esta cancion mama con todo mi amor y comprencion"
Y yo te lo agradezco mucho, pero creo que me confundes con otra persona...

"como se pronuncia shouting"
Otra vez tú no, por Dios, déjame vivir...

"que dice el público en ich will?"
Pues eso, ich will. Aunque en España la gente dice algo parecido a "íshbil", pero suena similar.

"samuel arquellada"
¡QUE NO SOY SAMUEL ARQUELLADA!

"memnoch"
¿Ves? Tú sí. Gracias.

"las increibles aventuras juan antonia canta"
¿Antonia? Hombre, en los ochenta el que más y el que menos ha vestido una peineta en un guateque, pero de ahí a cambiarle el sexo al pobrecillo...

"como poner devil king de dos"
Con los cojones. Es que ni siquiera sé lo que quieres.

"que significa kyuss"
Significa que la Wikipedia es fantástica y que preguntes allí.

"pasado de shout"
No te rindes, ¿ehh? Venga, esta te la digo: shouted.

"el lobo estepario cuidado"
Hombre, frente a un lobo estepario siempre hay que tener cuidado, te puede morder y te puedes morir.

Y ahora la sección de gritos:

"ver pelicula grita shout"
¡Shout!

"como el diablo grita"
Así: "¡AAARRRRRGHHHH!", supongo.

Y eso ha sido todo en esta segunda entrega de "¿Cómo ha llegado la gente aquí?", espero que hayáis disfrutad y lo hayáis flipado la gente como yo, porque cada vez tengo más claro que estoy rodeado de chiflados -y pervertidos sexuales como el de la batería de coche por el cacas- con individuos así usando los buscadores para estas cosas.

Un abrazo.

Speed, Glue & Shinki - Eve [1971]

2010-08-10T10:50:00.002+02:00

Speed, Glue & Shinki fue un power trío japonés que se dedicaba a lo mejor que saben hacer esos putos Charlies: esnifar pegamento, ponerse hasta las cejas de anfetaminas y hacer rock psicodélico, y es todo verídico. Quizá os interese saber que uno de estos tres colgados lisérgicos llegó a presidente de Polydor Records; ¿cómo? Japan is different. O algo.

Apenas hay información sobre la banda por internet, así que os improviso un haiku dedicado a ellos en sustitución de mis habituales tochos -que nos leemos mi prima y yo- hablando sobre el grupo:

Tres chavalines,
nipones lisérgicos,
nada más pido.

¿Os ha gustado? A mí no mucho, pero son las diez y pico de la mañana, no he dormido en toda la pugnetera noche y no estoy ahora para cumplir expectativas. Bastante es.

¿Qué pasa, en Japón en los años setenta no había cámaras decentes o qué?

El disco que os propongo escuchar se llama Eve, es el álbum debut del grupo y data del año 1971; ahí es nada. Black Sabbat sacaron el Master of Reality, John Lennon el Imagine, The Who el Who's Next y Led Zeppelin el... éste, sí hombre... el de los simbolitos, coño, si sabéis cual es... el cuatro, el del señor con palos atados a la espalda. Que digo yo, ya podrían haberle puesto un título normal, y no tanto simbolito. A lo que iba, que estos tres japoneses en su momento le hablaron de tú a los grandes dioses del rock psicodélico, y eso tiene mérito, así que lo mínimo que vosotros, simples mortales, podéis hacer es descargaros esto y escucharlo con respeto y atención. O algo.

Sí, la portada da un mal rollo de cojones, sobre todo la niña de la izquierda.

Speed, Glue & Shinki - Eve [1971]

The White Stripes - Icky Thump [2007]

2010-07-21T12:09:00.003+02:00

Yo no sé exactamente cuantos grupos de dos integrantes hay en el mundo, pero seguramente, si no me despisto -que es posible con tantas juergas y priva a mis espaldas- este es el más exitoso de todos ellos, y yo diría que de forma merecida, porque hacer tanto con tan poco -una batería, una guitarra y sus voces- es increíble y yo me quitaría el sombrero si lo utilizase. Todo el mundo los conoce, son The White Stripes y este álbum que traigo hoy, el Icky Thump, no es tan conocido realmente; es de los menos populares, no tiene más que un tema realmente conocido que es homónimo al álbum, pero a mí me parece de lo mejorcito del grupo y os lo traigo para que juzguéis vosotros mismos. Y ahora un poco de historia:

Corría el año 1997, un año fantástico para la música aunque Enrique Iglesias sacase un álbum de mierda, pero en contrapartida Dover sacó al mercado el Devil Came to Me; el brit rock estaba pegando fuerte y The Verbe publicaron su mítico Urban Hymns al tiempo que Rammstein hizo lo propio con el Sehnsucht; el ReLoad arregló lo que hizo el Load; el OK Computer catapultaba a Radiohead al éxito absoluto y mientras pasaba todo eso el señor y la señora White vivían un feliz matrimonio desde el anterior año y, bueno, decidieron ampliarlo a un feliz grupo también. En ese momento nació The White Stripes como grupo y no perdieron el tiempo en chorradas, en dos años ya tenían su primer álbum -homónimo, The White Stripes- en la calle y entonces, cuando el grupo acababa de pasar a otro nivel, ohh desgracia ohh dolor, tras la publicación de su segundo álbum en el año 2000, deciden divorciarse.

Pero a nadie le importa, porque el grupo siguió viento en popa.

El divorcio no influyó en su amistad, como podemos comprobar...

Como digo, el divorcio entre ambos fue apenas un contratiempo menor para la banda y siguieron adelante con el proyecto. Fue en el año 2001 cuando dieron el gran salto a la fama con su White Blood Cells, que conquistó al público obteniendo un dignísimo disco de oro -900.000 copias vendidas-, pero no contentos con esto decidieron dar el auténtico bombazo en el año 2003 con el Elephant, su álbum más popular hasta la fecha que contenía éxitos indiscutibles como Seven Nation Army que les valió un Grammy, The Hardest Button to Button -hay que mencionar la aparición del tema en Los Simpson, excelente parodia- o Blue Orchid junto a preciosas canciones como In The Cold Cold Night, donde tenemos la oportunidad de escuchar la maravillosa voz de Meg White; un tema de esos que le erizan a uno el vello de la nuca, os lo aseguro.

¿Y por qué no pongo el Elephant en lugar de este? Por dos razones. La primera es que ya deberíais tener ese álbum en vuestras estanterías y sabéroslo mejor que la fecha de cumpleaños de vuestra madre, y la segunda es que, sorprendentemente, nadie conoce esta maravilla y he venido a hacer justicia, porque es un álbum tan maduro y genial que debería ser tan popular como cualquier otro de sus trabajos.

En Icky Tump bajan una marcha y se acercan más a géneros como el blues o el folk acústico siempre combinados con su peculiar estilo de hacer música dando temas como Catch Hell Blues, donde Jack White da toda una lección de uso del slide en la guitarra, o Prickly Thorn, But Sweetly Worn donde, el que no tenga ganas de bailar como un poseso, es porque no es humano. Por supuesto también hay temas para tirar muros como el titulado como el disco, Icky Thump, el genial Rag & Bone donde la mayor parte de la letra son Jack y Meg hablando en mitad de la canción -Jack más, que se note que es el frontman- o Conquest, donde incorporan unas trompetas y suena... joder, suena a muchísimas cosas. Suena a oriental, suena a mexicano, tiene ritmos que nos podrían hacer atribuir este tema a los mismísimos Black Eyed Peas y todo eso junto de forma impecable crea una música que no podéis perderos.

Uno de los mejores grupos de la actualidad, sin duda. Gozad.

The White Stripes - Icky Thump [2007]

Joanna Newsom - Ys [2006]

2010-07-09T19:00:00.002+02:00

Ya en el anterior artículo comentaba lo complicado que es innovar en el mundo de la música de hoy en día, prácticamente todo está inventado ya, pero aún hay gente capaz de sorprender y cautivar por ahí. Ella -porque es ella, cómo no- se llama Joanna Newsom, viene de California y nadie excepto la mismísima Euterpe podría emocionar del mismo modo a través de la música, expresar una luz semejante, transmitir sensaciones tan hermosas.

Se trata de Aedea en la ejecución de su música, pulsa las cuerdas de su arpa y resuena en las venas y arterias de mi corazón; entona sus canciones y mis costillas se parten como en una explosión, hacia fuera, para dejar que la música llegue directamente a mi pecho. ¿Sus letras? Poesía, como si Erato misma reencarnada las hubiese escrito en su momento de máxima inspiración, una exquisitez lírica incomparable, profunda, madura y brillante que, en contraste con su voz dulce e infantil, crea atmósferas de sentimientos puros.

Y además toca el arpa, EL ARPA; es un ángel, una musa, una diosa del Olimpo.

Su música incorpora elementos muy diversos, combinados de tal forma que consigue que empasten impecablemente, creando algo nuevo y hermoso. Esto es sublimidad, gracia, belleza hecha música; bien que realmente sea música para unos pocos, a muchos les dices de escuchar una arpista que canta con voz chillona un folk bastante personal y... bueno, lo más seguro es que esa descripción no llene de impaciencia a nadie para oír este tremendo rimero de virtud, pero, ¿cómo tratar de expresar fielmente lo que siento al oír esto? No puedo siquiera compararla con otro artista del planeta, está en otro plano creativo y artístico. ¿Cómo definir la hermosura en sí, el sentimiento? Definir es limitar, y la armonía, el esplendor, la delicada magnificencia de Joanna no conoce límites y todo el que ame la música, la belleza y ame el amor mismo se estremecerá hasta el último átomo, descompuesto en placidez y quietud.

Y no escribo más, sólo el sentimiento y la idea son puros, mis palabras nunca expresarán la hondura espiritual de esta música pues ellas mismas son apenas un rudimentario ingenio para comunicarnos y sólo la música es perfecta, sólo la música transmite absolutamente. Como Joanna.

Joanna Newsom - Ys [2006]

Anheim (maqueta) [2010]

2010-06-28T23:20:00.003+02:00

El ingenio, la auténtica creatividad musical, es algo que no tengo el placer de poder contemplar todos los días. El sábado pasado asistí a un concierto, una especie de ronda de clasificación de grupos cuyo ganador tocará en el Low Cost Festival junto a grupos de la talla de Placebo, Los Planetas, etcétera. Fui invitado por un integrante de uno de esos grupos, que resulta que es amigo mío, el grupo se llama Anheim, suenan de cojones y de eso es de lo que os voy a dar la chapa hoy, en parte por promocionarles a ellos y también porque son tan dignos de aparecer aquí como otros grupos de los que os hablo y, pensándolo bien, incluso más que algunos de ellos.

Anheim es un grupo de Alicante que nació bajo el nombre de "The Bitter End" hace unos años como proyecto de dos estudiantes del conservatorio de Benidorm, sus nombres son Diego y David -violín y piano respectivamente-, y el grupo se completó con la incorporación de Alfredo, baterista. Recientemente se ha unido un bajista -Alberto- a la formación que, contando con únicamente cuatro días de permanencia en el grupo, hizo un papel excelente en el concierto a pesar de los lógicos nervios. Con esta plantilla os aseguro que están más que preparados para hacerse un hueco entre los grandes.

Ellos. Ese tótem de carne son el de las teclas y el de los tambores.

Lo que tocan... ¿cómo denominarlo? Unos dirían post-rock, otros shoegaze, otros alternativa con toques de tal y cual, otros dirán que es ambient, otros indie... yo os digo que tienen un sonido bastante propio, y eso es mucho mejor que las etiquetas, y además añado que como músicos son excelentes y lo que hacen lo hacen muy bien. Por mencionar un grupo famoso ligeramente semejante en algunos aspectos podría citar a Sigur Rós, pero ni siquiera, tienen detalles muy personales como el protagonismo del violín a lo largo de todas las canciones pero se mueven entre estilos y simplemente diré que en el concierto entre tema y tema soltaron los instrumentos y se montaron una batucada, para que os hagáis una idea.

Y poco más. Yo espero sinceramente que lleguen a tocar en el Low Cost, pienso que lo merecen -se comen a, no sé, Los Planetas-, pero sea como sea pienso seguir a este grupo y hacer todo lo que esté en mi mano para darlos a conocer y ayudar a que crezcan, porque estos muchachos son unos músicos increíbles, hacen una música muy original y fresca y eso es lo que hace falta en el panorama musical de hoy, menos basura prefabricada y clónica y más calidad. Quizá os guste o quizá no -yo creo que sí-, pero os pido que al menos les deis una oportunidad, bajáoslo y ya me comentaréis.

Más información y contacto: http://www.myspace.com/anheim

The Seatbelts - Blue [1999]

2010-06-26T13:57:00.005+02:00

Vuvuzelas everywhere, amigos. Vaya lata con el mundial de las narices; a mí me gusta, que conste, no el fútbol en sí pero me gusta el sentimiento de unidad que despierta -hasta que caemos en cuartos, claro-; sin embargo estos días he visto un fanatismo con su correspondiente contrafanatismo que me hace desear ser, no sé, neozelandés, para morirme de asco en el culo del mundo pero no tener que aguantar tanto ondeo de banderitas, tanto patriotismo de ese del de subirse al carro -oportunistas todos-, y tanto zumbido vuvuzélico. Vamos a la música, que me enciendo.

Japón, Japón. Hasta los cojones estaréis de Japón por mi culpa, i know, ¿pero qué puedo hacer yo? Me mola. Y aunque mis amarillos psicodélicos -ejemplo 1, ejemplo 2- o bien encantan o bien no tanto -y no es culpa mía cabrones- lo de hoy siempre gusta, ellos son The Seatbelts. Siempre siempre del parasiempre. No sé si os acordaréis de la entrada que escribí hace tiempo sobre ellos, subí un álbum un tanto largo pero excelente, el Future Blues, y hoy toca el Blue, más ameno pero igual de bueno bueno del parabueno.

Yoko Kanno, impulsora de la formación y principal mente creativa.

Este disco es el cuarto de la big band japonesa y tiene más o menos de todo. Desde jazz frenético al estilo neoyorquino en N.Y. Rush hasta trip hop cañero en The Real Man -atentos a ese bajo-, pasando por supuesto por todos los géneros clásicos como el blues, incluyendo sorpresas como un Ave María lírico exquisito, una versión en japonés del tema The Real Folk Blues -de su segundo álbum Vitaminless- titulada See You Space Cowboy, temas preciosos instrumentales de saxofón como Road to the West o trompeta y otros instrumentos en la maravillosa Farewell Blues y otras tantas canciones inclasificables pero fantásticas que crean una atmósfera excepcional, añeja, que nos transporta a comienzos del siglo pasado y luego nos golpea en la boca del estómago con un tema del lejano oeste como Go Go Cactus Man y nos quedamos alucinados porque así son The Seatbelts, se mueven entre los estilos como un pez fluye por el agua entre corales.

Os preguntaréis "¿Por qué no pones sus discos en orden?", ya que estoy decidido a ponerlos todos algún día y tal. Pues no sé, porque me sale de las narices, tampoco lo he pensado mucho; en realidad todos sus discos son buenos y os lo digo yo que es el segundo grupo que más he escuchado, según Last.fm, desde el primero al último, pura crema, un baile de fusiones entre géneros que haría palidecer a quien les pongáis delante. Se trata de un increíble trabajo de composición para poner música a la serie Cowboy Bebop y puedo decir que sin precedentes, porque nunca la banda sonora de una serie de veinticuatro episodios y una película dio para siete álbumes de estudio, un directo, varios EPs, rarezas, ediciones especiales -de algunas de las cuales soy poseedor, como ese boxset limitado de cuatro discos tan genial- y demás.

¿Qué más puedo decir? Son mis japoneses preferidos, y a mí los japoneses me gustan mucho, con lo que estoy diciendo que este es uno de mis grupos preferidos. Uno de mis cinco, podría decir. Dejad de leer y bajáoslo, coño, y comentad, o me enfado.

The Seatbelts - Blue [1996]

High Rise - Disallow [1996]

2010-06-10T06:02:00.004+02:00

Vaya mierda con Eurovisión, lo único rescatable fue el tema Sweet People de Alyosha, representante de Ucrania, lo demás una basura. Y hasta aquí mi comentario sobre Eurovisión, pasemos a la música de verdad: Japón, país de contrastes. No es que estén zumbados, son diferentes. Todo lo hacen diferente, piensan diferente y crean diferente. No es que hayan inventado demasiado, no al menos en el mundo de la música, sin embargo a su arte le dejan impreso su carácter inconfundible, su personalidad, y eso es lo que lo hace genial. Y los asíduos al blog, si os habéis bajado lo que he ido subiendo, lo sabréis.

Aprovecho para disculpadme por la ausencia, he estado ocupado intentando fingir que estudiaba para los exámenes, y os diré que lo he hecho tan bien que hasta yo me lo he creído; en fin, vamos a lo que os interesa. High Rise es un grupo japonés de rock psicodélico, y cuando digo psicodélico no digo psicodelia descafeinada como estamos acostumbrados en occidente, estoy hablando de caerse dentro de una piscina llena de LSD con las guitarras y todo el equipo y mirar a ver lo que sale. Incorporan ciertos elementos noise en su música, o al menos eso se puede leer por ahí, pero podéis estar tranquilos, se moderan más que Lightning Bolt.

Niños, no toméis drogas o es posible que terminéis como ese señor.

El resultado de todo eso es una música potente y llena de vida, ritmos con muchísimo groove y solos de guitarra psicodélicos por todas partes, tanto es así que ni siquiera diríais que es un álbum de los noventa; ésto sabe completamente a los setenta, os lo aseguro. El disco que os traigo se llama Disallow y no es ni mucho menos su debut, los componentes del grupo son músicos veteranos y el grupo lleva en activo desde 1984, pero creo que deberíais empezar por este disco -mi preferido- porque es increíble, un auténtico escopetazo en las tripas. Si os gusta más adelante pondré el Live, que es un directo genial y el álbum con el que yo mismo les descubrí hace años pero con la particularidad de que... ¿cómo decirlo? Ahh, sí: suena a culo. Por algún motivo los grupos de este estilo en Japón graban discos en directo y suena mal, es infalible, pero no por ello son menos geniales.

Ahh, y para no variar la portada es horrenda, pero es lo que tienen los japoneses, que tienen un sentido de la estética muy suyo que no admite medias tintas: o los odias o los amas, y eso es prácticamente así en todos los ámbitos. Y yo los amo.

Hasta la próxima.

High Rise - Disallow [1996]

¿Cómo ha llegado la gente aquí? (I)

2010-05-17T06:16:00.006+02:00

Hola, amigos. Hoy, variar un poco, se me ha ocurrido que os puedo enseñar algunas de las cosas que vosotros habéis puesto en Google y que os han traído hasta aquí, algunas parecen completamente absurdas pero os aseguro que son todas reales y os las puedo ofrecer gracias a los datos de Google Analytics. Si tenéis blog usadlo.

La mayoría de visitas provienen de gente buscando el álbum The Resistance de Muse, pajilleros preguntando el nombre de las actrices del videoclip de Pussy de Rammstein y demás, pero hay unas cuantas que son realmente inquietantes y/o sorprendentes. Procedo a mostraros algunas de esas búsquedas:

"bakalao metal"
Éste venía buscando algo de Combichrist, me apuesto un brazo.

"estereotipo del español"
Pues no sé, ¿Alfredo Landa?

"aver si me rregala un pony"
Cuando me toque la lotería, ¿vale?

"blog de samuel arquellada"
Definitivamente, éste no acabó encontrando lo que buscaba.

"cancion de rammstein que dice tu tienes un coño y yo una polla"
El rock de la cárcel, ¿y a ti qué te parece?

"cancion disco con acordeon muy marchosa del momento youtube"
Así como que no caigo, pero si me la tarareas...

"como hacer sopletes de rammstein"
No tengo ni puta idea.

"como mejorar la estructura del suelo devil"
No sé... ¿pintándole pentagramas?

"como se dice shout en español"
Sháut.

"como se llama el concierto donde ponen muñecos que cantan de rammtein"
Muñecos que cantan de Rammtein (sic). Yo de verdad que flipo con vosotros.

"como se llama la cancion de rammstein que tenia una novia y que era vampiro"
Krepúscullen. O algo así.

"como se llama la cancion que sale cuando el grupo de bigmama hace su rutina"
No he entendido nada, lo juro. ¿Bigmama? ¿Quién coño es Bigmama? ¿Y has llegado a mi blog poniendo eso? Google va fatal, amigos.

"como se separa en silaba concierto"
Traducirte cosas... aún, ¿pero esto? Maldita LOGSE.

"cual e la importancia deyectar"
Hombre, la importancia de deyectar es mucha...

"de quien es la cancion de moonchild de rory"
¿De qué color es el caballo blanco de Santiago?

"discografia del glam"
Vale, ¿pero toda? Mira que te vas a hartar...

"distopias ochenteras"
Mira, éste me ha hecho gracia. Imagínate el mundo ficticio de 1984 de Orwell, pero todos con hombreras, cardados imposibles, combinando colores horribles y con el pelo teñido. Terrorífico.

"escuchar bien vinilo standstill vivalaguerra"
Pues enciendes la chimenea, te pones una copita de cognac, te sientas en tu sillón, le das a play...

"escuchar musica de dreik y cort de nick"
Mira, el andoba se ha leído lo de "sháut". Genio.

"este poni me pone"
Toma ya.

"leo jimenez es un gilipollas"
Y tú un bastardo. A ver qué va a ser esto.

"los ñiños mas fuertes"
Esa me la sé: los que se comen toda la verdura del plato.

"neanderthal "we will rock you" queen"
Vale, lo de We will rock you y lo de Queen lo entiendo, pero, ¿y lo de Neanderthal?

"porque combichrist"
¿Porque Combichrist qué? Ahora no nos dejes con la intriga.

"que le paso a jeff buckley"
Que se murió. A veces pasa.

"que significa shout en pasado"
¿Otra vez tú?

"sundia luminoso diabolo venta"
Uhm... ¿qué? O sea... ¿qué?

"tios haciendose una autofelacion"
¿Qué clase de pervertidos... en fin.

"yo tuve peliculas de gritos del diablo"
Tengo curiosidad por lo que pretendía encontrar el tío este poniendo eso en Google.

"ver pelicula shout ¡grita!"
¡Ahh!

"ver pelicula de grita grita y buelbe a gritar"
¡Ahh! ¡Ahh! ¡Ahh!

Y nada, hasta aquí la primera entrega de ¿Cómo ha llegado la gente aquí?, espero que os hayáis reído al menos la mitad que yo, pues os prometo que llevo partiéndome aproximadamente media hora con las búsquedas que os expongo y con las que me he guardado, pero para verlas todas tendréis que esperar hasta la próxima entrega. Un abrazo, amigos.

Stravaganzza - Raíces [2010]

2010-05-11T17:16:00.001+02:00

Hola amiguitos. Nada, que el artículo ese tan bueno que os prometí se me fue a la mierda y no lo voy a reescribir, pero tengo en la recámara otro tema que además está muy de actualidad por varios motivos, y es que Leo Jiménez siempre está de actualidad en este país. El día 24 de abril fue mi cumpleaños y un amigo; ¿qué digo un amigo? ¡Un hermano, joder -37 euros-! Pues ese brotha me invitó a ver en Valencia el musical de Jesucristo Superstar en el Palau de la Música este pasado domingo donde la gran estrella como hijo de Dios era Leo y, nada, para allá que me fui. No voy a comentar el musical, sencillamente diré que fue increíble tanto por la actuación de los músicos y los intérpretes como por el empaste entre orquesta y la dinámica de ópera rock, las sorpresas como el descubrimiento de los grandes Boni Carrillo, Javier Santes -simpatiquísimo además-, Jesús Álvarez y un largo etcétera de tremendísimos artistas, así como contemplar a un excelente Tanke Ruiz interpretando a Anás. ¿Y por qué os cuento esto? Por dos motivos: el primero es daros envidia y el segundo es que, aprovechando la ocasión del viaje en coche a valencia, el brotha arriba mencionado se trajo el nuevo álbum de Stravaganzza titulado Raíces, cuyo lanzamiento inminente profeticé aquí, y me casi dio tiempo de aprendérmelo porque no hicimos más que oírlo -y berrearlo-.

Sí, ahá, yeah. Aquí tenemos a Stravaganzza, los más chungos del Bronx.

¡Qué sorpresa me llevé! Yo esperaba que fuese una basura, ya que su álbum anterior -Réquiem- no me gustó casi nada, salvando algún tema como la bestial versión de Eloise del gran Tino Casal, sin embargo el asombro fue mayúsculo ya que han superado todo lo publicado anteriormente por ellos, y con creces. Las melodías están más trabajadas que nunca, la producción jamás estuvo tan cuidada, la voz de Leo está en el mejor momento de toda su carrera y todo eso hace que el álbum sea tan maduro e interesante que, joder, incluso no parece de Stravaganzza. El estilo ha evolucionado hacia un metal más directo, más como el otro grupo de Leo del que ya os hablé -037-, pero conservando siempre su identidad; ciertamente era su asignatura pendiente, ya hacían música fácil y agradable de escuchar pero les faltaba ese toque de seriedad y genialidad en las composiciones que ahora han alcanzado y se vuelven a erigir como uno de los buques insignia del metal español.

El álbum comienza con Cuestión de Fe, la batería te vuela la cabeza y las guitarras están a punto de cortarte el cuello cuando entra Leo con una voz dulcísima en la primera estrofa para volver a provocarte un ataque al corazón rugiendo como únicamente él sabe hacer en la repetición. Luego nos encontramos el primer single del álbum, titulado Que te follen -Dios te oiga- y remonta de nuevo; unos rasgados de aúpa, os lo digo yo. El cuarto tema -Sin amar- cuya letra es preciosa es otra perla y, así, canción genial tras canción genial llegamos al último tema del álbum, Raíces.

En este tema, que es la joya del álbum, esas orquestaciones que en anteriores trabajos de Stravaganzza pudieron parecernos ligeramente fuera de lugar y un poco burdas -salvo honrosas excepciones como Pasión, Dios, etc.- aquí empastan maravillosamente creando una atmósfera auténticamente hermosa y, en un crescendo constante, hacia el final Leo sube una octava y termina haciendo unos agudos impresionantes, pero no os equivoquéis porque no estamos hablando de demostraciones de capacidad, estamos hablando de cantar de verdad, de transmitir por fin, que es eso de lo que Leo adolecía un poco, de ser un poco artificial en sus increíbles agudos dando la impresión de que únicamente quería el título de mejor cantante de metal de España -que por otra parte le pertenece-, pero ahora se acabó eso. Sentimiento de verdad, humildad en la actitud, técnica y talento unidos... ¿qué puedo decir? Escuchadlo, de verdad, porque a mí hasta este domingo pasado no me gustaba especialmente Stravaganzza y ahora no puedo dejar de escuchar este álbum. Y de mi criterio os podéis fiar, ¿o no? Hala, gozad.

Stravaganzza - Raíces [2010]

Dover - Late at Night [1999]

2010-04-20T06:18:00.005+02:00

Hay tres grandes clases de grupos en cuanto a trayectorias -me encanta decir "hay equis tipos de cosas", es genial-, prestad atención: por un lado tenemos los grupos que comienzan como sea pero con el tiempo van mejorando -oséase los que van pa'rriba, lo normal-, después los que mantienen una calidad, un nivel determinado en el tiempo y así permanecen y luego están los que pegan durísimo en sus comienzos y luego se van a tomar por el culo. Sobre un grupo de estos últimos es de lo que voy a escribir hoy, un grupo que ha decepcionado a España entera saltando ellos mismos sin que nadie les empuje desde el pedestal de la música que tanto trabajo les costó conseguir -y tanto se merecían, de verdad- al abismo de la vulgaridad y el pop electrónico mainstream apestoso y barato. A estas alturas cualquiera habrá caído en que me refiero a Dover, antaño gran grupo de rock con claras influencias del grunge que en esos momentos arrasaba en EEUU y hoy risión nacional.

¿Qué es esto? O sea, ¿qué puta mierda es esto? Ganas de matar aumentando.

Y es que Dover, a pesar de haber bajado el pistón tras los álbumes Devil Came to Me y Late at Night publicados en los noventa, continuaron teniendo éxito; vendieron 220.000 copias de su I was dead for 7 weeks in the city of angels, cifra nada desdeñable, y continuaron en la memoria de sus fans como ese gran grupo que en los noventa parió dos de los mejores trabajos que han salido de España, todo un honor. Y sin embargo, llegado el año 2006 les da la neura y se cambian de chaqueta, van de un rock enérgico y potente al pop prefabricado electrónico más estéril que oyó un servidor, de la frescura y la originalidad más brillantes al todo por la pasta. Es como si un cojo tira su pierna ortopédica, que diría una amiga -es un símil de esos-.

Con el cambio de estilo musical vino el correspondiente cambio de look, claro; las hermanas Llanos abandonaron las camisas de cuadros, la tela vaquera y esas cosas que lleva la gente corriente en pro de los vestiditos "glamourosos", las pintas de pija insoportable y el guapismo; sí, señores, el guapismo. Y es que, siendo fieles a la verdad, ninguna de las dos ha sido guapa en su vida; la una -Cristina- por ser un tapón, tener cara de bollo y una nariz curiosa siendo elegantes y la otra -Amparo- porque, a pesar de poder haber llegado a ser mona con algún cocido que otro de más, esas pintas de heroinómana anoréxica no le sientan bien a nadie, aunque esta es la mejor parada de las dos, todo hay que decirlo. Seamos realistas, coño ya; Cristina Llanos, escúchame: eres fea. No es que seas diferente ni tengas un encanto especial, es que eres fea y ni todos los tintes, potes y photoshopeos del mundo lo podrán reparar, acéptalo y llévalo con orgullo, que eres fea pero eras la cantante de Dover. Ahora eres la cantante de "Dover" y encima eres una fea disfrazada de guapa.

Esto ya está mejor, ¿veis? Normales, auténticos y por qué no, horteras.

Me consuela pensar que, aunque -y voy a utilizar esa expresión tan asquerosa- se hayan vendido y por lo tanto suicidado musicalmente a los ojos de la mayoría de sus cientos de miles de fans, dejaron un legado por el que otras bandas nacionales matarían. El Late at Night, disco que os traigo hoy, no es el más vendido de la banda, apenas son 300.000 copias aproximadamente frente a las impresionantes 800.000 copias vendidas de su anterior trabajo Devil Came to Me, sin embargo yo lo prefiero por dos motivos: el primero es que con este álbum descubrí yo a Dover allá por el mismo año en el que salió publicado y segundo porque, coño, lo considero mejor. Temas como Me and my mulón donde, ahora sí, nuestra Cristinita se desgañita como una perra gritando como nunca gritó, auténticos mitos como DJ o Cherry Lee. Un álbum impresionante con todas las letras.

Haré una aclaración. Escribo este post porque más de una vez algún ignorante me ha escuchado recomendar algún disco de Dover o sencillamente hablar de ellos en sus inicios y, todo ufano y jactancioso, sentenció con un "¿Dover? Si ese grupo es una mierda." tan contento. Con todo el cuajo del mundo; ole, ole y ole. Retaré dos veces a cualquiera de estos tristes animales tan incautos a que escuchen el álbum y se digan a ellos mismos lo mismo, si se atreven. La triste realidad es que Dover hoy es un grupo mediocre, pero en su día fueron uno de los mejores grupos del país y, quién sabe, tal vez algún día recapaciten y vuelvan a sus orígenes y a ilusionarnos de nuevo. Mientras tanto, una buena banda sonora para la espera es el Late at Night.

Buenas noches.

Dover - Late at Night [1999]

Brant Bjork - Gods & Goddesses [2010]

2010-04-11T23:02:00.002+02:00

El año 2010 ha empezado muy bien, la verdad, no nos podemos quejar. Por citar sólo unos pocos de los artistas que han publicado álbum en lo que llevamos de año mencionaré a la hermosa Joanna Newsom con su Have One on Me, un disco casi tan precioso como ella; Standstill ha pegado fuerte en España con su increíble Adelante Bonaparte, que continúa la línea del Vivalaguerra del que ya os hablara, y hasta Slash ha sacado un disco con colaboraciones de altísimo nivel; por cierto, si queréis alguno de esos pedídmelo, sin miedo. De todas formas, y aunque tenía pensado comentar el de la Newsom, a petición de la gente he subido y voy a hablar sobre Brant Bjork -no confundir con la petarda islandesa/mongola esa- y su Gods & Goddesses, un disco muy desértico y absolutamente recomendable.

Resulta que Brant Bjork, el que fuese baterista nada menos que de Kyuss -uno de mis grupos preferidos-, no perdió para nada el tiempo y enseguida se embarcó en otros proyectos como la producción y posterior participación en los álbumes de Fu Manchu a partir de 1997, se encargó de la batería de Mondo Generator -el grupo de Nick Olivieri, paralelo a QOTSA-, participó en 2003 en la grabación del álbum de Melissa Auf Der Maur -la que fuese bajista de los Smashing Pumpkins- y en otra docena de álbumes como colaborador ocasional, pero en cualquier caso me he dejado lo más relevante, porque Brant Bjork también tenía grupo propio: Brant Bjork and the Bros.

Yo tenía unas gafas así, pero me las cargué "medio accidentalmente". Putada.

En 1999 debutó en solitario con el álbum Jalamanta dejando muy claro que él también sabía hacer buena música por su cuenta. Stoner rock del bueno, psicodelia por todas partes, ritmos geniales que crean toda una atmósfera propia; en definitiva, un disco cojonudo aunque comprendo se puede hacer pesado en ocasiones porque los temas son algo monótonos -aunque como música "de fondo" no tiene precio-, por lo que precisamente os traigo el Gods & Goddesses, que es igual de bueno pero más dinámico.

En cuanto suena la primera canción, Dirty Bird, ya sabemos lo que nos depara el disco. Este no es un trabajo lleno de alardes de técnica instrumental, para nada, eso no es el stoner; este es un álbum que desborda mojo por el norte, el sur, el este y el oeste, donde cada nota sería capaz de provocarle un orgasmo a una monja, feeling puro. Tiene un estilo que recordaría casi por completo a Kyuss de poner como cantante a John García, ya que Bjork tiene mucha personalidad como cantante. En definitiva, el disco perfecto para pinchar si tienes pensado atravesar el desierto de Palm Springs en un descapotable.

Y ya está, que estoy de resaca y no me apetece escribir más -no vuelvo a mezclar-. Disfrutad de Brant Bjork, sed buenos y esas mierdas. Con Dios.

Brant Bjork - Gods & Goddesses [2010]

Sexy Sadie - Dream Covers [2002]

2010-04-05T16:14:00.002+02:00

Siguiendo la línea del anterior post -grupos influyentes de los noventa- y por otro lado también la de los posts anteriores, refiriéndome claro está al rollito rock indie nacional -exceptuando el de Gogol Bordello, que lo más español que tienen es el bigotillo de Hütz- hoy traigo una joyita, y me jode que la gente no los conozca porque son geniales, en los noventa y principios del nuevo milenio mandaban y parece que nadie se acuerde. Son lo mejor que ha salido nunca de Mallorca tras las ensaimadas y la sobrasada, llevan en esto desde el año 1992 y se llaman Sexy Sadie.

Habéis leído bien, se llaman Sexy Sadie. No he dicho "se llamaban Sexy Sadie", ni tampoco he dicho "eran geniales" en lugar de son geniales. ¿Por qué recalco esto? Muy sencillo; resulta que Sexy Sadie se disolvió el año 2006, sin embargo hace unos escasos meses la formación del It's Beautiful, it's Love volvió a tocar en Barcelona -Apolo- y Madrid -Floridapark- y eso significa que hay reunión, al menos de el power trío que grabó ese tremendísimo disco en el 98' y, ¿quién sabe? Tal vez podría haber disco próximamente. Yo de momento no sé nada, pero seguiré informando.

Fotografía promocional chulísima -debo dejar de incluir comentarios aquí-.

El disco sobre el que me apetece escribir hoy no es el más conocido, ni mucho menos, pero no lo traigo porque sea más famoso o representativo del grupo sino por lo particular del mismo. El álbum Dream Covers que os traigo es, como el propio nombre indica, un álbum lleno de versiones de ensueño, versiones bien hechas, como se tienen que hacer las versiones, respetando el tema original pero sin caer en la copia, introduciéndole una buena dosis de personalidad del grupo que decide versionar, y Sexy Sadie tienen personalidad para dar y tomar. Los grupos versionados van desde, sin ir más lejos, de The Beatles y The Kinks a The Velvet Underground o U2. Nada menos, con un par.

Y es que escuchar a un grupo tan genial como Sexy Sadie -del que nadie de mi círculo se creía que fuesen mallorquines primero porque cantan en Inglés y segundo porque son, según esas personas, "demasiado buenos como haber salido de aquí"- versionando temas como Sunny Afternoon, Venus in Furs, It's my Life -la de Talk, Talk mendrugos, no la de Bon Jovi- y la mismísima Sexy Sadie de los Beatles es algo que me pone contento el pantalón. Una cosa os digo, hace falta tener unos huevos muy gordos para versionar unas canciones tan simbólicas, tan importantes, tan... joder, tan perfectas; sin embargo los mallorquines han sabido estar a la altura y, no me atrevo a decir que han mejorado las canciones originales, sin embargo le han dado un planteamiento totalmente nuevo a algunas de ellas, algo muy grande, porque no os imagináis lo fácil que es joder un tema intentando versionarlo. Hace falta mucho talento.

Nada, que eso, que este disco está para comérselo con pan y queso. Disfrutad a uno de los grupos más importantes de los noventa en nuestro país, a la altura en cuanto a relevancia de otros grandes como Héroes del Silencio y Dover, y permaneced atentos porque el día menos pensado vuelven por todo lo alto y habrá que estar al quite para ir a tirarles rosas, tangas y demás historias. Y casi se me olvida una cosa, atentos al final del último tema -Sexy Sadie-, esperad un minuto y algo, que hay sorpresa.

Un abrazo.

Sexy Sadie - Dream Covers [2002]

Gogol Bordello - Gypsy Punks: Underdog World Strike [2005]

2010-03-31T11:13:00.003+02:00

Muchas veces me he preguntado lo que sucedería al poner a un artista reconocido, con todo su genio musical, a hacer un estilo de música completamente diferente al suyo, a ver qué tal se desenvuelve; verbigracia imagináos al maestro Paco de Lucía subiendo y bajando pentatónicas a la velocidad de la luz en un grupo de metal progresivo, o bien a John Cage haciendo música de verdad; escalofriante, ¿ehh? Sin embargo, existe una unión bizarra de estas que no os vais a morir sin conocer, gracias a mí; se trata de la fusión de los ritmos de la música gitana de la Europa Oriental y, atentos, ¡el punk! ¡Y suena de puta madre! Para que luego digan que todo está inventado. Y una leche, oiga.

Gogol Bordello, cuyo nombre viene de Nikolái Vasílievich Gógol -escritor ruso- al que citan como influencia ideológica, son un grupo formado en Nueva York en 1999 que sin embargo está compuesto tanto por gente de Ucrania, Rusia, Ecuador e Israel así como también por estadounidenses. Un buen cocktail. En su música utilizan violines y acordeones, dándole un carácter muy original pero que empasta perfectamente con el resto de instrumentos como las guitarras eléctricas, la batería y todo eso. Lo sorprendente es que al escuchar el disco que os traigo, el Gypsy Punks: Underdog World Strike, parece que este estilo se lleve haciendo toda la vida y por lo tanto está muy pulido y perfeccionado. Os sorprendería conocer la cantidad de grupos que se aventuran a fusionar estilos con tanto atrevimiento como Gogol Bordello y terminan pariendo una basura infumable.

Indudablemente, una panda de desequilibrados mentales muy peligrosos.

Este disco tal vez no es el más conocido, el Super Taranta! del 2007 parece tener algo más de fama, sin embargo yo los conocí con este y como mi propósito es transmitiros mis propias experiencias aquí nos hallamos con el Gypsy Punks, que lo considero igual de bueno. En este punto tal vez los más escépticos tengáis algún tipo de duda sobre estos muchachos tan marchosos, entiendo que el concepto de una panda de inmigrantes del este de Europa haciendo una especie de punk gitano con violines y acordeón suena un poco raro, así que os voy a poner una pequeña muestra del álbum; ahí os va el tema que abre el disco, Sally. Tened cuidado de no salpicar.

Co-jo-nu-do, ¿ehh? Pues hay temas mejores. Never Young, Start Wearing Purple, Dogs Were Barking, Immigrant Punk... todas canciones excelentes que forman un disco imprescindible con un carácter muy marcado pero influenciado claramente por grandísimos artistas de la talla de Jimi Hendrix y Parliament Funkadelic, según una entrevista al propio Eugene Hütz, el cantante y líder del grupo.

Y ya no tengo nada más que decir. Para compensar que llevo un tiempo sin actualizar os he traído un disco enorme, así que no me seáis puñeteros y escuchadlo -y comentadlo si os sale de las narices, aunque ya no sé ni por qué me molesto en mendigar comentarios, cabrones-, que me lo agradeceréis. Recibid con todo mi amor hasta la próxima un abrazo, una ovación de gala, un pico y una pala. Gogol Bordello:

Gogol Bordello - Gypsy Punks: Underdog World Strike [2005]

Standstill - Vivalaguerra [2006]

2010-03-18T07:14:00.001+01:00

Como os dije anteriormente tuve problemas con internet, ¿y qué sucede cuando los soluciono? Que se me jode el ordenador, no hay forma de tenerlo encendido el tiempo suficiente como para hacer nada con él; magnífico. Cuando logro arreglarlo o al menos hacer que funcione y no se apague dos minutos, hala, exámenes; fantástico. Y yo no es que sea muy de estudiar, pero claro, faltas a uno y suspendes otro -cosas que pasan- y además de todo lo demás, pues ya los tienes de corbata; justo lo que el autor de un blog necesita, frustración.

Excelente, de verdad, putamente glorioso.

De todas formas disculpad mi ausencia, ya estoy aquí. En un intento de volver con buen pie voy por un lado a continuar la línea del excelente último artículo de Theed y no me refiero a cagarme en todos aquellos autoproclamados gurúes de la música -no es que no tenga ganas-, sino a dar a conocer a aquellos grandes grupos de nuestro país que no tienen toda la fama y el prestigio que deberían. Por el otro lado me quito una espina que tengo clavada desde hace un tiempo, que es hablaros de este grupo, tal vez el descubrimiento musical que más me ha gustado de todo lo que llevamos de año: Standstill.

Ellos. Los de atrás no sé quien son.

Allá por Febrero, un buen día -aunque eso de bueno es mentira porque en Febrero no hubo ni un puñetero día bueno-, estaba yo manteniendo una conversación sobre música con una persona. Se trataba de una de estas conversaciones donde todos y cada uno de los aportes son estupendos y de una de esas personas con las que da gusto hablar de estas cosas, una de esas personas con las que uno puede hablar hasta que amanece, desayunar uno mientras se despide y echarse a dormir muy satisfecho. Un beso, por cierto.

Como decía, estábamos manteniendo una conversación musical, o eso imagino, cuando me pasó un link a un vídeo de YouTube (click) para enseñarme un tema de Standstill y a mí en un principio, aunque me gustó, no me pareció algo tan alucinante. Con el paso de los días pasó algo curioso que es que cada vez sentía con mayor urgencia la necesidad de escuchar la canción y ya me había descargado el tema, incluso el disco -el disco del que os hablaré hoy, Vivalaguerra- y no hacía más que escucharlo sin descanso, algo que no me pasaba desde hacía tiempo y que sólo me sucede con los trabajos que más logran impresionarme, entonces decidí bucear un poco en material más antiguo del grupo y debo decir que quedé encantadísimo. Y es que Standstill es un grupo de esos que a uno cada vez le gustan más porque cuanto más los conoces, cuanto más comprendes su forma tan propia de hacer música y de expresarse irremediablemente más te atraparán. Y no hay forma de escapar.

Hago un inciso. Ahora que lo pienso y caigo, he escrito esto por otra razón más aparte de las anteriormente citadas, y es que Standstill ha sacado un disco hace nada titulado Adelante Bonaparte y eso ha avivado más aún la llama que arde dentro de mi corazón por estos muchachos, con lo que no podía dejar pasar más tiempo sin hablaros de ellos. He podido escuchar algunos temas del primer EP -se trata de un triple EP- y puedo decir que el nivel no ha bajado en absoluto, podéis creerme. Hagamos una cosa: vosotros escuchad esto, y si os gusta -que os gustará- intento traeros el nuevo trabajo, ¿hay trato? Pues eso. Que Vivalaguerra y que viva Standstill.

Standstill - Vivalaguerra [2006]

Pony Bravo - Si bajo de espalda no me da miedo (y otras historias) [2008]

2010-03-16T22:51:00.033+01:00

Esta mañana, como otras muchas, cogí el metro. Y también como otras muchas, me enchufé a mi mp3 para sobrellevar mejor el trayecto. Hasta aquí todo normal. Todo parecía indicar que sería una mañana más, sólo un poquito más calurosa (Qué bien la primavera, ¿eh?).

Los cambios comenzaron cuando a la primera parada, mi pequeño compañero de viaje decidió morirse de repente, debido a mi descuido de no haberme acordado de cargar su batería. Maldiciendo mi ineptitud, quitándome los cascos y enrollándolos en el aparato, me doy cuenta de esto me brinda la casi única oportunidad de atender las conversaciones de mis compañeros de vagón, cosa que hacía tiempo que no practicaba y, según los casos, solía ser bastante entretenida.

Cuestiones del destino, o vaya usted a saber de qué, el que en principio iba a ser el primer hecho desafortunado del día, acabó siendo el motivo que necesitaba para reanudar mi colaboración en este blog (lo cual no sé a vosotros, pero a mí me pone contento).

Y es que me tocó escuchar una de esas conversaciones sobre a las que a durísimas penas logra uno contenerse intervenir. Una conversación sobre música. No, perdón: una Conversación sobre Música. Tenía ante mí, oh Señor, a dos entendidos. Sí. Ellos lo decían, no yo. Lo que por otra parte me irrita sobremanera: nadie menor de treinta años (cifra variable) puede presumir de entender de música. Simplemente lo más probable es que no haya tenido el tiempo necesario para lograrlo. Afirmarlo, además de una importante soberbia, demuestra una ignorancia abrumadora, aunque sea por la cantidad de información que se ignora ignorar.

Que me lío.

Pues eso, que dos entendidos discutían amablemente. Con mayor o menor fortuna iban recorriéndose el panorama internacional actual del indie y del rock, mientras yo me preguntaba cómo había podido tener tanta suerte. Obviaré varias afirmaciones verdaderamente hilarantes para llegar a lo que nos ocupa. Cuando uno hace la pregunta del millón. Ésa que acaba saliendo en casi cualquier conversación general sobre música. La pregunta que parece que casi da miedo contestar. La que no todos se atreven a formular:

"¿Y en España?"

¡Oh!

Sonrío. Estoy expectante, se me ve en la cara. Temo que ellos se den cuenta, porque a estas alturas mi interés por lo que dicen es bastante obvio. Pero por Dios, no te demores más. Necesito saberlo. Vamos. Contesta. ¡Contesta!

"La música en España es una puta mierda"

Ouch.

El iluminado. Eso contesta: una puta mierda. Eso contesta, con su tupido flequillo negro tapándole la mitad de esa carita imberbe de muñeca, con su trenca marrón de solapas subidas y botones pareados, con sus vaqueros pitillo, con sus botines de punta. Con sus Santísimos Cojones.

Para que os hagáis una idea. No he encontrado nada mejor

Y es que esa es una de esas afirmaciones que inmediatamente tras escucharla, me encoge el alma y me desasosiega el sosiego (Piedrahita dixit). Veamos: España siempre ha sido un país de gran nivel artístico en casi todos sus manifestaciones. La razón, ni la tengo clara ni me preocupa, pero la realidad es ésa. Entonces, ¿no se te ha ocurrido pensar, compañero, que quizás la cuestión sea que tú desconoces la música de España?

Puestos a callarle la boca a un bocazas, podría presentar decenas de discos que apisonarían su erudita prepotencia en un par de temas. Tiempo al tiempo: hoy me voy a ocupar de uno. Porque no puedo dejar de escucharlo. Porque son buenos, muy buenos. Y porque hace poquísimo, vi con estos ojitos, cómo ciento cincuenta personas obligatoriamente sentadas en una pequeña sala de La Casa Encendida (Madrid), no pudiendo contenerse, y a golpe del sonido hipnótico de estos Pony Bravo, decidieran abandonar aquellos asientos por los que pacientemente habían estado guardando una larga cola, para destrozar las alfombras con sus zapateos.

Pony Bravo es una banda sevillana formada en 2006 por Daniel Alonso, un compositor para música de danza y editor gráfico, y tres componentes del grupo Renochild. Tras un primer EP de adelanto, Miedo a Nada, y varias demos, sacan este trabajo: Si bajo de espalda no me da miedo (y otras historias).

Uno se queda de piedra cuando lee cómo se autodefinen: Rock / Canción popular melodramática / Esperimental. Y ya directamente se cae de culo al ver sus influencias (perdón por el chorreo de grupos, podéis saltároslo): Can, Nina Simone, Serge Gainsbourg, Frank Sinatra, The Doors, Howlin' Wolf, Son House, JB Lenoir, Mohammed "Jimmy" Mohammed, Mahmoud Ahmed, Bob Dylan, Van Morrison, Al Green, Lee Scratch Perry, Dr. Alimantado, Burning Spear, Captain Beefheart, Pere Ubu, Talking Heads, Nick Cave, The Residents, John Lurie, Tom Waits, Iggy Pop & The Stooges, David Bowie, Joy Division, Morphine, Smog, Devendra Banhart, Morente, Bambino, El Beni de Cádiz, Radio Futura, Yo La Tengo, Kraftwerk, Liquid Liquid, Suicide y Triana. También Josep Renau, John Heartfield, Miguel Brieva, Samuel Arquellada y Manuél León.

Así que no queda otra que ponernos el disco con la mayor de las curiosidades. Y tenemos que perdonarles su apertura (*). Yo soy un obseso de las aperturas. Con la digitalización se ha ido pasando de ese mágico momento: abrir la caja, sacar el vinilo, ponerlo en el plato, subir la aguja, acercarla lentamente mientras el disco empieza a girar a esa velocidad tan característica que no sabría tildar de rápida o lenta, bajar con cuidado el diamante para de repente -aquí está la magia- sentirse rodeado por ese sonido envolvente, mientras uno se da la vuelta para sentarse en su sofá preferido a escuchar el disco... a este legado que nos ha quedado del doble click en la Track1 previo a un segundo doble click para actualizar el facebook. Una pena, sin duda. Aún así creo que la apertura de un disco es algo a lo que todavía debe dársele el respeto que merece.

(*) Explicación de mi equivocación al final.

Pues bueno, ésta a mí no me gusta. Me parece que peca de pretencioso ese bis, tipo Bjork o Fitter Happier. Uy, que se quieren pasar de especialitos, pensé. Quizás sea algo personal, pero si también os pasa, perdonádselo, por favor. El motivo no se hará esperar: el segundo tema es uno de los mejores del disco, Pony Bravo quiere volver a ser escuchado desde el primer momento. Un caramelito de tres minutos que nos muestra la esencia del grupo. Te sorprenderás trotando sobre la silla y los odiarás por hacerte sentir tan estúpido. No pasa nada. El Rayo te quitará esa sensación al primer compás, empezarás a comprender esa versatilidad de sus influencias. Y seguirás moviéndote. Y queriendo más, y más, y más. El disco es redondo, así que los buenos temas se suceden. Por mi parte, destaco el ya citado Pony Bravo, El Guarda Forestal, Fingers, y El piloto automático, pero quizás mañana os diría otros cuatro.

Así te cantan en español, como en inglés o te balbucean. Así suena a Doors, como a Dylan, como a Iggy. La cosa puede ir de boleros, como de reagge, como de rock. Te harán moverte con latigazos de espalda, o cerrarte los ojos y abanearte semi-hipnotizado. Te dejan tanto seco, como conmocionado, aquí no hay diserción.

Además, señores, hoy no se nos van a cargar el enlace, porque Pony Bravo ponen su disco en descarga directa desde su página. Lo cual a mi parecer les honra. A ver si siguen así cuando alcancen el éxito que seguro llegará.

Compañero de la línea 6, entre Cuatro Caminos y Príncipe Pío. De corazón deseo que te guste.

(*) ACLARACIÓN:

No voy a cambiarlo todo, porque lo hecho, hecho está, pero para futuros lectores: ha habido una confusión, tenía en mi reproductor el disco mal ordenado, y El Sudor era mi primer tema. De ahí el jaleo de las aperturas, el bis tipo Bjork y todo eso. En realidad el primero es Pony Bravo, y El Sudor es el cierre... así que obviad todo lo que no tenga sentido. Ahora la apertura es perfecta y el disco sube medio punto.

King Crimson - In The Court of the Crimson King [1969]

2010-02-25T08:29:00.001+01:00

Este blog se ha convertido en una macedonia musical muy curiosa con el paso de los meses, hemos ido desde Dave Holland a Lightning Bolt y todo eso sin haber querido yo poner auténticas cosas extrañas porque entonces me quedo yo solo, pero ese no es el caso. Hay un poco de todo, para que al menos cada mes haya algo nuevo del gusto de cualquiera que tope conmigo, pero lo de hoy es diferente. No es un disco desconocido que le va a gustar a dos o tres, no es un estilo muy extraño complicado de escuchar; no, no, nada de eso, estoy hablando de King Crimson -reverencia- y también de un trabajo que es, indiscutiblemente, uno de los mejores discos de rock de la historia, y estoy completamente convencido de que al menos está en el top 3 de álbumes de rock progresivo, si nos ponemos a definirlo un poco más. No es que lo diga yo, ehh, es que lo es y punto -y diréis "ahh, me quedo más tranquilo"; pues oiga, es lo que hay-, la calidad de este trabajo es universal, es algo que cualquier persona sean cuales sean sus gustos va a poder apreciar, es de una belleza musical tal que aquél que no se enamore de In the Court of the Crimson King ni tiene corazón ni tiene nada de nada.

¿Por qué los genios en la década de los 60 tenían pinta de pordioseros?

Podéis pensar que se me ha ido la pinza y que a cada disco que presento aquí lo catalogo de una de las grandes obras de nuestro tiempo, y dejando a un lado que os traigo crema pastelera siempre eso no es así, estoy hablando de todo un hito en la música, de uno de los pilares que sostienen la música moderna, de una de las influencias más importantes para una cantidad inmensa de artistas no sólo de rock progresivo sino de cualquier género. Estos señores en el año 1969 se adelantaron décadas a su época y lo hicieron sin despeinarse.

Pocas veces voy a poder hablar de un álbum tan importante y de un grupo tan genial porque, sencillamente, los grupos tan buenos como King Crimson los puedo contar con los dedos de las dos manos y me sobran dedos, y lo mejor de todo es que este álbum, para mi gusto -hay gente que prefiere el Red, gente que prefiere otros, en fin- es el mejor álbum de todos los que hicieron, un debut demoledor que hizo temblar los cimientos de la música y todo eso únicamente con cinco temas. ¿Sabéis por qué? Porque está comúnmente considerado el primer álbum de rock progresivo -chupáos esa, Pink Floyd-, aunque yo esa medalla se la colgaría al Freak Out! de mi queridísimo Frank Zappa, pero esa no es la historia que os quería contar.

El disco empieza con 21st Century Schizoid Man, tema que es posible que conozcáis del Guitar Hero o el Rock Band o uno de estos, y no os preocupéis que los ruidos del principio son de la canción. Si tuviese que destacar algo de la canción serían las interpretaciones tanto de saxofón como de guitarra, sin embargo es buena por todas partes; es frenetismo, es velocidad, es un viaje cargados de ácido al infinito y más allá. Continúa con I Talk to the Wind, un tema hermosísimo y muy tranquilo en el que poder relajarnos tras el ataque al corazón del track anterior; dulces melodías nos transportarán a una dimensión donde no existe el tiempo, sólo el amor expresado a través de una flauta -gracias Señor por Ian McDonald-. Tras este momento tan precioso llega Epitaph, un tema igual de bonito pero un poco más pesado ya que dura casi nueve minutos, pero eso no es nada comparado con los doce de Moonchild, el toque extraño del álbum.

Bien, siendo consciente del ladrillo que me ha quedado he decidido separar el párrafo en dos. Aquí podéis aprovechar para ir al servicio o a la cocina a por un piscolabis, pero no tardéis mucho que aún queda lo mejor... ¿Ya? Continuemos.

En esta canción -Moonchild- que, supongo que coincidiréis conmigo en que empieza de una forma tan maravillosamente dulce que creeréis que os vais a morir de felicidad, existe cierta polémica porque podríamos decir que a partir del minuto 2:30 aproximadamente la canción "termina" y el resto es silencio con pinceladas de sonido: ruidos, fraseos de guitarra y otras melodías que parecen estar ahí sin ningún orden ni sentido llenan algo menos de diez minutos, ¿está bien? A mí me gusta, juzgad vosotros. Y con esto y un bizcocho llegamos al plato final, el tema que cierra el álbum titulado igual que el susodicho, The Court of the Crimson King, un tema que os recordará ligeramente a Epitaph pero que personalmente considero bastante superior, no sólo por los coros y arreglos que lo convierten en la canción que me hizo adorar a King Crimson, sino por los detalles como el falso final, el delicioso solo de flauta que jamás conseguiré sacar de mi cabeza, la melodía vocal que con tanta pasión idolatro y muchas otras cosas que hacen de The Court of the Crimson King uno de los mejores temas de rock progresivo clásico que jamás he escuchado.

King Crimson - In the Court of the Crimson King [1969]

Kishidan - Six Senses [2007]

2010-02-21T18:22:00.000+01:00

¿Os acordáis del tremendo éxito que tuvo mi primer artículo sobre Kishidan? Yo tampoco, así que corramos un estúpido velo, ¿queréis? Gracias.

Bienvenidos de nuevo a vuestro faro de cultura preferido, gracias una vez más por elegirme, siempre vuestro y todo eso -esto es porque quiero que comentéis, cabrones-. Como ya sabréis más de uno soy muy cabezota y me he propuesto que Kishidan os guste así que a ello me dispongo presentándoos otro álbum suyo; esta vez vengo con el Six Senses, el que -si no contamos el último recopilatorio del 2008- es su último álbum hasta la fecha y está cargadito de sorpresas. Para empezar cualquier persona que conozca la escena musical japonesa y comprenda que allí lo que causa furor no es lo mismo que aquí sabrá que con algo tan americano como Red Moon, tan diferente a lo que hacen como Phase o tan extraño como Vein Vein todo junto en el mismo álbum es una apuesta un tanto arriesgada. Pero Kishidan pueden permitírselo.

Malotes como ellos solos.

El trabajo es bastante diferente al del Boy's Color, que es más directo y por decirlo de alguna manera, convencional. El Six Senses es un disco un poco más raro en el sentido de que no sigue una línea, no responde a un solo género, es más bien una mezcla de cosas y en ocasiones parece una recopilación de caras B y rarezas, pero esto no significa que no sea un disco estupendo. Desde que entra con la animadísima Let's Dance hasta que termina con su conocidísimo tema The Aishiteru hay un desfile de temas que, ciertamente, poco o nada tienen que ver entre ellos -como la caña burrísima de Forever y el rock azucarado de One- por lo que en cierto modo hay más posibilidades de que alguna canción os guste tengáis el gusto que tengáis, sin embargo yo los adoro todos, soy así de especialito. Hay muchos temas instrumentales, mucha cosa rara, pero igualmente aún podemos encontrar temas más tirando a rock flojillo, incluso pop, temas más suaves y fáciles que estoy seguro que os gustarán para variar un poco.

Sin más ahí os lo dejo, espero de todo corazón que os guste, porque si no entraré en una espiral depresiva autodestructiva y empezaré a subir ochenteo oscurillo y entonces terminaremos todos cortándonos las venas o peor, bailando como zombies. Un abrazo.

Kishidan - Six Senses [2007]

Nick Drake - Pink Moon [1972]

2010-02-06T22:55:00.048+01:00

El caso de Nick Drake es una de esas extrañas paradojas de la historia de la música. Cantautor de folk británico, fue prácticamente ignorado por sus coetáneos, excepto por aquella minoría que lo consideraba un genio. Drake murió solo en su habitación de la casa de sus padres, tras el tercer y último fracaso comercial de su carrera, el 25 de Noviembre de 1974, por una sobredosis de antidepresivos, con la edad de 26 años.

Nick era un tío raro. Afirman conocidos, músicos y técnicos, que Drake era la persona más reservada que habían conocido jamás. Sus pocos amigos (a su funeral asistieron cincuenta personas) apenas se conocían entre sí, nunca tuvo algo parecido a una novia, no le gustaba dar conciertos ni mucho menos aparecer en los medios. En toda su vida concedió una entrevista: el entrevistador afirma no haber cruzado la mirada con él en ninguna ocasión.

Dicho esto, os podéis hacer una idea de qué tipo de disco es el que hoy os presento: pues sí, un disco triste, íntimo, estremecedor, conmovedor... y por supuesto genial. Conmover no es nada fácil. Os invito a que intentéis hacerlo: Conmover a alguien haciendo lo que os venga en gana, veréis qué risas. Pues os digo desde ya, que si este álbum no os conmueve, sois unos completos pusilánimes. Simple.

En fin, algo tendrá. A uno le gusta, a otro le encanta y al siguiente le flipa, et voilà, ya tenemos un nuevo artista de culto. Ironías aparte, músicos y grupos de la talla de Blur, Elliott Smith, Robert Smith (líder de The Cure), entre muchísimos otros, lo citan como sus mayores influencias. Ha sido puesto en varios Top de discos de la historia (vale, a mí también me dan igual los Tops, pero tenía que ponerlo). Pues bueno, ese algo lo vais a comprobar en unos minutos.

Pink Moon es ese tercer fracaso comercial de Nick. Fue grabado en dos sesiones y prácticamente sin arreglos técnicos (podemos incluso escuchar el trasteo de la guitarra de Nick en varias ocasiones). Sólo él y su guitarra, en pista única, excepto un pequeño aporte de piano tocado por Drake en la canción que da nombre al disco.

Corto, once temas que no suman treinta minutos. Triste y de contrastes. Hay lugar para el pesimismo derrotista en Parasite, al existencialismo del incomprendido de Place To Be. Pero también para la esperanza y las ganas de vivir de Road o de la sublime Things Behind the Sun. Letras complicadas como cualquiera de las citadas, y simplísimas como Know o Harvest Breed. Incluso sin voz, como Horn, que con no más de cincuenta notas dice más que carreras enteras de muchos músicos.

Un disco perfecto al que no le sobra un solo tema. Lo recomiendo para cuando estéis melancólicos o creativos, y suena mejor dando un paseo, con unos buenos cascos.

Después de grabar este álbum, Nick dijo: "No tengo nada más que decir". Y yo tampoco, así que sin más, disfrutadlo.

Nick Drake - Pink Moon [1972]

The Dead Weather - Horehound [2009]

2010-02-03T16:46:00.014+01:00

The Dead Weather, para los despistados, es la última banda de Jack White, formada después de conocer a The Kills en una gira con The Raconteurs. Además de White y Mosshart, el grupo se compone de Dean Fertita, guitarra de los Queens of the Stone Age, y de Jack Lawrence, bajista y un poco de todo de The Raconteurs. Proyecto ambicioso que cogía con ciertas sospechas desde el Elephant de los Stripes, pero esa es otra historia.

Y tengo que ser sincero: Cuando cayó en mis manos este Horehound ya estaba bastante predispuesto, y eso siempre ayuda. Fan de varios discos de White Stripes, los Kills y los QOTSD, un enamorado de Mosshart... bueno, pues coges el disco con ganas, ¿no? Expectante e ilusionado, pero crítico al mismo tiempo. Últimamente parece que da cosa escuchar álbumes prometedores por miedo al chasco.

¿Entonces cómo va esto? ¿Un disco de White en el que White no es el protagonista? Jack cede el liderato vocal a Alison Mosshart, ex-vocalista de los Kills y él ocupa la batería y los coros. ¿Y por qué? ¿Qué aporta la mujer ésta entonces? Bueno, pues Alison es Amor. Alison es Sexo: sexo del tierno y del de callejón oscuro. En fin, Alison es Alison.

Nos ponemos el disco, y el primer tema, 60 Feat Tall, es toda una declaración de intenciones. Han venido con estilo propio, a hacer música y sin pretensiones de superventas: un blues lento y crudo, con una guitarra simple y constante, y una batería sencilla que acompaña varios compases a bombo y algún plato. Quizás ya tengas ganas de quemar esta apertura, pero espera, que lo mejor está por venir. El cuello se nos empieza a descoyuntar con el segundo tema: Hang You from the Heavens. Amigo, aquí está Alison: con toda su suciedad, con todo su amor y todo su sexo, todo para ti. Todo el potencial de la banda mostrado en su primer single. Pero se siguen sucediendo los temazos: Lawrence se enfunda el órgano para deleitarnos en Cut Like a Buffalo, en el que White ya no se resiste a coger el micro en condiciones. De balada que pasa sin demasiada pena ni gloria como es So Far from Your Weapon, al éxtasis, al collarín, los saltos, el frenetismo y los sudores calientes de Treat Me Like your Mother, quizás el mejor tema del disco. Western a dúo vocal desgarrado en Rocking Horse, Bone House con la versión más desquiciada de Mosshart que seguirá empeorando nuestras ya maltrechas cervicales (Always get the things I want: no me extraña, hija). Y atravesando 3 birds, una instrumental apabullante que no extrañará a la Gata de Mosshart y más cerdeo en No Hassle Nights, llegamos al cierre del disco, una preciosa balada a dúo, Will There Be Enough Water, que hará que realmente nos caiga la lagrimilla al ver el 11/11 en el Winamp o sucedáneo.

Death Weather recorren desde el Neo Blues hasta el Rock más guarrete pasando por Westerns Tarantino, para dejarnos este primer álbum. Y a juzgar por el buen rollo que se respira en sus directos y entrevistas, señores, han venido para quedarse.

The Dead Weather - Horehound [2009]

Por cierto, mis sospechas estaban fundadas y no me equivocaba: Jack White es un extraterrestre.

Theed, nuevo colaborador de Shout with the Devil.

Lightning Bolt - Wonderful Rainbow [2003]

2010-01-31T22:14:00.003+01:00

¿Dónde está la frontera entre el ruido y la música? Yo no lo tengo muy claro, pero estoy seguro de que los muchachos del grupo que os presento hoy lo saben y bailan sobre el filo de esa navaja.

Son Lightning Bolt, están zumbadísimos y hacen una música que puede definirse como caña burra experimental. Parece que estén en medio de una jam, pero realmente todo lo que tocan está perfectamente medido corchea a corchea; esa música frenética, ruidosa y caótica tiene un significado y aunque al principio pueden asustar, podéis terminar adorándolos que es lo que me ha pasado a mí. Al escuchar el primer tema me dije a mí mismo "Ehh, pues para ser ruido no está mal", al terminar el disco dije "Realmente es bueno", pero ahora cada vez que lo escucho me gusta más y más, es una especie de adicción lo que siento hacia ellos.

Brian Gibson y Brian Chippendale -izq. a dcha.- son los únicos componentes de Lightning Bolt.

No os voy a engañar, es una música muy monótona que puede llegar a cansar -aunque a mí no me pasa-, sin embargo lo que tienen de repetitivo en ocasiones lo tienen de original, que es toda una vuelta de tuerca a la música. Podemos estar ante unos visionarios vanguardistas que nos están mostrando el siguiente paso en la evolución de la música o sólo ante un par de chiflados haciendo el tonto con instrumentos, las opiniones sobre ellos son tan dispares como podáis imaginar, pero lo cierto es que a nadie dejan indiferente jamás.

Es cierto que temas como 30,000 Monkies, el final de Longstockings y otros momentos a lo largo del disco que pueden hacernos pensar que esto no se trata más que de un despropósito, un insulto musical, sin embargo el que no sea capaz de encontrar originalidad y calidad en 2 Towers, por poneros un ejemplo de uno de los mejores temas del álbum, sencillamente es que no es capaz de sentir la música sin dejarse llevar por los prejuicios que pueda tener.

En fin, ¿expresionismo sonoro o ruido sin sentido? Cada cual interpreta este disco como le sale de las narices, así que dejad vuestro propio juicio un poco más abajo. Buenas noches.

Lightning Bolt - Wonderful Rainbow [2003]

Queen - A Night at the Opera [1975]

2010-01-27T07:14:00.003+01:00

Buenas noches. Hoy os voy a hablar de un grupo muy famoso, un grupo que debería ser delito no conocer, obviamente como pone en el título se trata de uno de los grupos más grandes que han salido jamás de Inglaterra -algunos dicen que el mejor-, los míticos Queen. Y la razón para que yo os hable de ellos, si no contamos que los adoro, es que todo el mundo conoce canciones sueltas pero pocas personas he conocido que sepan citarme más de dos discos suyos sin contar recopilatorios. Además, posiblemente, desde mi punto de vista y el de la mayoría de entendidos, el álbum que os traigo hoy es el mejor trabajo de Queen, nada menos que el A Night at the Opera.

Por si acaso alguien no conoce al grupo -lo cual sería raro-, haré un breve repaso por los miembros del grupo. Roger Taylor, un baterista que no destacó demasiado como instrumentista a pesar de ser un metrónomo infalible, pero como compositor (Radio Ga-Ga, Innuendo, A Kind of Magic, etc.) fue imprescindible para el grupo, por no mencionar esos magníficos coros; John Deacon, el creador de esas pegadizas líneas de bajo de Queen como en Another One Bites the Dust, un músico muy versátil y polivalente que siempre se mantuvo en una elegante discrección a pesar de su gran talento; Brian May, uno de los más grandes guitarristas jamás habidos, un auténtico virtuoso con una técnica única y un sonido único, todo un referente en el mundo del rock y llegamos a mi preferido, el gran Freddie Mercury que en paz descanse, al que considero el mejor cantante de rock de toda la historia y no sólo eso, sino también un magnífico compositor, frontman y hombre.

De izquierda a derecha: John Deacon, Brian May, Freddie Mercury y Roger Taylor.

Digo que el disco que os presento, A Night at the Opera, es el mejor disco de Queen porque sencillamente es un trabajo redondo: ni sobra ni falta un solo tema. Empieza con Death on Two Legs donde Brian May ya comienza luciéndose, geniales coros y una melodía colosal; continúa con Lazing on a Sunday Afternoon, un tema muy breve y ameno -un minuto y pico- muy curioso con su correspondiente momento guitarrístico, curioso pero excelente; tras él llega I'm in Love With my Car, un tema muy especial pues fue compuesto y cantado por Roger Taylor en un registro altísimo y genial donde deja patente su calidad como cantante, y tras ese momento mágico e irrepetible entra uno de los temas más conocidos de la banda, You're my Best Friend, una preciosidad de melodía y de letra, bonita y con un contenido realmente alegre.

Daos cuenta que, sencillamente por los temas arriba mencionados, el 99% de los grupos del mundo matarían. Continúo.

Después llega '39, uno de esos grandes temas no tan conocidos de Queen, algo diferente a lo que estaréis acostumbrados pero no por ello va a ser peor sino todo lo contrario, es sencillamente genial con ese estilo tan particular; Sweet Lady toma el relevo, uno de mis temas menos preferidos del disco -sigue siendo una gran canción-, que sencillamente se me hace repetitivo porque la he escuchado un millón de veces pero a vosotros os va a encantar; Seaside Rendezvous, un tema chispeante, divertidísimo y genial que suena bastante vintage en algunos momentos, toda una joya, y aquí es cuando entra uno de los mejores temas del álbum, The Prophet's Song, una canción de ocho minutos y medio repleta de genialidades experimentales al más puro estilo Queen que no me canso de escuchar pues es sencillamente brillante, uno de esos temas que no comprendo cómo no es tan famoso como la tristemente célebre We Will Rock You u otras. Aquí llega el segundo tema más bonito del álbum, Love of my Life, un tema bellísimo donde Mercury sabe enamorarnos perdidamente con una melodía, una letra y una voz preciosa.

La alegre y pegadiza Good Company suena ahora y le da paso a una de mis, digamos, tres canciones preferidas de siempre. El mejor tema de Queen. El tema más bonito jamás compuesto por un grupo de rock, tal vez con permiso de Stairway to Heaven. Todo un prodigio de composición, una joya musical, una de las cumbres de la música desde que a un Neanderthal se le ocurrió aporrear una piedra con otra siguiendo un ritmo, algo tan brillante que apenas puede ser descrito con palabras: Bohemian Rhapsody. Esta canción significa tantísimo que debería estudiarse en el colegio. Tras esta soberbia maravilla, el disco termina con God Save the Queen, el himno nacional del Reino Unido interpretado por Brian May, poniendo punto final a uno de los discos más maravillosos jamás creados.

Y es que hay grupos de los que se puede decir que pecan de faltos de originalidad, de poco ingeniosos en la composición, de malos músicos, de actitud reprobable o que están sobrevalorados, pero nada de esto es aplicable a Queen. Cada uno de los integrantes era un completo iluminado, y juntos consiguieron algo prácticamente impensable hoy en día: Llenar estadios y pasar a la historia haciendo una música maravillosa, de gran calidad y ante todo original. Sin más me despido, es tarde -o temprano- y uno tiene que dormir. Espero que disfrutéis muchísimo este álbum y que os ayude a conocer mejor al que posiblemente sea mi grupo de rock preferido -va por días-, pues lo merecen.

Dios salve a la reina.

Queen - A Night at the Opera [1975]

Juan Antonio Canta - Las increíbles aventuras de Juan Antonio Canta [1996]

2010-01-17T20:01:00.001+01:00

España es un país que, la verdad, ha tenido grandes artistas pero si comparamos con otros países nos damos cuenta de que, realmente, no son tantos. Y es normal, porque los tratamos fatal. Somos especialistas en reírnos de los artistas que formaron la identidad musical de este país hace unas cuantas décadas, y en cuanto a los que están haciendo lo propio hoy en día tres cuartas de lo mismo, y si no es por repudiarlos es por transformarlos en monos de feria, como es el caso del hombre que os presento hoy. Su historia es una historia tragicómica, la historia de cómo cuarenta limones pueden arruinarte la vida y empujarte a la muerte.

Su nombre era Juan Antonio Castillo, por el que posiblemente no le conozcáis ninguno; su nombre artístico fue Juan Antonio Canta y posiblemente tampoco le conozcáis ninguno así, pero si os digo que fue el pobre hombre que tuvo la mala pata allá por el año 1996 de componer la canción aquella de "Un limón y medio limón, y dos limones y medio limón..." ya os sonará más. Alguno pensará que esto no tiene por qué ser una desgracia, sin embargo no sabéis lo nefasto que fue para él. Debido a la presión de ser "el de los limones" Juan Antonio se acabó suicidando el 22 de diciembre del mismo año que ese disco salió al mercado, a la edad de 30 años.

El asunto está en que Juan Antonio era mucho más que un tarado que hacía música de broma. Igual que escribió temas como Danza de los Cuarenta Limones -que es uno de los peores temas del álbum-, Johnny Mc'N'Roe o la célebre Copla del Viudo del Submarino -que posteriormente versionaría Lichis de La Cabra Mecánica-, temas burlones y graciosos, también nos deleitó con temas serios y preciosos como Catherine Deneuve o la absolutamente magistral Cama Roja, un tema que como alguien dijo, lo firma el señor Leonard Cohen y se convierte en una obra maestra indiscutible. Y es que una canción que empieza del siguiente modo por fuerza debe ser tratada como lo que es: una de las maravillas más grandes jamás escritas en este país nuestro tan cruel.

"Las voces del pasado dicen que nos integremos
en una opción política
y que esta juventud casquivana se disipa a sí misma
entre el alcohol y la melancolía.

Yo quisiera luchar en contra del capitalismo,
pero veo al pueblo comunista,
tantos años pasando el hambre de la esperanza
para rendirse al becerro de oro."

Y sigue, con un contenido igual de profundo a lo largo de todo el tema. Reconozco que cuando me dieron a conocer a este hombre yo no me lo tomé en serio, pensaba que sería algún tipo de broma de mal gusto, pero una vez escuché el disco y comprendí el carácter con el que está escrito... mi opinión tuvo que cambiar, pues es cierto que la apariencia es de un artista de broma, pero tras profundizar en sus canciones y en su persona descubres algo maravilloso. De momento creo que no os he traído nada de dudosa calidad, así que dadle una oportunidad a Juan Antonio, porque posiblemente encontréis en este disco cosas muy valiosas que tristemente escasean en la música de este país y de otros. Gracias una vez más por vuestra atención, disfrutad esto y hasta la próxima.

Juan Antonio Canta - Las increíbles aventuras de Juan Antonio Canta [1996]

Dj Shadow - Endtroducing..... [1996]

2010-01-04T04:00:00.003+01:00

Pues ya estamos en el 2010, qué cosas, ¿ehh? En fin, felicidades y todo eso, aunque no termino de saber por qué nos felicitamos los unos a los otros en el cambio de año cuando nosotros no hemos contribuído a que eso suceda, pero bueno. Espero que hayáis pasado una Nochevieja agradable y divertida, yo lo hice; me comí doce gominolas con las campanadas y luego me puse beodo como buen Alicantino de pro que soy.

Para empezar el año con buen pie os traigo algo diferente, un poco de trip hop. Para los que no lo sepáis, el trip hop es un género de la electrónica que combina el estilo de las bases de rap de tempo bajo con breakbeats y otros recursos para conseguir una música relajante que te da la impresión de estar en un viaje, de ahí el nombre. Para no fallar os traigo a mi representante preferido del género, Josh Davis más conocido como Dj Shadow con su primer trabajo, el magistral Endtroducing..... del 1996 con el que revolucionó el panorama de la electrónica y abrió nuevos senderos en la música, algo muy difícil hoy en día.

El mago de los platos haciendo lo que mejor sabe.

Su música se basa prácticamente en sampleos de viejos vinilos de jazz, lo cual es muy agradable y al mismo tiempo refrescante en una época en la que el panorama musical actual es prácticamente un refrito de clásicos salvando honrosas excepciones. El álbum te lleva de paseo desde temas relajados, armoniosos y preciosos como Midnight in a Perfect World o Stem/Long Stem hasta los breaks más frenéticos en The Number Song o temas intermedios como la brutalísima Napalm Brain/Scatter Brain, por ejemplo.

Tengo la suerte de atesorar en vinilo este gran álbum y debo decir que lo tengo quemadísimo de tanto escucharlo, os lo recomiendo aunque no os guste la música electrónica ni el rap ni nada por el estilo porque este disco tiene magia y os puede servir para iniciaros a un mundo musical maravilloso e inexplorado. Espero honestamente que os guste, posiblemente no estéis acostumbrados a escuchar cosas así pero ya sabéis, el tito Mem está aquí para abriros la mente.

Un saludo, gracias por continuar con nosotros este año también y hasta la próxima.

Dj Shadow - Endtroducing..... [1996]

Vetusta Morla - Un día en el mundo [2008]

2009-12-28T07:12:00.004+01:00

¡Feliz navidul, queridos amigos! Paz, amor, felicidad, reuniones familiares, reencuentros, magia e ilusión; también gente que se descalabra en la carretera, pero eso es otro asunto. En unas fechas tan señaladas voy a aprovechar para regalaros un gran recopilatorio de villancicos populares en latín que hará las delicias de... ¡un momento, no os vayáis, que es otra cosa! Buff.

Lo que os traigo hoy es un disco ligeramente polémico; no para mí, porque yo no dudo ni de su calidad ni del grupo en sí, pero como parece que hay diversidad de opiniones, pues yo os lo dejo aquí y vosotros sacáis vuestras propias conclusiones. El álbum se llama Un día en el mundo del grupo Vetusta Morla, estoy seguro de que habéis oído hablar de él, y no es para menos.

La pinta es muy típica; pijos rebeldes, rockerillos de flequillo y zapatillas.

El asunto musical es simple de explicar, hacen una música sencilla y brutalmente directa, pero con un savoir-faire que perfectamente podrían envidiar grupos de mayor categoría y envergadura, pues los madrileños llevan ya nueve años trabajando en la música y por fin, gracias al puro trabajo, han logrado dar el bombazo. El estilo es un rock muy fácil de escuchar, suavecito y bastante popero pero sin caer en el gafapasterío pedante que tanta frescura le quita a la música. Y es que yo no soy muy popero, eso vosotros lo sabéis, pero cuando las cosas están bien hechas hay que reconocerlo y realmente os recomiendo darle una oportunidad a este álbum, que los prejuicios son muy malos y ya sabéis que yo tengo criterio [/flores].

Las canciones hablan de cosas muy cotidianas, algo que es muy común en este estilo de música en particular, y las letras en sí tal vez tengan muchas interpretaciones pues son bastante abiertas a montarse uno sus propias películas, lo que por un lado es muy típico pero por el otro es agradable, porque es todo muy libre y uno puede entender lo que le apetezca entender.

Y poco más, sólo queda felicitaros las fiestas y desear que entréis al próximo año con buen pie. No os atragantéis con las uvas, que vuestro tío no se emborrache mucho y se anude la corbata a la cabeza y que soportéis las celebraciones con toda la entereza que sea posible. Os dejo con Vetusta Morla, hasta la próxima entrada, un saludo.

Vetusta Morla - Un día en el mundo [2008]

The Sword - Age of Winters [2006]

2009-12-21T07:00:00.003+01:00

Y aquí estamos de nuevo una vez más, avanzando lenta pero inexorablemente en la tarea de enriquecer vuestra cultura musical y de paso entreteneros. Según me habéis dicho el último álbum que puse os gustó mucho, pero como es algo que ya habíais escuchado unos cuantos he decidido continuar con algo de ese mismo año, el 2006, pero algo más desconocido. Ellos son The Sword, vienen de Texas y van a hacer que tus oídos revienten con su álbum Age of Winters.

Dejando a un lado lo pretencioso de su nombre como grupo -y es que no se pusieron The Beatles porque estaba pillado- son un grupo muy sólido aunque llevan pocos años viviendo de la música, desde el 2003. Su estilo es sencillo de definir: mete en una batidora los riffs old school de Black Sabbath, la densidad aplastante de Kyuss, un toque algo más metalero moderno y un poco de arena del desierto y dale a la velocidad más lenta, pues The Sword son un grupo que no tiene prisa para hacer música, paladean cada nota y se deleitan con ella.

Y es que un servidor está cansado de escuchar grupos que, siendo mejores o peores, no terminan de pillarle el tranquillo a eso del stoner, sin embargo ese no es el caso de estos chicos. Ellos, como he dicho en el párrafo anterior, se desenvuelven como peces en el agua entre ritmos pesados y densos, aunque si tienen que hacer botar a su público no tienen más que tocar Iron Swan y el pogo está asegurado. Su fama aumentó considerablemente con la inclusión del tema Freya de este álbum en el videojuego Guitar Hero y desde ese momento su carrera no ha hecho más que avanzar a un gran ritmo. Giraron con Metallica, sacaron otro álbum en 2008, están trabajando en el tercero y no parece que tengan ganas de bajar el pistón. Bien por ellos.

Sin más ni más os dejo con ellos, que es tardísimo -o bien tempranísimo- y no me apetece escribir más, que os aproveche. Un saludo.

The Sword - Age of Winters [2006]

Electric Six - Switzerland [2006]

2009-12-16T23:04:00.002+01:00

Buenas noches, muchachos y muchachas. Lo primero es agradeceros la magnífica acogida que ha tenido el último artículo que publiqué, no esperaba una reacción tan buena. Ahora que he visto que sois un público atento y no os dormís, procuraré seguir escribiendo más artículos del estilo para vuestro deleite, pero ahora un poquito más de música.

Debido a las insistentes peticiones de más de uno de vosotros voy a continuar con algo más de Electric Six, de los que ya os hablé aquí. No voy a hablar más del grupo, podéis consultar ese artículo si queréis información, lo que voy a hacer es ir directamente a hablar sobre el álbum que os traigo ahora, el Switzerland.

Los chicos de Electric Six disfrutando plácidamente de un delicioso té.

El inicio con The Band in Hell ya nos avisa de que este álbum es algo más relajado que los primeros, pero en cambio tiene un nivel de evolución musical superior sin abandonar sus raíces que estoy seguro que os encantará. A mí me gusta particularmente porque sin tener un single representativo tipo Danger! High Voltage, en general mantiene un nivel bastante alto a lo largo de todo el trabajo, lo que deja entrever una maduración del grupo en conjunto que, por lo menos para un servidor, es algo estupendo.

El disco, aunque como ya os digo no se aleja ni un poquito del estilo habitual de Electric Six, tiene toques de otros estilos en ciertas canciones. Por ejemplo Pink Flamingos -nombre cachondo- nos evoca el country rock sureño americano de armónica y sombrero vaquero, mientras que temas como Slices of You son más bailables, más disco; en cualquier caso, es la inconfundible voz de Dick Valentine la que une todas las piezas y dota al grupo de ese carácter maravilloso.

Y dicho esto os dejo con el álbum, bailad mucho pero tened cuidado de que no os descoyuntéis, que os quiero ver en la primera fila en la próxima entrada en Shout with the Devil. Un saludo.

Electric Six - Switzerland [2006]

Crónica del concierto de 037:LEO + Gauntlet

2009-12-12T21:00:00.005+01:00

Existen muchos rumores en el mundo de la música y más concretamente en el rock. Dicen que Paul McCartney está muerto, que Marilyn Manson se quitó un par de costillas para hacer lo que todos nos imaginamos con la boca, dicen que Jack y Meg White son hermanos (aún estando divorciados) y también, ya en nuestro país, dicen que Leo Jiménez es un gilipollas. Pues yo no sé hasta qué punto será verdad todo lo demás, pero lo último no es cierto.

Y es que cualquier comentario estúpido de un fan despechado se convierte tristemente en una "realidad" con una facilidad asombrosa, pero la verdad, la auténtica verdad termina por resurgir de nuevo, y es que Leo Jiménez no sólo es el mejor cantante de España, no sólo es un frontman acojonante, no sólo es incluso un buen guitarrista y un buen compositor, sino que es un tío de puta madre, y es que no puede ser de otro modo viendo la forma en la que interactúa con el público, el feeling entre ambos y la felicidad palpable que siente encima de un escenario. Pero no voy a entretenerme más en comentar esto y paso a contar cómo fue el concierto de 037 -acompañados de Gauntlet- en la sala Stereo de Alicante.

Los teloneros, Gauntlet, haciendo una demostración de buen metal.

Tras un larguísimo retraso de aproximadamente una hora pudimos entrar a la sala, la cual era ridículamente pequeña para la categoría de los artistas allí citados: tiene una capacidad para aproximadamente 350 personas, y teniendo en cuenta que Saratoga habría llenado Nave 8 sin problemas y 037 es un grupo que, bajo mi punto de vista, es bastante más homogéneo y contundente ahora mismo... pues como que algo falla. En cualquier caso allí fuimos. Tras una espera larguísima ya dentro subieron Gauntlet y, aunque no los conocía prácticamente nadie, la reacción del público fue muy buena hacia su contundente heavy metal. Mucha caña, momentos completamente Pantera -incluída una MAGNÍFICA versión de 5 Minutes Alone-, mucha naturalidad y desparpajo encima del escenario y una gran implicación con el público hizo que la actuación de los teloneros fuese un completo éxito.

La Bestia en acción, furia y pasión ardiente sobre el escenario.

La fiesta continúa, Gauntlet se bajan del escenario con un gran aplauso y tras un desfile de pipas moviendo cables acá y allá vemos subir a Ix Valieri, Edu Fernández sustituyendo a Marcos Miranda -el cual estaba ocupado en otro proyecto, según me comentó el propio Edu- y un baterista nuevo que no conozco sustituyendo a Carlos Expósito -el cual también está bastante ocupado-, que estuvo al nivel y dio mucha caña, una gran promesa del metal con tan sólo 21 añitos que cuenta con todo el apoyo de Leo, La Bestia, un gran padrino; enseguida sube Leo y el público enloquece, se escuchan los armónicos del inicio de Buitres, el tema con el que suelen abrir los conciertos, y comienza la caña.

Ix Valieri y Leo mano a mano impartiendo caña.

Una ráfaga de temas geniales comienza: La Danza de Hyde, Huye, Condenado -con especial dedicatoria-, Caminos de Agua, etcétera. Merecen una especial mención la versión de Enter Sandman de Metallica y una versión de Pantera que no supe reconocer, porque fue bastante libre y entre eso y los increíbles agudos de Leo en ese tema -nunca he visto hacer a Leo agudos tan altos- no estaba yo para identificar canciones; también hubo un set acústico en el que se tocó el tema El Tiempo Curará y poco más, porque Leo cometió el error de preguntar si queríamos más acústico o vuelta a la caña, y os podéis imaginar el resultado -o sea, que no se tocó Al Otro Lado del Silencio como es costumbre en sus conciertos-. Tras un concierto correctísimo, se cerró con Desde el Ataúd y tras una gran ovación, 037 bajó del escenario de la sala Stereo.

El gran Leo disfrutando en el concierto, un momento muy auténtico.

Tras el concierto, los minutos de espera para charlar con Leo pasaron volando gracias a los chavales de Gauntlet que fueron majísimos y estuvimos charlando, firmando entradas y haciéndonos fotos con ellos un rato. Cuando pudimos hablar con Leo, el que por cierto se acordaba de nosotros y ya nos había saludado antes encima del escenario -algo que me encantó, por cierto- pues lo típico, una felicitación por el genial concierto que nos gustó más incluso que el anterior en Valencia y una pequeña charla antes de que no tuviésemos que largar del local, pues en la sala Stereo son casi todos un poquito gilipollas y el puerta en particular lo es mucho.

Como regalo para finalizar la crónica, una noticia prácticamente exclusiva para los fans de Leo y en particular de Stravaganzza, su otro grupo: Stravaganzza sacará nuevo álbum pronto, en un mes o dos, según palabras del mismísimo Leo Jiménez tras el concierto. Me alegró y sorprendió a partes iguales conocer la noticia, es todo un alivio comprobar que Leo está trabajando con gran intensidad y no descuida sus labores fuera de 037. Pronto podremos disfrutar del nuevo trabajo de Stravaganzza, ¡paciencia! Las fotos del artículo hay que agradecérselas a un tío que las subió al Tuenti y yo, que soy un mamoncete, se las he chorizado.

Y hasta aquí el artículo de hoy, espero que os haya gustado la mitad de lo que me gustó a mí el concierto, otro día más. Sed buenos y no hagáis nada que no haría yo, un abrazo.

Nishinihon - Nishinihon [2000]

2009-12-07T22:26:00.003+01:00

Hay diferentes niveles de fama para los grupos. Existen los grupos de fama mundial que han vendido millones de discos en cada país, también los grupos conocidos internacionalmente que hacen largas giras llenando salas y encabezando carteles, grupos que sencillamente son famosos a nivel nacional pero que aún así tienen cierta atención por parte de los medios y luego están los grupos como Nishinihon o Kishidan, grupos que en occidente no conoce ni Dios y, que si no fuese por mí, vosotros lamentablemente no íbais a conocer tampoco. De nada.

El power trio en plena acción desencadenando una tormenta de psicodelia.

Nishinihon son un grupo japonés, el clásico trío de bajo eléctrico/voz, guitarra eléctrica y batería y se dedican a hacer un rock psicodélico capaz de tirar muros, y yo os traigo su primer álbum. El nombre del grupo se refiere al oeste de Japón, de donde provienen todos los integrantes del grupo; la cultura y el idioma de esta zona son muy diferentes por ejemplo a los de Tokyo y ellos reivindican su carácter, personalidad y originalidad.

Se jactan de no utilizar sintetizadores ni ningún otro tipo de artificio digital en su música, la cual se puede definir de una forma muy sencilla: un viaje por el espacio puestos de ácido hasta las cejas. Es una música contundente, cruda y directa, sin una gran producción pero con muchísimos -perdonen la expresión- cojones. No os asustéis cuando escuchéis el disco y descubráis una mezcla del noise japonés con el stoner de Palm Springs junto con un gran toque de psicodelia y experimentación vanguardista, pues el resultado es exquisito. Entre los temas podréis encontrar rock del bueno como el magnífico homenaje a Led Zeppelin titulado Let's Zeppelin' o Super Station, baladas más lentas como Ataraxia y temas de completo rock progresivo psicodélico, frenético y caótico como Uchida U-ya, por ejemplo.

Este grupo es muy particular, por momentos pueden sonar como los King Crimson más experimentales para, en el tema siguiente, ser puramente Kyuss, saltar entre géneros, intercalar solos completamente delirantes en cualquier lugar o volverse locos y que parezca que se están peleando con los instrumentos. Yo os aviso, quizá no sea fácil digerir este álbum, pero si lo conseguís estoy seguro de que lo adoraréis porque es una auténtica joya. Disfrutad, hasta la próxima.

Nishinihon - Nishinihon [2000]

Electric Six - Fire [2003]

2009-11-26T04:36:00.004+01:00

Hola de nuevo, amigos. Tras una semana de no saber lo que ofreceros tras el imponente disco de The Seatbelts -que estoy seguro que habéis disfrutado sobremanera, aunque los comentarios han sido escasos- vuelvo a la carga con una joya del rock, un gran disco de Electric Six, aunque más que sencillamente "rock" yo a este grupo los definiría como "disco-rock", es algo extraño. Es esa clase de música hecha con guitarras, una batería, un bajo y todo eso, pero que si da la casualidad de que estás en una pista de baile y lo ponen bailas, sí o sí, porque contiene elementos de disco y otros géneros que incitan a ello. Es música para mover el culo, música para animarse y divertirse, y como no me comentáis -malditos- os lo pongo a ver si despertáis.

Electric Six al completo en una foto promocional del álbum Switzerland.

Unas palabras acerca de ellos, si eso: Electric Six es un grupo norteamericano liderado por Dick Valentine, un tío tan particular como el grupo en sí. Debutaron en el año 2003 y se hicieron famosísimos gracias a la genial canción -y al videoclip de la misma, sobre todo- Danger! High Voltage o también por su segundo single, Gay Bar, que tiene tiene un videoclip tan curioso y polémico como el de la primera. Son un grupo muy prolífico, han sacado 7 álbumes, todos ellos estupendos y yo os traigo el primero, el álbum Fire.

Podréis encontrar maravillas como las canciones anteriormente citadas u otras no tan populares pero igualmente buenas como Dance Commander, el tema con el que abre el disco, la breve Nuclear War o la algo más calmada pero no por ello peor sino todo lo contrario Synthesizer. Todas ellas canciones perfectamente válidas para menear el esqueleto en cualquier ocasión.

Es un álbum enérgico, original y de una calidad tal que sorprende que sea el debut de alguien, suena como si mezclásemos el disco de los setenta con rock moderno, toques de garage e incluso momentos que rozan el metal; alucinante cóctel. Lo que es indiscutible es que Electric Six tiene un sonido propio y lo mejor que podéis hacer para descubrirlos es escuchar el disco que os dejo a continuación.

Electric Six - Fire [2003]

Hala, disfrutadlo y meneáos al compás, hasta la próxima.

The Seatbelts - O.S.T. Future Blues (Knockin' on Heaven's Door) [2001]

2009-11-19T15:24:00.001+01:00

Buenas noches y bienvenidos, hijos del rock n' roll. Tras esta frenética temporada de conciertos volvemos a la rutina y qué mejor que hacerlo con un poco de buena música, ¿no creéis? Hoy os presento algo muy especial, extremadamente especial diría yo, uno de mis grupos preferidos de todos los tiempos, algo que me gusta tantísimo que me lo he reservado hasta ahora para asegurarme de que no quede en el olvido. Ellos son The Seatbelts (シートベルツ, también conocidos como SEATBELTS) una big band proveniente de Japón, que fue formada exclusivamente para crear la banda sonora de una serie de anime muy conocida llamada Cowboy Bebop, pero con un éxito tal que incluso se han dedicado a dar conciertos y tienen aproximadamente unos siete álbumes en el mercado ya, aparte de un un magnífico directo en el Shibuya AX que será lo próximo que os traiga de ellos si esto os gusta.

Parte de la banda en el estudio con Mai Yamane al frente.

La banda la componen genios del nivel de la gran compositora y pianista Yoko Kanno, Tsuneo Imahori, Mai Yamane, Steve Conte, Emily Bindiger y otros grandes intérpretes, con lo que el resultado de su colaboración es del más alto nivel. Con sólo escuchar unos pocos temas del álbum ya podemos comprobar que el eclecticismo está presente a lo largo de toda su obra, yendo desde el clásico estilo de big band de jazz al blues, pasando por el country y el folk, temas de hard rock, funk, ritmos de rap y mucha, mucha experimentación. Absolutamente recomendable para la gente sin prejuicios musicales, ya os aviso de que las apariencias engañan y lo que puede parecer un revoltijo sin sentido de géneros e influencias es una de las cumbres de la fusión musical de nuestro tiempo.

El álbum que os traigo es precisamente el más largo y completo de toda su discografía, ya que no me decidía entre uno de sus otros discos más enfocados a un género en concreto. En el disco, aparte de la tónica general de fusión de géneros, podréis encontrar auténticos himnos como Rain, WHAT PLANET IS THIS., Pushing the Sky o, la que quizá sea LA CANCIÓN del álbum, Gotta Knock a Little Harder, un tema precioso y conmovedor que seguro que os hará estremecer.

Son en total veintinueve temas que forman un triple álbum (incluye temas editados en un single aparte) nada pesado sino todo lo contrario; ameno, ligero y de fácil escucha, agradable y que dejará buen sabor de boca a todo aquél que sepa apreciar la auténtica calidad musical. Y sin más me despido, espero que este gran as en la manga que me he guardado hasta hoy haga efecto y os termine aficionando al segundo grupo/artista que más escucho, desde luego sería genial. Disfrutad de The Seatbelts.

The Seatbelts - O.S.T. Future Blues (Knockin' on Heaven's Door) [2001]

Un saludo, amigos, y hasta el próximo artículo en Shout with the Devil.

Crónica del concierto de Rammstein + Combichrist

2009-11-11T23:56:00.003+01:00

Ave, lectores; el que os culturiza y enriquece espiritualmente os saluda. Estoy destrozado, y no porque hayan prohibido la cerveza sino porque ayer día 10 de Noviembre de 2009 estuve en el concierto de Rammstein en Madrid. Efectivamente, wow. Os puedo asegurar que aún me duelen las lumbares pero no me quejo, porque ha sido una experiencia tan fascinante que todavía me dura la euforia. Magia pura. Sin embargo, antes del plato fuerte nos sirvieron los entrantes, en este caso fueron Combichrist.

El espectáculo bastante bueno, ni mucho menos al nivel de Rammstein pero sí un juego de luces muy efectivo para que la gente se pusiese a bailar. La música muy buena, creo que han sido una elección segura para telonear a los titanes Alemanes, es un estilo poco común aquí sin embargo supieron hacer moverse a las personas de la pista, y la interpretación fue lo más destacable, principalmente la de los dos bateristas que hicieron un trabajo increíble.

El cantante de Combichrist, pintoresco individuo.

Nosotros nos perdimos la mitad de la actuación de Combichrist porque alguien tuvo la genial idea -y Aliena, no estoy mirando a nadie- de que teníamos que salir de la segunda fila porque la marquesa se encontraba mal. Tras un rato rogando a un tío que nos dejase volver a la pista -normal, con 6500 personas en la pista y calculo que 2500 más en las gradas- conseguimos colarnos y volvimos para allá, aproximadamente llegamos a la séptima fila entre que Rammstein empezaba y no empezaba. Finalmente tras una larga espera en la que la tensión podía cortarse con un cuchillo y los coros llamando al grupo no eran pocos, las luces se apagaron y el público finalmente enloqueció. Rammstein iba a salir.

Un gran muro negro se hallaba en frente nuestro, sólo se veía un micrófono balanceante, pero eso no fue inconveniente para nadie. Un pequeño trozo del muro saltó de uno de los laterales, y luego sucedió lo mismo en el otro lado. Cada vez más trozos saltaban hasta que nos dimos cuenta de que eran los dos guitarristas del grupo los que estaban destrozándolo con sendas hachas para poder salir al escenario, proyectando una gran sombra gracias a los potentes focos que tenían detrás creando un efecto impresionante, y cuando nos preguntábamos dónde estaba el resto de la banda sucedió lo mejor. Armado con una especie de soplete alguien empezó a abrir un agujero en el muro con forma similar a una puerta, y aunque tardó unos segundos durante los que sólo veíamos un fogonazo cortando el muro negro no había duda, los miles de personas del recinto comenzaron a gritar y a aplaudir. Era Till.

El momento más esperado de la noche, la entrada de Till al escenario.

Tras su entrada el muro desapareció mostrándonos el escenario, una estructura fastuosa con una serie de aparatos como lanzallamas, focos gigantes y otros aparatos; el escenario era excelente, perfecto. El concierto comenzó con Rammlied como la mayoría creíamos, el otro tema incluído en el single junto con Pussy y aún se escuchaban vítores hasta que la canción terminó, e inmediatamente atacaron B*******, un tema del nuevo álbum con muchísima fuerza donde Till nos puso los pelos de punta con sus gritos desgarradores salidos como de las profundidades del mismísimo infierno.

Siguieron con Keine Lust y, a mi parecer, uno de los mejores momentos de la noche, Feuer Frei!; pero no sólo fueron los temas antiguos los que nos hicieron volvernos locos, saltar y cantar como unos auténticos condenados, sino que junto con temas de la talla de la cañerísima -y antiquísima también- Weißes Fleisch golpearon con la misma fuerza con Waidmanns Heil, Liebe Ist Für Alle Da, Wiener Blut y otros grandes temas del nuevo disco, que los hay. Y entonces, el fuego.

Se pudo contemplar un impresionante espectáculo pirotécnico.

Obviamente en los "Bang, bang!" de Feuer Frei! hubieron explosiones, así como en muchos otros temas. Los lanzallamas estuvieron presentes durante todo el espectáculo, tanto en las bocas de ambos guitarristas y también de Till como los que había montados en la estructura del escenario, sin olvidar el lanzallamas de mano con el que Till se dedicó a pasear -y a prender fuego a un "espontáneo"- durante Benzin. Muñecas explosivas colgando del techo que disparaban rayos verdes por los ojos, una plataforma altísima desde la que Till lanzó una especie de material en llamas a Flake, el cual también aprovechó algunos momentos para bailar, darle una patada en el culo al propio Till y pasearse en una barca sobre el público, lo que sucedió casi al final y focos gigantescos que nunca mostraban la misma combinación de encendidos dándole un ambiente distinto a cada canción.

El concierto fue avanzando de forma impecable refiriéndome tanto a la música como al espectáculo en sí hasta llegar a tal vez el punto álgido de la noche, que fue cuando sonaron seguidas, atentos, nada menos que Links 2 3 4, Du Hast y Pussy. Aunque quisieses estar quieto, no habrías podido, o bien tu cuerpo hubiese hecho caso omiso de tus órdenes o, por las malas, los empujones y embestidas te habrían tirado al suelo. Maravilloso caos.

En Pussy utilizaron un aparato que he bautizado como "multirabófono".

Olas de gente moviéndose en la pista, todos saltando, algún codazo a alguien seguramente y miles de personas cantando las canciones sílaba por sílaba, algo que el grupo agradeció. Tras esa descarga de adrenalina se retiraron momentáneamente para el primer bis, el que también fue impactante, pero no tanto como el segundo bis con el que cerraron, en el que se despidieron con Seemann y Engel, canciones en las que el palacio de los deportes ya estaba a punto de caerse abajo. Todo el mundo coreando, silbando y alzando las manos, una experiencia preciosa que no se me olvidará y que os aconsejo encarecidamente. Y se acabó el concierto, sin más por mucho que la gente pidiese Te Quiero Puta, y casi que mejor porque no sé si la habría aguantado.

Conclusión, Rammstein en directo son la hostia, y creo que no exagero si afirmo que, ahora mismo, representan el espectáculo musical más emocionante e impresionante a lo largo y ancho del mundo. Dejo el setlist completo a continuación:

1. Rammlied
2. B*******
3. Waidmanns Heil
4. Keine Lust
5. Feuer Frei!
6. Weißes Fleisch
7. Wiener Blut
8. Fruhling in París
9. Ich Tu Dir Weh
10. Liebe Ist Für Alle Da
11. Benzin
12. Links 2 3 4
13. Du Hast
14. Pussy
—
15. Sonne
16. Haifisch
17. Ich will
—
18. Seemann
19. Engel

Como podéis ver es tremendo, aunque se echaron de menos algunos temas como Du Riechst so Gut, Amerika o una Te Quiero Puta que el público pidió desde Ich Will pero que nunca llegó, algo entendible al fin y al cabo teniendo en cuenta lo que ya llevaban tocado.

Ahora los agradecimientos. Gracias a Jalbert de thedrinktim.com, a un tío del Facebook que no conozco y a una muchacha que estaba en las gradas por las fotos, gracias a la pobre chica bajita que tenía delante y a la que tuve que proteger de las hordas de mendrugos que la estaban aplastando por la excelente panorámica que me brindaba desde su pequeña cabecita y gracias al currante que nos dejó colarnos cuando la pista estaba llena. Espero que os haya gustado la crónica, si es así os animo a ir al próximo concierto de Rammstein que podáis, y si no... pues también os lo recomiendo.

Un saludo amigos, hasta la próxima.

Crónica del concierto de Gotthard + Atlas

2009-11-01T22:52:00.007+01:00

Buenas noches, mis estimados melómanos, ¿cómo estáis? Espero que hayáis aguantado bien estos días que he estado sin actualizar, y si no, bueno, al menos tengo una buena excusa que vais a comprender. Como Aliena ya os adelantó hace un tiempo, Gotthard sacaba nuevo disco y estaba cantadísimo que no tardarían en aparecer por la tierra del jamón y el vino a presentarlo y, como no podía ser de otro modo, estuvimos allí el pasado miércoles para dar testimonio.

Como ya sabréis -de lo contrario os invito a leer el anterior post sobre ellos- Gotthard es un grupo de altísimo nivel, pero voy a empezar hablando de los teloneros, un grupo que me sorprendió gratamente por la calidad como músicos de sus integrantes de los que quiero destacar al cantante, Ignacio Prieto. Hablo de Atlas, por supuesto.

Nos traen un rock de la vieja escuela, fresco pero al mismo tiempo nos transporta a los ochenta, la época dorada del rock en nuestro país con letras sobre lo de siempre: Reivindicación social, protesta contra la autoridad, velocidad sobre cuatro -o dos- ruedas y cómo no, mujeres. Debo decir que tras escuchar el álbum y poder comparar con el vivo ganan mucho en directo, así que si tenéis la oportunidad de acudir a uno de sus conciertos no lo dudéis, no os decepcionarán. Temas como Demasiado bueno para durar, Condenado loco o la curiosa 2040 que habla de un mundo postapocalíptico hicieron las delicias del respetable ganándose unos merecidísimos aplausos a lo largo de toda su actuación.

Tras el espectáculo brindado por Atlas nos hicieron esperar un rato que se hizo eterno en el que tal vez el público se enfrió un poco, pero como lo bueno llega a quien sabe esperar tras un desfile de "pipas" hacia allá y hacia acá se terminaron apagando las luces y nos sirvieron el plato fuerte. Gotthard entró en escena.

Desde luego la pinta la tienen.

Tras una entrada atronadora con Unspoken Words para continuar con Gone Too Far, Need to Believe y otros temas igual de buenos seleccionados de varios de sus álbumes y también entre intermedios en los que el tremendamente carismático Steve Lee -vocales y frontman indiscutible- chapurreó un poco de Español, con lo que la sala se volvió loca y entre oés el espectáculo se puso definitivamente en a toda marcha y puedo dar testimonio de que no tenía frenos ni nada que se le pareciese. Sister Moon, Delay from Hell, la brutal The Oscar Goes to... que por cierto no estaba en el programa y un largo etcétera; un setlist bien surtido con el que estoy seguro de que nadie quedó insatisfecho.

Entre los momentos más destacables podemos contar duelo/dúo vocal entre Steve y nosotros, tan habitual mientras los demás músicos se refrescan el gaznate con algo de zumo de cebada, los coros de la versión de Hush de Deep Purple que tan suya consiguen hacer que todos hicimos y casi se cae la sala, el momento espontáneo de hacer en versión acústica las canciones que les pidiésemos -el set acústico estaba programado en el setlist, pero las canciones eran las que nosotros berreábamos, aclaro-, los frenéticos solos de guitarra e incluso duelos guitarrísticos entre Leoni y Scherer... un concierto bien completo, absolutamente.

Steve Lee con cara de estar sintiéndolo mucho.

Las mejores canciones, por supuesto, para el gran final. El suelo temblaba cuando comenzó a sonar Lift U Up y debo decir que yo colaboré a ello con toda mi energía. Tras el que quizá es su hit más conocido desaparecieron y por supuesto volvieron a salir para brindarnos un bis -pero antes tuvimos que dejarnos las gargantas llamándolos-, nada menos que I Know You Know y, finalizando el concierto, el tema que os dejo a continuación y con el que yo cierro el post.

Muchas gracias por la atención y disculpad mi ausencia estos últimos días -ya sabéis lo que estaba haciendo- pues me pondré manos a la obra lo antes posible. Disfrutad de Anytime, Anywhere, un saludo y hasta la próxima.

Jeff Buckley - Grace [1994]

2009-10-21T02:58:00.009+02:00

Hola, queridos. Tras los dos últimos bombazos de la actualidad musical como son los nuevos álbumes de Wolfmother y Rammstein -genial el primero, por cierto- he decidido que voy a continuar con algo más personal. Se trata de un disco muy importante pero aún muy desconocido, un disco realmente conmovedor, especial y con una historia triste detrás como es la de la muerte de una gran promesa de la música, una estrella que se dejó de brillar en el momento cumbre de su carrera. Hablo por supuesto del enorme e insustituible Jeff Buckley, una de las grandes voces del siglo pasado.

Jeff Buckley era hijo de Tim Buckley, otro gran artista casualmente también fallecido a una edad prematura -murió en 1975, a los 28 años de edad-, así que en realidad no es de extrañar que el pequeño Jeff Scott Buckley tuviese inquietud por la música y heredase el talento de su padre, que no era precisamente poco. Fue en un concierto homenaje a su padre en el año 1991 donde Jeff debutó en público como cantante en gesto de respeto hacia él. Ya en 1993 grabó un EP de la mano de Columbia Records con cuatro temas grabados en el café Sin-é, lugar donde comenzaría su carrera como solista, pero no sería hasta 1994 que asombraría al mundo entero con su magnífica voz con el álbum Grace que hoy os presento.

Insisto en resaltar la fantástica voz de Buckley, y lo digo con razón, pues era capaz de abarcar aproximadamente cuatro octavas de registro vocal, algo excepcional y loable, y os aseguro que supo utilizarla para darnos el mejor folk-rock con toques de blues que pudiésemos soñar. Una voz similar a la de mi amado Robert Plant en los agudos -en la canción Last Goodbye hay momentos en los que los podría confundir- y completamente única en registros más centrales, completamente dulce y conmovedora pero también con carácter. Lo dicho, un fuera de serie.

En el disco hay temas realmente espectaculares, pero fue con su versión de Hallelujah de Leonard Cohen con la que consiguió la mayor parte de su fama en el momento de publicación del álbum, y es que hizo una interpretación tan espléndida que hoy en día la versión de Buckley está considerada la versión definitiva del tema ni más ni menos; esto, para los que no conozcáis a Leonard Cohen, es un honor inmensísimo. Sin embargo en el disco podemos encontrar más temas similares en cuanto a calidad, muchísimos más, y un ejemplo es la propia Grace titulada como el álbum, Eternal Life o Mojo Pin, el tema de apertura.

Sin embargo ya os avisé de que esta historia tenía un triste final, pues Jeff Buckley murió ahogado en la primavera del 1997 en el río Wolf River, tan sólo tres años después de la salida al mercado de Grace y a la edad de treinta años, en el momento de mayor éxito de toda su carrera, una desgracia para el mundo de la música sin duda, pues él era sin ninguna duda una de esas grandes promesas que hacen historia. En cualquier caso aún podemos hacer algo, podemos recordarle escuchando sus obras y yo os presento ahora la mejor de todas ellas, y espero que la disfrutéis y la sepáis apreciar como se merece, como la obra maestra de uno de los mejores cantantes de su época.

Sin más, Grace. Un saludo y hasta la próxima.

Jeff Buckley - Grace [1994]

Wolfmother - Cosmic Egg [2009]

2009-10-18T21:10:00.013+02:00

Hola queridos, estamos de enhorabuena. Ya se ha filtrado por fin el nuevo álbum de Wolfmother, Cosmic Egg, y como prometí os lo traigo raudamente y, a pesar de ser sólo una filtración, está a 320kbps; no os quejaréis, ¿no?

Bien, unas palabras sobre el álbum antes de que os lancéis a descargarlo como perros hambrientos se arrojan sobre un chuletón a la parrilla con verduras asadas. Se trata de un trabajo tan arrolladoramente fresco y dinámico como cualquier otra cosa de Stockdale y compañía, pero al mismo tiempo es tan maduro como deseábamos sin perder el carácter que los hizo mundialmente famosos.

Volvemos a los ritmos potentes de batería, a los riffs de guitarra ultrapegadizos, a los agudos por las nubes y encontramos detalles nuevos como un mayor protagonismo de la guitarra solista de Andrew, esta vez respaldado por las rítmicas de Aidan Nemeth lo que permite a Andrew lucirse más que nunca gracias a su mejorada técnica guitarrística. El grupo conserva el carácter y el espíritu del primer álbum pero han cambiado algunos músicos con lo que el resultado inevitablemente varía, pero no es ni mucho menos un cambio a peor ni un alejamiento de las raíces, sencillamente es un toque diferente que a mi parecer le queda estupendamente.

¿Los temas? Una maravilla al alcance de muy pocos hoy en día. Desde caña burra en New Moon Rising o Cosmic Egg o California Queen con la que abre el disco a temas medio lentos -y digo medio lentos porque el disco por norma general es bastante animado- como Pilgrim, Far Away o In The Morning, siendo todos ellos excelentes.

¿Sinceramente? Tenía miedo. Pasa muy a menudo que un grupo saca un gran álbum debut y al catapultarse a la fama de una forma tan radical el segundo álbum suele flaquear musicalmente, sin embargo no es el caso, estoy francamente encantado con el resultado del nuevo álbum que, si bien es posible que termine gustándome más el primer álbum por eso de el encanto del álbum debut, éste cuenta con un nivel de calidad equivalente.

Sin más os dejo con el álbum, disfrutadlo tanto como yo, que es bastante. Un saludo.

Wolfmother - Cosmic Egg [2009]

Edito: La Digital Millenium Copyright Act ha presentado una queja contra esta entrada en particular, así que tengo que retirar los links del post, sin embargo a estas alturas ya no es difícil encontrar el disco por ahí si buscáis bien (por ejemplo Wolfmother Cosmic Egg Megaupload en Google). Disculpad las molestias.

Free - Fire and Water [1970]

2009-10-16T19:49:00.004+02:00

Un saludo, lectores. En primer lugar quiero pedir disculpas por esta laguna de contenidos que ha habido, he estado ocupado y no he tenido tiempo ni inspiración para actualizar (y la otra se ve que tampoco, maldita sea), pero ya he vuelto a la carga y traigo rock n' roll para parar un tren.

Como compensación os traigo un disco magnífico, el que más me gusta de toda la carrera de Free y el que los catapultó al éxito gracias al tema All Right Now. Por supuesto me refiero al enorme -aunque más bien cortito- Fire and Water, del año 1970.

Su sonido no es ni más ni menos que un blues rock perfectamente fusionado, letras preciosas y una emotiva interpretación por parte de Paul Rodgers (cantante también de Bad Company o, atentos, Queen tras la muerte del gran Freddie Mercury), melodías pegadizas y ante todo sentimiento para otorgarnos un álbum que no tiene nada que envidiarle a contemporáneos como Led Zeppelin, que ya es decir. Treinta y seis minutos repartidos en siete canciones geniales, profundas y preciosas, que deleitarán a los más exigentes con el blues rock de más alto nivel que jamás salió de Inglaterra.

En cualquier caso lo más impresionante del álbum tal vez no sea su sonido- aunque esté cerca-, sino el mérito de los integrantes del grupo de haber grabado eso siendo apenas unos niños. ¿El increíble solo de bajo de Mr. Big? Andy Fraser entró al grupo a la tierna edad de quince años y lo grabó con únicamente diecisiete. Paul Kossoff, el guitarrista que se hizo archiconocido por el riff y también el solo del celebérrimo tema All Right Now que hizo de Free un grupo famoso, tenía apenas diecinueve en la grabación del disco, y Rodgers contaba con uno más. Sorprende comprobar que unos muchachos tan jóvenes pudiesen ser tan maduros musicalmente, tener tanta técnica instrumental y empastar perfectamente como grupo. Esas cosas ya no se ven.

Espero que lo disfrutéis mucho, es uno de esos álbumes que son necesarios para comprender la evolución del rock hasta hoy. Un saludo, hasta el próximo artículo.

Free - Fire and Water [1970]

Rory Gallagher - Irish Tour [1974]

2009-09-28T11:43:00.008+02:00

Hola, amigos. Disculpad la laguna de contenidos en estos últimos días, pero es que he estado más liado que la pata de un romano. Para compensaros por ello os traigo un disco que quería dejar para más adelante porque es demasiado bueno para ser cierto y no quería arriesgarme a abrir el blog con un disco tan cojonudo y que quedase en el olvido, pero me parece que ya es hora y sobre todo con motivo del primer aniversario del blog que se cumplió el pasado día 25. Os traigo mi disco preferido en directo -y eso que me he criado con el Live at Wembley de Queen-, mi disco de guitarra preferido y mi disco preferido de blues rock, que da la casualidad de que son el mismo disco. Os presento con mucho orgullo el Irish Tour de Rory Gallagher.

Podría definir este álbum de muchas formas y ninguna le haría justicia, así que en lugar de andarme con adjetivos voy a ir al centro de la cuestión. Rory Gallagher es el mejor guitarrista -eléctrico- que ha existido jamás, y puedo demostrarlo. De la interminable lista de razones rescato las de más peso, como su técnica instrumental del más alto nivel -muy superior a cualquier otro de su época- con la que tocaría solos frenéticos para deleite de quien tuviese la suerte de escucharlo. Innovó muchísimo en el mundo de la guitarra con su técnica y también con su feeling, siendo una costumbre que el público se pusiese a aplaudir en mitad de los solos debido al increíble espectáculo que significaba tener a Rory Gallagher tocando su guitarra; sin embargo tocar no define lo que hacía Rory, más bien exprimía a su guitarra, sentía a través de ella, la hacía gritar y revolverse furiosa en los solos para quince minutos más tarde, tenerla llorando en los temas más conmovedores del mejor blues. Es emocionante escuchar los coros espontáneos del público tras Who's That Coming? o los aplausos de Walk on Hot Coals, yo creo que eso dice mucho más que una cifra alta de discos vendidos pues lamentablemente, Rory Gallagher no es tan conocido como otros guitarristas parecidos como pueden ser Jimi Hendrix o Stevie Ray Vaughan. Una injusticia, claramente.

Otra razón importante es que Rory Gallagher es el único usuario de la célebre guitarra Fender Stratocaster -entre los que me encuentro- a la que la propia casa Fender le ha dedicado una guitarra tributo. Ni Jimi Hendrix, ni Stevie Ray Vaughan (la suya es signature, no tribute), ni Jeff Beck, ni Eric Clapton ni ninguno de esos, Rory Gallagher y punto pelota. Y os aviso de que Fender es LA marca de guitarras por excelencia junto con Gibson, estoy seguro de que esa gente sabe algo de música.

También mencionaré la capacidad para danzar entre géneros de Rory de la que hace gala yendo desde el blues más puro en I Wonder Who para llegar al hard rock en Tattoo'd Lady y Who's That Coming? pasando por temas acústicos con slide y armónica como As the Crow Flies, deliciosas baladas del tipo de A Million Miles Away, frenéticos y furiosos solos que demuestran toda su técnica en Walk on Hot Coals y para finalizar el álbum nos regala un tema con aires cincuenteros y surferos, relajante hasta decir basta, Maritime. Y todo en el mismo disco, eso sí que es potencia.

Antes de terminar os dejo un fragmento del álbum para los que aún no estéis convencidos, para que juzguéis por vosotros mismos, pues de entrada puede parece que exagero. Veréis que no, veréis que sin Rory Gallagher el rock no sería como es hoy.

Imponente, ¿ehh? Pues eso no es nada. En fin, no quería extenderme pero lo he terminado haciendo, supongo que escribiendo sobre Rory me dejo llevar, y no es para menos puesto que este disco que os traigo significó para mí muchísimo, me mostró el mejor blues rock en todo su esplendor, que me enamoró y me terminó de aficionar, con lo que a partir de él por supuesto me aficioné a otros artistas. Es el mejor inicio en ese estilo que podría haber soñado y ahora os lo traigo yo a vosotros, espero que os cause el mismo efecto.

Ya me he extendido mucho, os dejo con su mejor trabajo. Rory Gallagher, 1974, una gira por las tierras Irlandesas que lo vieron nacer, un magnífico equipo de músicos y el mejor directo que jamás contempló esa isla. Disfrutadlo.

Rory Gallagher - Irish Tour [1974]

Dave Holland Quintet - Not For Nothin' [2001]

2009-09-23T12:14:00.003+02:00

Hola, amigos. Traigo un discazo, un artículo interesante y tras ello malas noticias, o como poco desalentadoras. Pero no adelantemos acontecimientos, dado el éxito abrumador y aplastante del anterior álbum -que me lo imagino, porque lo que es comentar no habéis comentado mucho, guapos- he decidido continuar con un poco más de jazz, algo más contemporáneo, para variar un poquito.

Esta vez no es una de esas joyas legendarias del jazz como el disco de la entrada anterior, pero hace méritos, eso os lo aseguro. Se trata del Not for Nothin', uno de los mejores trabajos del quinteto del célebre contrabajista Dave Holland, toda una eminencia en el jazz, destacado compositor vanguardista, colaborador de los más grandes artistas del género, líder de un quinteto potentísimo e intérprete del más alto nivel. Ahí es nada.

Este hombre ha trabajado con artistas de la talla de Miles Davis en la época de los sesenta tardíos/setenta tempranos, Stan Getz, Chick Corea o Herbie Hancock; en definitiva, para cualquier entendido en jazz -y quizá para alguno que ya se haya introducido mínimamente-, Dave Holland no necesita presentación alguna. El disco quizá sí, puesto que no es su trabajo más célebre, pero he considerado que tras una dosis de jazz conocidísimo de aquí a Marte lo adecuado sería un álbum bastante menos conocido, para no llenar el blog de obviedades que cualquiera podría encontrar en una lista de los mejores álbumes de jazz de todos los tiempos.

Sin más dilación os dejo con el álbum, en él encontraréis un jazz fresco y vanguardista con influencias latinas, ritmos imposibles, frenéticos solos sembrados a lo largo de todo el disco y ante todo muchísima clase a la hora de componer. Escuchad esta delicia sonora con tranquilidad, vuestros oídos os lo agradecerán.

Dave Holland Quintet - Not For Nothin' [2001]

Y ahora, tras esto, las malas noticias. Los asíduos al blog recordaréis que en mi segunda entrada hablé del nuevo álbum de Wolfmother que estaba programado para el 12 de septiembre, que es cuando se supone que salía, pero fue retrasado al día 22 -o 23, ya no importa-; el caso es que tras pasar ayer por el FNAC y el Corte Inglés descubrí con amargura que el disco no había sido publicado aún. Repleto de ira homicida buceé en la página oficial de Wolfmother para descubrir que habían retrasado la salida del álbum otra vez, esta vez hasta octubre. Irritante cuanto menos.

Yo pensaba comprarlo, ripearlo a 320kbps y subirlo para vosotros -no me deis las gracias-, pero no va a poder ser de momento. Buscaré filtraciones con la esperanza de repetir lo de Muse, pero según informaciones que he estado leyendo parece que lo voy a tener difícil. En cualquier cosa seguiré informando si descubro alguna filtración del Cosmic Egg.

De momento espero que aguantéis con lo que aquí os voy dejando, mis queridísimos e irredentos melómanos. Un abrazo, comentad algo si os apetece -no pierdo la esperanza-, hasta el próximo artículo.

John Coltrane - Blue Train [1957]

2009-09-18T18:29:00.004+02:00

Otra vez aquí, sin saber de qué forma empezar los posts. En fin, tras toda una temporada de álbumes de rock he decidido variar un poquito, que de algo tiene que valerme mi eclecticismo (y mi bipolaridad musical). Hoy voy a deleitaros con una de esas joyas de la música que son las culpables directas de que los géneros evolucionen hacia un sentido u otro, y no pensaréis que exagero si os digo que estoy hablando de John Coltrane. Siempre que lo conozcáis, claro está.

Y es que mucha gente alaba el Kind of Blue del magnífico trompetista Miles Davis como el mejor disco del jazz -en el que también colabora Coltrane, por cierto-, y es lógico decirlo pues el Kind of Blue es el disco de jazz más famoso y vendido de la historia, sin embargo cada uno barre para casa y yo, como saxofonista que soy, me quedo con el álbum que os presento a continuación. Se trata del imprescindible Blue Train, de John Coltrane. Palabras mayores.

Además, yo le guardo un especial cariño porque fue ni más ni menos que con éste álbum con el que yo me inicié hace años en el jazz, lo que me hace apreciarlo incluso por encima de otro grandísimo trabajo de Coltrane, el A Love Supreme, considerado por mucha gente su más grande obra. Entre eso y la calidad musical del álbum no termino de encontrar las palabras para definirlo, la verdad. Magistral, exquisito, glorioso; ningún adjetivo le hace justicia al álbum, aunque "perfecto" se acerca peligrosamente.

Salvando la relajada y blusera "I'm Old Fashioned" -compuesta por Johnny Mercer y Jerome Kern-, el resto del disco es frenético, de un estilo hard bop en el que predominan los solos de Coltrane a lo largo de todo el álbum, aunque también deja espacio para lucimiento del resto de miembros del grupo encargado de grabar ésta maravilla sonora. Como digo, Coltrane se aleja de trabajos más relajados como, mismamente el Kind of Blue y sube el tempo para asombrarnos con toda una exibición de técnica, improvisación y gusto. Imprescindible, de verdad.

Aquí lo tenéis:

John Coltrane - Blue Train [1957]

En fin, como siempre digo espero que lo disfrutéis, por mi parte estoy seguro de que así será ya que es una maravilla de álbum. Ahora me voy, que tengo que recoger a Aliena; un saludo queridos, no olvidéis dejarme mensajes de amor y paz.

Nuevo single de Rammstein titulado "Pussy"

2009-09-17T06:38:00.007+02:00

Hola, mis queridísimos lectores. Estoy flipando en colores desde ayer

Resulta que los chicos de Rammstein han anunciado la salida del single Pussy el día 18 -mañana, vamos-, sin embargo no pasaría nada si se hubiesen limitado a hacer eso única y exclusivamente, incluso es posible que ni siquiera estuviese escribiendo esto, sin embargo... lo han vuelto a hacer. Rammstein es un grupo especialista en provocar, ya sea con su actitud, sus letras o su indumentaria y eso lo sabemos todos, sin embargo esta vez se han superado por completo.

Musicalmente el tema es bastante normalito, cuidado; suena bien, sin pretensiones, pero no estamos ante un temazo. Auguro que será el próximo Te quiero puta! por su curioso estribillo que reza así:

You've got a pussy,
I have a dick!
So what's the problem?
Let's do it quick!

Que viene a ser -para los de la LOGSE- algo así como "Tú tienes un coño, yo tengo una polla, ¿cuál es el problema? ¡Hagámoslo rápido!"; como digo, Rammstein sigue en su línea de finura y elegancia... ¡pero esto no es lo escandaloso!

El asunto está en el videoclip. Es el vídeo musical más cerdo, explícito y pornográfico que he visto en mi vida, y he visto muchos videoclips, razón por la que no pueden exibirlo en su página oficial sino que tienen que colgarlo en colaboración con una página de pornografía. Algunos pensaréis que no es para tanto, pero os aseguro que lo es.

Yo no puedo colgar el vídeo aquí, contiene escenas de sexo explícito y este es un blog para todos los públicos, pero sí que os puedo dejar el link, no sin antes con ilusión y gozo lavarme legalmente las manos con una advertencia: En el siguiente link hay contenido +18, y como cada cual es libre de clicar donde le apetezca Shout with the Devil no se hace responsable de los menores que se la pelen:
http://www.visit-x.net/rammstein/

Impactante, ¿ehh? Menudo final, hay que joderse -y nunca mejor dicho- con Till y los suyos. En este preciso momento ya hay miles de opiniones, cada una diferente de la anterior, a lo largo y ancho del globo; es lo que tiene la polémica provocativa. Mi opinión es la siguiente: Ole sus cojones. Si querían provocar, lo han conseguido. Si querían escandalizar al mundo, os aseguro que pronto vamos a tener asociaciones persiguiendo al grupo para impedir que toquen aquí y allá, quejas y demandas. Y si querían volvernos a sorprender, por mi parte puedo decir que lo han logrado.

Para los que no hayáis entrado en la página, o como es muy probable, os vaya mal -como a mí-, dejo la canción nada más desde YouTube:

Y hasta aquí hemos llegado de nuevo, nos vemos a la próxima. Espero vuestros comentarios, un abrazo.

Mötley Crüe - Shout at the Devil [1983]

2009-09-12T00:59:00.002+02:00

Hola, amigos. Como imagino que estaréis cerca del letargo por culpa del tocho infumable de aquí la amiga voy a dejaros algo que os va a cargar las pilas por completo.

Son brutales, son salvajes, son frenéticos, son rebeldes y con esas pintas parecen homosexuales en una distopía futurista de estética ochentera. Son Mötley Crüe.

El disco que os traigo -Shout at the Devil- os va a sonar, más que nada porque el título del blog no es ni más ni menos que una especie de homenaje al grupo, cosa que ya expliqué en la primera entrada del blog, pero ahora es momento de hablar de hard rock.

Mötley Crüe siempre han sido un grupo polémico, conocidos por su afición a las mujeres atractivas hasta el punto de que tres de ellos estuvieron casados con actrices de Los Vigilantes de la Playa y Playmates -con eróticos resultados-. Las drogas de todos los tipos también estuvieron presentes, sin ir más lejos Nikki Sixx -bajista, compositor principal- escribió la canción Kickstart my Heart tras sufrir una sobredosis de la que tuvo que ser reanimado con dos inyecciones de adrenalina en el corazón. Los vehículos no iban a ser menos cuando Vince Neil -el cantante- estrelló su deportivo contra un árbol estando borracho, matando al baterista de Hanoi Rocks en el acto, que iba en el asiento del pasajero. No me gustaría que mi hija saliese con un chico la mitad de peligroso que el miembro más inofensivo de Mötley Crüe.

El caso es el mismo siempre. Junta a cuatro muchachos puteados por la sociedad en plenos años ochenta, dales droga e instrumentos, docenas de botes de laca y lápiz de ojos y tendrás un grupo de hard rock/glam ochentero cojonudo, sin embargo Mötley Crüe tenían algo más. Ellos tenían talento, rabia y cojones para parar un tren de mercancías, y lo demostraron sobradamente dando el salto a la fama con éste álbum, quedando en un discreto pero respetable #17 en el ranking Billboard, puesto en el que se apoyarían más tarde para conseguir un rotundo #1 durante 109 semanas consecutivas con Dr. Feelgood, pero de eso os hablaré otro día. Hoy vamos a gritarle un poco al diablo.

Musicalmente el disco es excelente, cada uno de los integrantes es un portento de técnica instrumental y sus composiciones y letras hicieron palidecer al resto del panorama internacional del hard rock. Sumado a su frescura y descaro eso nos da una mezcla explosiva que no os dejará indiferentes, en absoluto; incluso se atreven incluso con una -excelente- versión de Helter Skelter de los Beatles. Dime, ¿te atreves tú con ellos?

Mötley Crüe - Shout at the Devil [1983]

Degustadlo, queridos amigos. Hasta otro día.

Muse - The Resistance [2009]

2009-09-09T02:26:00.012+02:00

Y ya era hora, caray. Hola, mis queridos lectores, os traigo noticias frescas: El nuevo álbum The Resistance de Muse, del cual teníamos noticias desde hace tiempo y que saldrá a la venta el día 14 de éste mismo mes por fin se ha filtrado completamente, y lo que es mejor, vuestro tío Memnoch os lo trae en descarga directa -desde Megaupload-. Si es que soy un sol.

¿Qué os puedo decir del álbum? Poca cosa, en realidad, en cuanto he comprobado la autenticidad del álbum y que la calidad sonora fuese decente me he dispuesto a subirlo, sin embargo sí tengo algunas impresiones. Es un poco más de lo mismo, pero con detalles nuevos como es el asunto de la voz de Bellamy; en éste álbum se puede comprobar que la voz de Matt Bellamy ha madurado y suena con más cuerpo y más profunda, interesante cambio; en cuanto a la producción, composición y demás todo ello tiene un sobresaliente, como es costumbre en Muse, sin embargo hay un detalle delicado y muy polémico...

En el disco podemos encontrar docenas de momentos que nos recordarán irremediablemente a Queen, me refiero a algunos coros y otros detalles de los que destaco principalmente las guitarras tan Brian May. Donde algunos afirman rotundamente que esos detalles no son ni más ni menos que plagios descarados, otros dicen que se trata de un homenaje; y vosotros, ¿qué pensáis? ¿Matt Bellamy le ha dedicado guiños a Queen o se trata de una copia descarada? Decididlo vosotros mismos, yo ya he hecho mi trabajo.

Espero que os guste el álbum, os recomiendo que al menos lo escuchéis una vez porque puedo aseguraros que va a traer polémica consigo.

Edito: Debido a que en Megaupload cada dos por tres me borran el link estoy resubiéndolo también a otros servidores, Rapidshare y Gigasize. Enseguida editaré incluyendo los links. Por favor, informad de cualquier link roto que encontréis, muchas gracias.

Edito: Ya que no lo borran de MU, voy a dejar de resubirlo a otros servidores, pero si lo tiran de MU avisadme y lo sigo subiendo.

Muse - The Resistance [2009]

Un saludo queridos lectores, hasta la próxima.

Kyuss - Blues for the Red Sun [1992]

2009-09-07T20:10:00.005+02:00

Hola lectores de mi vida y de mi corazón, estos días no ha habido ninguna actualización porque me fui a Madrid a emborracharme y otras cosas que ahora mismo no recuerdo, pero no os preocupéis, que ya he vuelto. Para compensar el espacio de silencio os obsequiaré con el que tal vez sea mi álbum preferido de la década de los noventa. Estoy hablando, no podría ser de otro modo, del Blues for the Red Sun del grupo Kyuss.

Os pongo en situación. En el desierto de Palm Springs no eres importante, el desierto hace que te sientas pequeño, y eso Josh Homme y compañía supieron plasmarlo perfectamente. Tras dos discretas incursiones en el mercado con los álbumes Sons of Kyuss el año 1990 -con el nombre Sons of Kyuss, siendo el álbum homónimo- y el Wretch, publicado el año 1991 -ya nombrándose Kyuss únicamente-, el salto definitivo a la fama lo dieron con el Blues for the Red Sun, que sería publicado el año 1992 suponiendo una revolución para el panorama americano del rock ya que me atrevo a afirmar que el Blues for the Red Sun es posiblemente el álbum más representativo de toda la historia del stoner rock. El stoner -o desert rock- es un subgénero del rock que se caracteriza por su sonido duro, sucio y pesado, afinaciones peligrosamente graves y toques de psicodelia -stoner significa en el idioma de la pérfida Albión, fumador de marihuana-.

Sabiendo eso os podréis imaginar que el disco que os presento es un álbum oscuro, siniestro y pesado, con ritmos lentos y densos en ocasiones -como en Molten Universe-, pero al mismo tiempo es frenético, marchoso y potente gracias a la batería de Brant Bjork y los desgarradores alaridos de John García, el que en ocasiones recuerda incluso a James Hetfield. Demoledor es decir poco, es un trance sobrenatural de principio a fin, parece imposible que unos simples humanos puedan expresar un abanico de sentimientos tan amplio únicamente con música.

Además, voy a incluír un poquito de historia de la música, porque os puedo asegurar que Kyuss ha sido muy influyente y os voy a explicar por qué. Antes he mencionado a Josh Homme, y estoy seguro de que alguno de vosotros sabrá de quién se trata, pero para los que no, no pasa nada. Josh Homme es un artista que empezó su carrera en Kyuss como guitarrista y compositor, pero cuando el grupo se separó en el año 1995 Homme no se quedó de brazos cruzados, sino que formó un supergrupo -un grupo que incluye artistas que ya son famosos por haber estado en otros grupos- que a día de hoy es uno de los más populares alrededor de todo el mundo, estoy hablando de Queens of the Stone Age.

Sin embargo el trabajo de Josh Homme no se queda ahí, ni mucho menos. ¿El último disco de los Arctic Monkeys? Producido por Josh Homme. ¿Desert Sessions? Todo organizado por Josh Homme. ¿Eagles of Death Metal? El líder es Josh Homme, pero hay un último asunto en el que está relacionado Homme que puede que os interese más... Josh Homme, junto a Dave Grohl -Nirvana, Foo Fighters- y nada más y nada menos que John Paul Jones -Led Zeppelin- está grabando un disco bajo el nombre de Them Crooked Vultures, y os puedo asegurar que suena maravillosamente. Todo lo que toca el pelirrojo se convierte en oro, pero de momento no voy a adelantar más del nuevo trabajo de esos tres titanes, os tendréis que conformar -como si fuese poco- con el mejor trabajo de Kyuss, el Blues for the Red Sun.

Kyuss - Blues for the Red Sun [1992]

Otro día más, gozadlo -no como Aliena- hasta que os exploten los tímpanos, queridos. Un saludo.

Radio Moscow - Brain Cycles [2009]

2009-09-01T16:59:00.002+02:00

Buff, ¿oléis eso? Menuda peste. Huele a envidia, debe ser que hay alguien colaborando en éste blog que, como no es capaz de deleitaros del mismo modo que yo, va chorreando celos a cada -lamentable- post que deja; ¿quién será? Bueno, en realidad no importa; no os preocupéis, ya ha llegado el tito Memnoch para remediarlo con un disco que os va a dejar en estado de shock.

Estoy hablando del último disco de Radio Moscow, por supuesto, que salió hace unos meses y aunque me perdí el concierto que dieron al lado de donde vivo sí he podido disfrutar con tranquilidad el álbum. Brain Cycles -como se titula el LP- es psicodelia pura, un hard-rock terriblemente poderoso con un gran espíritu de blues que a nadie puede dejar indiferente. Es un viaje al pasado, a los principios de los setenta para escuchar riffs de Jimi Hendrix y baterías de Ian Paice, un sonido a lo Blue Cheer pero más agresivo; en definitiva, una maravilla. ¿Lo mejor de todo? Que aún después de todo eso saben encajar en la actualidad, pareciéndose enormemente a Wolfmother -y por lo tanto, ganándose todo mi respeto y mi estima-.

Es toda una experiencia y una lección magistral de cómo debe hacerse música para llegar más allá de los oídos de las personas, conquistar su corazón y empujarlos a moverse al ritmo de la música. Pocas veces he tenido la suerte de escuchar un grupo contemporáneo tan intenso, saboread el disco que aquí os dejo apreciando todos sus detalles, espero de verdad que os atrape como a mí la primera vez que escuché a éste impresionante grupo. Brain Cycles, queridos:

Radio Moscow - Brain Cycles [2009]

Aviso: Las autoridades sanitarias advierten que la escucha de éste disco puede provocar en los oyentes efectos secundarios similares a los del LSD o el éxtasis, escúchese con moderación y sólo en caso de desear experimentar un viaje místico a través del espacio, el tiempo y el ritmo.

Un saludo.

Oasis se separa definitivamente. [+ Disco]

2009-08-30T21:14:00.003+02:00

Ya está, se acabó lo que se daba, tan sencillo como eso. Es por todos sabido que los hermanos Gallagher siempre tuvieron problemas para soportarse y a lo largo de los años incontables veces han sido portada de revistas a causa de sus espectaculares discusiones, sin embargo en anteriores ocasiones los problemas habían parecido solucionarse o al menos parchearse el tiempo suficiente como para que el tiempo los hiciese parecer menos importantes, sin embargo Noel ha decidido dejar el grupo de una forma que a todas luces parece definitiva.

A continuación podréis leer la última entrada del diario que Noel ha ido escribiendo a lo largo de la gira. Para los que no tengáis un buen nivel de Inglés, puede resumirse en que los últimos años han sido alucinantes pero que no puede continuar debido a diferentes presiones y situaciones intolerables, que a partir de ahora se ocupará de su familia y su equipo de fútbol (¿?), que muchas gracias y hasta otra. Aquí el texto original:

Dearly beloved, it is with a heavy heart and a sad face that I say this to you this morning.

As of last Friday the 28th August, I have been forced to leave the Manchester rock'n'roll pop group Oasis.

The details are not important and of too great a number to list. But I feel you have the right to know that the level of verbal and violent intimidation towards me, my family, friends and comrades has become intolerable. And the lack of support and understanding from my management and band mates has left me with no other option than to get me cape and seek pastures new.

I would like firstly to offer my apologies to them kids in Paris who'd paid money and waited all day to see us only to be let down AGAIN by the band. Apologies are probably not enough, I know, but I'm afraid it's all I've got.

While I'm on the subject, I'd like to say to the good people of V Festival that experienced the same thing. Again, I can only apologise - although I don't know why, it was nothing to do with me. I was match fit and ready to be brilliant. Alas, other people in the group weren't up to it.

In closing I would like to thank all the Oasis fans, all over the world. The last 18 years have been truly, truly amazing (and I hate that word, but today is the one time I'll deem it appropriate). A dream come true. I take with me glorious memories.

Now, if you'll excuse me I have a family and a football team to indulge.

I'll see you somewhere down the road. It's been a fuckin' pleasure.

Thanks very much.

Goodbye.

NG.

Algo destacable es que no aclara nada acerca de posibles proyectos musicales en un futuro, cosa que no me parece extraña en absoluto pero que habría sido interesante que aclarase. Espero que en tal vez un futuro comunicado comente algo acerca de este punto ya que a pesar de las críticas que ha sufrido el grupo aún conserva ejércitos de seguidores que ansían poder volver a ver a alguno de los Gallagher en un escenario, siendo así ya me ocuparé yo de hacéroslo saber.

A modo de homenaje y también para dar a conocer al grupo a la gente que no los conozca, os traigo el álbum (What's the Story) Morning Glory?, tal vez el trabajo más popular de los de Manchester ya que incluye su himno Wonderwall, un álbum de fácil escucha y digestión, melodías pegadizas y letras cantables, un disco de pop-rock bien compuesto y producido que no puede disgustar a nadie. Yo no soy un gran fan de Oasis y eso lo sabe cualquiera con el que yo haya hablado del grupo, pero negar su trascendencia en la década de los noventa y la calidad musical de sus primeros trabajos sería un gran alarde de incultura musical y estupidez.

Sin extenderme más os dejo con el álbum, que aunque no lo he subido por otra razón que aprovechando el hecho de que la banda se separa y así les rindo mi particular homenaje, espero que os guste pues es un disco muy interesante, desde luego. Mientras termino éste artículo termina Champagne Supernova, el último tema del mejor álbum de Oasis, uno de los grandes grupos de los últimos tiempos, y creo que voy a escucharlo otra vez, a su salud, porque a pesar de todo sabían hacer música. Un saludo.

Oasis - (What's the Story) Morning Glory? [1995]

Kishidan - Boy's Color [2003]

2009-08-28T12:22:00.006+02:00

Hola queridos, ¿cómo estáis? Espero que estupendamente, sobre todo tras conocer la noticia de mi post anterior, pero hoy os voy a acompañar en un exótico viaje al lejano país del sol naciente en busca de los riffs más potentes y los ritmos más pegadizos, y estoy hablando por supuesto de uno de mis grupos nipones preferidos, Kishidan.

Kishidan (氣志團, "Los Caballeros"), también conocidos como "Midnight Special The Knights KISHIDAN From Route 127 of Fairies" son un grupo japonés de rock que se caracteriza por su extravagante vestimenta -uniformes escolares japoneses largos y de color negro- y la nostálgica temática de sus letras, que suelen tratar sobre los conflictos de los adolescentes como son los primeros amores y las disputas con otros adolescentes, con los adultos o con la misma sociedad.

Kishidan son los chicos malos del instituto, los pandilleros de las motos más ruidosas y extravagantes; su edad declarada va desde quince años eternos a dieciocho años eternos y el caso es que aunque no se les nota exteriormente, su música resulta tan refrescante y juvenil como madura es su técnica y su forma de componer, pues a pesar de sus curiosas pintas horteras y desfasadas cuando cogen los instrumentos son capaces de plantarle cara a quien sea.

El álbum que os traigo es el Boy's Color, su cuarto trabajo y mi preferido gracias a los temas One Night Carnival, Raiden, Koibito -de excelente comienzo aunque flaqueante desarrollo- y el perfecto final de Ichiban Hoshi. Es un álbum retro y ecléctico, no apto para todos los públicos pues sólo lo podrán apreciar en toda su magnitud los que posean el corazón más apasionado ya que los temas que en éste disco transmiten fuertes sentimientos incluso aunque no comprendáis el idioma. Es rock, y un buen rock si se me permite la afirmación, sin embargo hay que comprender el estilo tan particular del grupo cuando saltan de temas con aires de ska -creedlo- como Ore ga Ore de Ore Dakara a temas tan hardrockeros y potentes como God Speed You o DxDxD, pasando un por pop-rock guitarrero muy agradable como es en el caso de 330. Es un álbum de contrastes, eso está claro, pero forman un todo homogéneo y agradable, muy coherente e incluso bailable debido a que éstos tíos tienen marcha para dar y tomar. Sin extenderme más os dejo con el disco.

Kishidan - Boy's Color [2003]

Puede que os cueste un poco al principio ya que no todos estaréis acostumbrados a un estilo como éste, sin embargo os pido que le deis otra oportunidad si fuera necesario tras la primera escucha, es un álbum donde el grupo despliega su técnica al más alto nivel y los que os deis cuenta de ello sabréis apreciarlo, estoy seguro.

PS: Me he tomado la libertad de incluir en el álbum un bonus track, una versión nueva del tema One Night Carnival que podéis escuchar en el álbum como último tema -o a continuación en GoEar-, la he incluído sencillamente porque merece la pena escucharlo ya que mejora notablemente. Juzgad vosotros mismos:

Un saludo mis queridos lectores, disfrutad el disco tanto como lo haría yo, hasta la próxima.

¡Wolfmother vuelve más fuerte que nunca! [+ Disco]

2009-08-26T09:25:00.009+02:00

Hola, estimados lectores, ¿qué tal os encontráis? Espero que hayáis aguantado estoicamente el terrible post de Aliena, si es así ahora os sentiréis afortunados pues he vuelto a aportar un poco de calidad al blog, y vuelvo nada más y nada menos que con el mejor álbum del año 2006 y tal vez uno de los mejores de la primera década del milenio. Hablo, cómo no, del álbum debut del grupo Wolfmother, titulado de forma homónima, Wolfmother.

No es casualidad que os vaya a hablar de éste álbum, pues para regocijo de todos sus fans ya hay fecha para su siguiente álbum, Cosmic Egg, que estará a la venta el día 12 de Octubre en Europa, pero de eso os hablaré más tarde.

Como digo, el álbum Wolfmother fue una tremenda sorpresa para todos nosotros, tan acostumbrados a ese rock moderno descafeinado y carente de carácter que parece ser la norma en los tiempos grises que corren, sin embargo el trío Australiano -por aquél entonces aún eran un trío- supo dar un golpe en la metafórica mesa del panorama musical mundial con su estilo inconfundible para alzarse con descaro y orgullo como la gran nueva promesa del rock, muy por encima de otros grupos con más experiencia. Toda una hazaña.

Lo mejor es que todo eso no lo consiguieron con apabullantes campañas publicitarias, ni mucho menos recurriendo a la clásica treta de sacar un álbum sobreproducido repleto de más de lo mismo que el resto de grupos del panorama mainstream nos ofrecen, sino por méritos propios, carácter personal y calidad musical pura y dura. Os aseguro que escuchar el álbum que os presento es como viajar a los años setenta para mezclar en el mismo grupo el sonido denso y pesado de Black Sabbath, la voz de Robert Plant en Led Zeppelin y algunos matices más del grupo, los solos psicodélicos de Jimi Hendrix y para finalizar añadir una pizca de Uriah Heep en los teclados, todo eso con un estilo completamente nuevo e impresionante. Ambrosía pura, queridos.

Algo curioso que me sucedió en Madrid, hablando de Wolfmother, es que yo asistí al concierto que dieron el día 25 de Mayo de 2007 en la Sala Heineken, pero eso no es lo curioso. Lo curioso es que esperando a la apertura de puertas sentado en un banco justo enfrente de la sala pasó por delante de mí Andrew Stockdale -el cantante y guitarrista de Wolfmother- completamente solo, paseando tranquilamente como si no fuese a tocar dos horas después en la misma sala que estaba dejando atrás. Como os podéis imaginar, los fans que llevábamos horas -y las que nos quedaban...- en la puerta alucinamos completamente y unos pocos valientes salimos detrás del Australiano, bolígrafos y cámaras de fotos en ristre en busca de una dedicatoria o una buena fotografía como recuerdo. Tras una breve conversación en la puerta del Burguer King de Princesa con Andrew -que debo decir que fue muy correcto, simpático y agradable con nosotros en todo momento- me firmó la camiseta, la entrada y me dio un abrazo, no sin antes alucinar con mi bolígrafo luminoso de promoción del Foster's Hollywood, el cual conservo con cariño. Todo un monstruo, en el escenario y también fuera de él, os lo puedo asegurar.

Tras la anécdota ahí os dejo el álbum en descarga directa -Megaupload-, espero que lo gocéis tanto como yo.

Wolfmother - Wolfmother [2006]

Y tras esto, continuaré hablando del nuevo rumbo que ha tomado el grupo, si no os importa.

Ya habiendo triunfado a lo largo y ancho del globo y tras extender más aún su fama tras prestar su música en películas -Shrek III, Spiderman, Jackass-, anuncios de televisión -Peugeot 308- y videojuegos -Guitar Hero II y III, Tony Hawk´s Project 8, Motorstorm, etc.- parece ser que hubieron problemas en el seno de la banda, por lo que Andrew Stockdale quedó como único integrante del grupo tras la marcha del bajista-teclista y del baterista, sin embargo lejos de resignarse al fracaso el vocalista recompuso la formación con otro bajista-teclista y un nuevo baterista, trayendo ésta vez también a un miembro extra, un guitarrista rítmico de nombre Aidan Nemeth, y os puedo asegurar que el resultado es excelente.

Para más deleite, hace unos días pudimos leer lo siguiente en la página oficial del grupo -Wolfmother.com-, atended:

COSMIC EGG IS COMING THIS OCTOBER!

This October will mark the release of Wolfmother's second opus, Cosmic Egg. You can get your first taste of the record with the new single, New Moon Rising which will be making its world-wide debut at radio and online on August 14th.

Tracklist:
1. California Queen
2. New Moon Rising
3. White Feather
4. Sundial
5. In The Morning
6. 10,000 Feet
7. Cosmic Egg
8. Far Away
9. Pilgrim
10. In The Castle
11. Phoenix
12. Violence Of The Sun

Cosmic Egg is available in:
Japan on October 8th
Australia, Germany, and New Zealand on October 9th
Europe on October 12th
USA on October 13th

Excelente, ¿verdad? Yo llevaba tiempo esperando la noticia y la alegría fue indescriptible, me temía una separación prematura y me sorprendieron con un nuevo álbum, cuyos temas -al menos los que ya he tenido el privilegio de escuchar- conservan todo el espíritu que tuviese la banda en sus orígenes, un estilo único y una fuerza titánica. Mucha gente asegura que tras la marcha de dos tercios de Wolfmother el estilo cambiará, pero yo confío ciegamente en Stockdale y los suyos, ya que hacía muchos años que una banda nueva no me apasionaba tantísimo.

Y sin más como regalo de fin de post -como si el disco fuese poca cosa-, os dejo con el primer single del Cosmic Egg publicado. Muchas gracias por leerme de nuevo, espero que hayáis disfrutado con el post, y espero que disfrutéis aún más con Moon Rising, un saludo.

Grita con el Diablo

2009-08-24T01:15:00.007+02:00

"¿Qué demonios es esto?", te preguntarás, supongo. Un blog, obviamente.

Tú sabrás cómo has llegado hasta aquí, pero lo que importa es que has llegado, y yo me alegro mucho por ello. Como ya he dicho esto es un blog, un blog como otro cualquiera, pero con la particularidad de que éste no es uno de esos blogs aburridos donde la gente divaga sobre nada ya que no tienen cosas sobre las que escribir, qué va; nosotros somos la hostia de interesantes, te lo puedo asegurar. No me preguntes sobre qué trata este blog, ya que ni siquiera yo lo tengo muy claro, dejémoslo en que irá sobre "un poco de todo". Música, cine, literatura o simples historias sobre nuestro día a día, todo es posible en este mundo de fantasía e ilusión.

Pero antes de continuar creo que es adecuado que nos presentemos, ¿verdad? Soy Memnoch, y mi compañera es Aliena, es todo un placer. Nos hemos propuesto la misión de entretenerte, cosa que espero que podamos conseguir, ya que si no este blog habrá fracasado en parte. El resto de la finalidad del blog es tener un sitio donde podamos escribir, ya que tanto Aliena como yo a veces sentimos el impulso estúpido de querer dejar constancia sobre las cosas que se nos pasan por la cabeza. Menuda bobada, diréis; pues sí.

Lo primero que voy a explicar va a ser de dónde sale el título del blog, Shout with The Devil, y para ello tenemos que remontarnos atrás en el tiempo. Corría aproximadamente el año 1983 y yo no era más que un bichito microscópico nadando por los cojones de mi padre, sin embargo Nikki Sixx, bajista del enorme grupo Mötley Crüe, comenzó a escribir una canción titulada "Shout with The Devil" [Grita con el Diablo]. Era tal la curiosidad sobrenatural que tenía Nikki por aquella época que comenzó a coquetear con el esoterismo, la magia negra, el más allá y ese tipo de cosas, hasta que un día Tom Zutaut se presentó en el apartamento de Nikki y allí encontró a éste y a su novia, con los que tuvo la siguiente conversación -la cual transcribo de la biografía oficial del grupo "Los Trapos Sucios", capítulo 4, página 103-.

- Estoy un poco acojonada -dijo Lita-. En éste apartamento suceden cosas extrañas.
- ¿A qué te refieres? -pregunté, observando a mi alrededor los pentagramas recién pintados y los cuadros góticos con los que Nikki había cubierto las paredes y el suelo.
- Suceden cosas extrañas, eso es todo -respondió ella-. Las puertas de los armarios se abren y se cierran solas, se oyen ruidos raros y los objetos salen volando por el apartamento sin motivo aparente.
- Escucha, Nikki -dije-. Tienes que dejar de hacer el tonto con toda esta mierda del satanismo y la magia negra. Es un rollo peligroso y si no sabes lo que estás haciendo lo mejor que puedes hacer es olvidarlo por completo.
Pero a Nikki no le gustaba que le leyesen la cartilla.
- No pasa nada -dijo-. Es que me mola la estética. Son símbolos sin sentido, joder. Sólo los hago para cabrear a la gente, Tampoco es que sea adorador de Satán ni nada por el estilo, coño.
Sabía que no cambiaría de opinión, de modo que me marché. Cuando regresé dos noches más tarde, había tenedores y cuchillos clavados en las paredes y en el techo, y Nikki y Lita parecían mucho más pálidos y enfermizos de lo habitual.
- ¿Qué demonios habéis estado haciendo? -les pregunté.
- No hemos hecho nada, tío -dijo Lita-. Intenté decírtelo el otro día: las cosas se echan a volar solas.
Y justo en el momento en el que dijo aquello, y juro por Dios que esto lo vi con mis propios ojos, un cuchillo y un tenedor se elevaron flotando de la mesa y se clavaron en el techo justo encima de donde yo estaba sentado.
- Se acabó lo de "gritar con el diablo". Como sigas gritando con el diablo, vas a acabar muerto.
Podéis pensar lo que os dé la gana, pero yo creo sinceramente que, sin saberlo, Nikki fue a dar con algo realmente malvado, algo peligroso y más allá de su control que estaba a punto de causarle un serio perjuicio. Nikki debió llegar a la misma conclusión, ya que poco después decidió por su cuenta cambiarle el título al disco por el de Shout at the Devil [Grítale al Diablo]. A día de hoy, aquel incidente sigue siendo una de las cosas más extrañas que he visto en mi vida.
Tom Zutaut.

Escalofriante, ¿verdad? Bien, pues yo en el sentido de gritar con el diablo estoy muy tranquilo, ya que mi nick completo es Memnoch el Diablo y como diablo que soy, siempre que grito estoy gritando con el diablo; nada particular para un tipo como yo. Como curiosidad os diré que mi nick proviene del personaje de Memnoch -el diablo, obviamente-, del quinto libro de las Crónicas Vampíricas de Anne Rice, titulado del mismo modo; os recomiendo leerlo ya que de todos los de la excelente saga es el más profundo y especial, tratando la historia de la humanidad, la concepción de cielo e infierno y la teología desde un punto de vista completamente diferente a lo que podáis haber leído con anterioridad.

¿No es encantador? Sólo he escrito unos pocos párrafos y ya he hecho la primera recomendación literaria del blog, y no sólo eso sino que también os he contado una curiosa historia para no dormir. Además el blog ha quedado bonito, ¿no es verdad? En fin. Espero que la lectura os haya resultado interesante y enriquecedora, de todo corazón, y también espero que continuéis pasándoos por aquí para, cuando os apetezca, gritar con el Diablo.

Un abrazo.